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País de las maravillas artificiales

Yang Yongliang

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País de las maravillas artificiales
es una serie iniciada en 2010. Yang Yongliang utiliza imágenes arquitectónicas como pinceladas; pesadas rocas de montaña con detalles enriquecidos hacen referencia fiel a la pintura paisajística de la dinastía Song. El desarrollo urbano hace que la vida en la ciudad prospere, pero también aprisiona estas vidas. La antigua tradición cultural China está muy arraigada, pero también permanece estancada. Los antiguos chinos pintaron paisajes para alabar la grandeza natural; las obras de Yang, por el contrario, invitan a repensar de manera crítica la realidad contemporánea.

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En País de las maravillas artificiales II (2014), hay réplicas digitales de dos pinturas de maestros de la dinastía Song: Viajeros entre montañas y corrientes (Fan Kuan) y Bosque invernal bajo la nieve (anónimo). Mientras que los paisajes antiguos parecen atemporales, la interpretación de Yang de este último trabajo es una imagen nocturna, titulado Bosque invernal en la noche. La serie de 2014 presenta un gran avance en términos de técnica digital -la pieza es más grande que nunca y enriquecido con imágenes formidablemente detalladas. Además, Yang integró rocas naturales de montaña con el inconfundible paisaje artificial por primera vez. Las imágenes de rocas de montaña se toman sobre todo en Islandia y Noruega. En 2015, País de las maravillas artificiales II fue finalista de Prix Pictet -el premio mundial sobre fotografía y sustentabilidad.



Día de la noche perpetua
y Noche del día perpetuo, son dos piezas que ejemplifican una línea del trabajo reciente de Yang Yongliang en video, donde el paisaje tradicional extiende una narrativa entre una temporalidad sutil y una atemporalidad difusa. Con la misma técnica rigurosa que caracteriza sus imágenes fijas, en estos videos hace uso del tiempo como una herramienta más para enfatizar la paradoja de nuestro tiempo: ese cruce de caminos entre la nostalgia necesaria, el caos nuestro de cada día y la imaginación.

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Noche de día perpetuo. Ver video muestra aquí

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Día de noche perpetuaVer video muestra aquí

YangYongLiangYang Yongliang (Shanghai, 1980). Se graduó de la Academia de Artes China en 2003, se especializó en comunicación visual. Comenzó sus experimentos con arte contemporáneo en 2005, y su práctica involucra diversos medios, incluyendo fotografía, pintura, video e instalación. Yang saca provecho de la conexión entre el arte tradicional y lo contemporáneo al integrar la estética oriental antigua y tópicos literarios con el lenguaje moderno y técnicas digitales. Su trabajo como una meta-narrativa en expansión se basa en la historia, el mito y la cultura social, y abarca el contexto de la ciudad y sus paisajes siempre cambiantes.

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Día de la noche perpetua
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Noche de día perpetuo. Ver video muestra aquí

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Día de noche perpetuaVer video muestra aquí

YangYongLiangYang Yongliang (Shanghai, 1980). Se graduó de la Academia de Artes China en 2003, se especializó en comunicación visual. Comenzó sus experimentos con arte contemporáneo en 2005, y su práctica involucra diversos medios, incluyendo fotografía, pintura, video e instalación. Yang saca provecho de la conexión entre el arte tradicional y lo contemporáneo al integrar la estética oriental antigua y tópicos literarios con el lenguaje moderno y técnicas digitales. Su trabajo como una meta-narrativa en expansión se basa en la historia, el mito y la cultura social, y abarca el contexto de la ciudad y sus paisajes siempre cambiantes.

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Beijing: Reciclaje y memoria

Lei Lei + Thomas Sauvin

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Beijing Silvermine es un proyecto del fotográfo francés Thomas Sauvin que rescata el registro fotográfico de los habitantes de Beijing posterior a la revolución cultural. Desde 1985 momento en que la fotografía (de 35 mm principalmente) se populariza en China, hasta alrededor del 2005, fecha en que se abre paso a la fotografía digital.

Durante varios años, Sauvin se dedicó a recolectar negativos (muchos de ellos nunca impresos), recuperados de una planta de reciclaje en el borde de Beijing. Tras una exaustiva selección y digitalización, ha generado un interesante archivo de más de medio millón de negativos de 35 mm que se ha vuelto un interesante registro de la vida pública y privada de los habitantes de esa ciudad. Recordemos que en los últimos 20 años China ha tenido una apertura económica sin precedentes, lo cual ha redefinido totalmente la forma en que los habitantes de sus ciudades prosperan, viajan, consumen y se recrean.

Este acopio de material de procedencia anónima ha sido materia prima para la edición de una colección de fotolibros y exhibiciones, donde el trabajo de edición de Sauvin es el aporte autoral para la reinterpretación de una forma de apropiación, que incluso ha sido punto de partida para piezas colaborativas como la animación del artista visual chino Lei Lei, quien seleccionó 3000 de estas imágenes para elaborar en 2013 una pieza audiovisual títulada precisamente Recycled. Por su parte el realizador Emiliad Guillermine produjo un breve documental que da testimonio de la experiencia de Sauvin y su exhaustivo y meticuloso proceso de recolección, selección, edicion y digitalización de esas miles de imágenes rescatadas.

Así, el trabajo de Sauvin permite acercarnos a una parte de la memoria colectiva de la sociedad china actual y entender como ésta ha ido modificando sus dinámicas culturales en los últimos años, y por otra parte nos acerca de una manera diferente a la experiencia de la apropiación y el reciclaje visual en un tiempo en que la producción y consumo masivo de imágenes nos lleva a entender la importancia, pero sobretodo las enormes posibilidades autorales del editor y curador para generar nuevos discursos.

sauvinThomas Sauvin (Francia) es un coleccionista de fotografías y editor que vive en Pekín. Desde 2006 trabaja exclusivamente como consultor del Archive of Modern Conflict del Reino Unido, un archivo independiente y una editorial para el cual recopila obras chinas, desde fotografías contemporáneas hasta publicaciones periódicas y fotografías anónimas. Sauvin ha tenido exposiciones de su trabajo y realizado publicaciones a través del Archive of Modern Conflict.

leiLei Lei (China) es un artista multimedia emergente que realiza animaciones y trabaja con diseño gráfico, ilustración, cortos de dibujos animados, graffiti e incluso música. En 2009 obtuvo el grado de maestría en la Universidad de Tsinghua. En 2010, su película This is LOVE fue exhibida en el Festival Internacional de Animación de Ottawa, y premiada como el Mejor Cortometraje Narrativo de 2010. En 2013 su película Recycled fue seleccionada para el Festival de Annecy y obtuvo el Gran Premio de cortometrajes no narrativos en el Festival Internacional de Cine de Animación de Holanda. En 2014 Lei Lei fue jurado en el Festival de Zagreb, así como en el Festival Internacional de Cine de Animación de Holanda, e igualmente fue el ganador de la beca del Consejo Cultural Asiático en 2014.

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Pasajeros

Alfredo Esparza

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450 videorretratos hechos con teléfono móvil

Al tener que recorrer largas distancias diariamente en la Ciudad de México para trasladarse de la casa al trabajo o la escuela y luego volver a la primera, los usuarios del metro utilizan este medio como un apéndice temporal del hogar, donde se puede recabar tanta privacidad e intimidad como sea necesaria.

La mayoría de los usuarios optan por este recurso aun cuando el metro pueda ir con sobrecupo. Con tal de ganarle minutos al día, el viajante se abstrae de lo que sucede en el vagón durante el recorrido para charlar con su acompañante, terminar labores pendientes, o recogerse en el descanso y la introspección.

Lo importante es que el periplo faculta al usuario para hacer algo más que viajar, no solo por la urgencia de aprovechar el tiempo en una ciudad donde los desplazamientos son tan prolongados, sino también por la oportunidad de concederse tiempo para uno.


  

videorretrato #32
videorretrato #41
videorretrato #56
videorretrato #123
videorretrato #197
videorretrato #201
videorretrato #222
videorretrato #262
videorretrato #297
videorretrato #360
videorretrato #363
videorretrato #375
videorretrato #395
videorretrato #412
videorretrato #343
videorretrato #356
videorretrato #272
videorretrato #323
alejoAlfredo Esparza (Torreón, México. 1980). Artista visual. Utiliza la fotografía y el vídeo como soportes principales para elaborar sus piezas. Trabajó en el Museo Nacional de Culturas Populares, donde fue jefe del departamento de exposiciones siendo responsable de 20 exposiciones. Actualmente hace curadurías y museografías de manera independiente. Su trabajo ha sido publicado en Vice, Siglo Nuevo y Cuartoscuro entre otras revistas. Ha expuesto en México, EE.UU., Italia y España.

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videorretrato #32
videorretrato #41
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alejoAlfredo Esparza (Torreón, México. 1980). Artista visual. Utiliza la fotografía y el vídeo como soportes principales para elaborar sus piezas. Trabajó en el Museo Nacional de Culturas Populares, donde fue jefe del departamento de exposiciones siendo responsable de 20 exposiciones. Actualmente hace curadurías y museografías de manera independiente. Su trabajo ha sido publicado en Vice, Siglo Nuevo y Cuartoscuro entre otras revistas. Ha expuesto en México, EE.UU., Italia y España.

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Sammy Slabbinck y el collage narrativo

Sammy Slabbinck

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Sammy Slabbinck es un artista belga, que se apropia de elementos fotográficos para reinterpretarlos y generar sus particulares collages. En este sentido Sammy es un recolector de imágenes que busca crear atmósferas atemporales, al combinar fotografía e ilustración de diferentes épocas, y de las más diversas fuentes, para generar narrativas con un toque de ironía y critica.

Y es que en comparación con otros trabajos similares, las imágenes de Sammy tienen un cuidado muy preciso compositiva y conceptualmente, nada se deja al azar o a la libre interpretación. Sus piezas no están sujetas únicamente a decisiones de índole estético, razón por la que frecuentemente esta técnica queda relegada a la experimentación plástica, por el contrario Sammy va más allá y hace uso de las posibilidades tecnológicas para llevarla a otro nivel. Con el uso del stop motion genera breves animaciones que poseen una narrativa particular donde no faltan los recursos lúdicos y metafóricos, lo que le da un frescor y nuevas posibilidades al collage tradicional. Así, esta técnica deja de ser un recurso meramente gráfico y se incorpora de lleno al lenguaje audiovisual; logrando con ello una interesante convergencia de formatos y lenguajes que definitivamente perpetuará la vigencia del collage como una de las técnicas que ha acompañado a la fotografía desde sus inicios.


  

Erupciones de bebé
Imprimiendo galaxias
Cosiendo el origen de la especie
Ciudad disección
Disparos de aves
La persecución eterna
Davis es aburrido
Tiempo de jugar
Ser un fotógrafo de stock es aburrido
¿Yo era una especia de maniaca?
Disparando desayunos
Los pájaros
Selfie romano
El blues de lunes
Imagen no encontrada
Cara rota
.
¿Qué fue primero? ¿El pollo de papel o la gallina?
Listo para el despegue
Kanye: feliz vs triste
Evolución
 
 
alejoSammy Slabbinick (Bélgica, 1977). Artista que combina series de fotografías encontradas creando collages surrealistas en papel e impresiones, y en animaciones stomotion (cuadro por cuadro).
 

 
 
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.
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Geografía del dolor

ZoneZero

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Geografía del Dolor está pensado como un espacio geográfico virtual donde el usuario o visitante realiza un recorrido por diferentes regiones de México donde encontramos diferentes historias que relatan acontecimientos que han rebasado al sistema institucional, autoridades y ciudadanos de este país con casos de personas que han perdido la vida, que están desaparecidas o no localizadas.

Este web documental existe gracias a la convergencia del cine documental en sincronía con la interactividad que permiten los medios digitales. El lenguaje audiovisual se mezcló con el lenguaje de programación y dio como resultado nuevos modelos para contar una historia de manera interactiva, es decir, un documental interactivo. Así este proyecto utiliza una narrativa clara y directa que permite al espectador entender como experiencia la situación de inseguridad en México y sus casos de desaparición.

Mónica GonzálezMónica González. Fotógrafa. Estudio Ciencias de la Comunicación y Periodismo en la Facultad Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad Nacional Autónoma de México. Ha colaborado en Revista Expansión, The Dallas Morning News, Newsweek Magazine, Nike, HBO Proyecto 48, NOTIMEX, Periódico El Economista, Diario El Centro, VICE México, NFB Canadá, actualmente es fotógrafa staff del Diario Milenio. Becaria Jóvenes Creadores FONCA 2009-2010 y 2013 por el proyecto El Sentido Anatómico, la transexualidad, el nuevo núcleo familiar. Premio Nacional de Periodismo 2006 categoría Fotografía por el Reportaje Migración de mexicanos en el cruce fronterizo de Altar – Sasabe, Sonora, por el desierto de Arizona. Y en 2011 por su trabajo documental Geografía del Dolor.
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Mónica GonzálezMónica González. Fotógrafa. Estudio Ciencias de la Comunicación y Periodismo en la Facultad Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad Nacional Autónoma de México. Ha colaborado en Revista Expansión, The Dallas Morning News, Newsweek Magazine, Nike, HBO Proyecto 48, NOTIMEX, Periódico El Economista, Diario El Centro, VICE México, NFB Canadá, actualmente es fotógrafa staff del Diario Milenio. Becaria Jóvenes Creadores FONCA 2009-2010 y 2013 por el proyecto El Sentido Anatómico, la transexualidad, el nuevo núcleo familiar. Premio Nacional de Periodismo 2006 categoría Fotografía por el Reportaje Migración de mexicanos en el cruce fronterizo de Altar – Sasabe, Sonora, por el desierto de Arizona. Y en 2011 por su trabajo documental Geografía del Dolor.
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Omertà petrolera

Antonio Briceño

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01

Nada más aterrador que el silencio. El silencio pétreo, desolador, impenetrable a toda realidad. El silencio que no se atreve a ser roto; que vio, pero mejor no. Silencio de miedo, silencio de indiferencia, silencio de interés, silencio de complicidad. De ahora tú, luego yo. Silencio denigrante, repulsivo, abyecto. Vergüenza para la especie.

Toda una era glacial congelando alaridos. Los jueces, los compinches, los argumentadores, los dogmáticos, los evasivos, los medios (que quedan) Los gobiernos, las naciones, las instancias continentales y mundiales. Todos congelados. Hay demasiado petróleo acá como para que se oiga; demasiado dinero como para que puedan escuchar. Aún no les llega el grito atronador de sus semejantes. No les asoma el dolor de los abusados. No les sonroja la vejación ni aún cuando se perpetra a la luz pública. Omertà general, mientras les den sus barriles. La petrolera era del silencio. Vergüenza para la historia.

Abril de 2014

 

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Antonio BriceñoAntonio Briceño. (Caracas, Venezuela, 1966). Licenciado en Biología de la Universidad Central de Venezuela, cursa actualmente un Máster en Artes Digitales den la Universitat Pompeu Fabra, Barcelona España. Ha participado en la escena artística venezolana e internacional desde 1987.
 

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Abril de 2014

 

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Antonio BriceñoAntonio Briceño. (Caracas, Venezuela, 1966). Licenciado en Biología de la Universidad Central de Venezuela, cursa actualmente un Máster en Artes Digitales den la Universitat Pompeu Fabra, Barcelona España. Ha participado en la escena artística venezolana e internacional desde 1987.
 

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El universo inesperado de cada día

Mauricio Alejo

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En relación a sus videos y motivado por una entrevista, nos comparte Mauricio la siguiente reflexión:

Recientemente fui entrevistado por Katrin Steffen. Me preguntó qué pensaba de la idea de que mis videos fueran surrealistas. La pregunta me tomó por sorpresa; no porque no estuviera consciente de, digamos, este acercamiento a mi trabajo –otras personas han hecho la misma observación–, pero la manera directa y sencilla con la que había formulado la pregunta me sorprendió. Es interesante que, hasta entonces, había resistido calificar a mi trabajo como surrealista. No sé por qué. Quizá, irreflexivamente, no me gustaba la idea, pero una vez que salió la pregunta, no tuve más remedio que ponerme de acuerdo con lo que había estado negando tan obstinadamente.

Contestarla fue a la vez liberador y revelador. Llegué a entender que, en efecto, hay un elemento surrealista fuerte en mi trabajo, probablemente "a la Magritte", como en "Esto no es una pipa" (en oposición a "a la Dalí", cuyo trabajo no me gusta, pues es demasiado espectacular para mi gusto). De cualquier manera, lo que puedo decir es que no estoy tratando de abrir una puerta al inconsciente, sino a un mundo más evidente y tangible, que sin embargo es sorprendente, ya que existe y sólo está oculto a simple vista.

De estas líneas se desprende un deseo por ofrecer ojos nuevos a un universo que se esconde en la falsa transparencia del lenguaje fotográfico. En varias de las obras aquí presentadas, nuestra lectura de una imagen fija se trastoca, gracias al discurrir del tiempo, en algo por completo distinto. El universo es la sorpresa de algo infinitamente más cotidiano y la gravedad, en un sesgo imprevisto, desmiente la ligereza del aire. En todas ellas, la temporalidad del video fue el contexto necesario para poner en evidencia que la fotografía puede ser un mapa de la realidad, pero no es el territorio mismo de ella, así como en la pieza Mundo, el mundo que no para de moverse es distinto del mundo que no para de moverse en torno a él, y a su vez distinto de este nuestro mundo que tampoco se detiene.

 


 

 

Universo II
Línea 
Hoyo
Gravedad
Ramita
Grieta
Contenedor
Realidad y ficción
Mundo
alejoMauricio Alejo (México, 1969). Obtuvo la Maestría de Arte de la Universidad de Nueva York en 2002, como un receptor de la beca Fulbright. En 2007, fue artista residente en el NUS Centre for the Arts de Singapur. Ha recibido varios premios y becas, incluyendo la beca de la Fundación de Nueva York para las Artes, en 2008. Su obra es parte de colecciones importantes como la Daros Latinoamérica Collection en Zürich. Su trabajo ha sido reseñado en revistas importantes, como Flash Art, Art News y Art in America. Ha tenido exposiciones individuales en Nueva York, Japón, Madrid, París y México, y su obra ha sido expuesta en el CCA Wattis Institute of Contemporary Arts en San Francisco, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y en la octava Bienal de La Habana, entre otros lugares. Actualmente vive y trabaja en Nueva York.


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Universo II
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alejoMauricio Alejo (México, 1969). Obtuvo la Maestría de Arte de la Universidad de Nueva York en 2002, como un receptor de la beca Fulbright. En 2007, fue artista residente en el NUS Centre for the Arts de Singapur. Ha recibido varios premios y becas, incluyendo la beca de la Fundación de Nueva York para las Artes, en 2008. Su obra es parte de colecciones importantes como la Daros Latinoamérica Collection en Zürich. Su trabajo ha sido reseñado en revistas importantes, como Flash Art, Art News y Art in America. Ha tenido exposiciones individuales en Nueva York, Japón, Madrid, París y México, y su obra ha sido expuesta en el CCA Wattis Institute of Contemporary Arts en San Francisco, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y en la octava Bienal de La Habana, entre otros lugares. Actualmente vive y trabaja en Nueva York.


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Copy Shop

Virgil Widrich

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Copy Shop, 2001
Escrita, dirigida, producida y editada por Virgilio Widrich

Una película de copia original. Del año 2001, en 35 mm. b/w, con duración de 12 min. Sonora sin diálogo.
La película Copy Shop en realidad consiste en cerca de 18,000 cuadros digitales fotocopiados, que están animados y filmados con una cámara de 35 mm.

widrichVirgil Widrich (Salzburgo, 1967), vive en Viena. Trabaja en numerosas producciones de multimedia y de cine. Su primer largometraje es Heller als der Mond (Más brillante que la Luna). Su cortometraje Copy Shop ganó 35 premios internacionales y fue nominado para el Oscar. Fast Film se estrenó en Cannes 2003 y ha ganado 36 premios. Ahora está trabajando en una nueva película, The Night of a Thousand Hours.
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Charla con Caspar Sonnen sobre Narración Interactiva

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Entrevista con Caspar Sonnen sobre la narrativa en los nuevos medios. Febrero 2015

sonnenCaspar Sonnen. Estudió Nuevos Medios de Comunicación y Cine en la Universidad de Utrecht. Ha trabajado para festivales de cine y arte multimedia. En 2003, fue cofundador the Aprovecha la Noche, un festival de cine al aire libre en Amsterdam. En 2005, Sonnen se convirtió en el coordinador de nuevos medios para el Festival Internacional de Documentales de Amsterdam (IDFA). En 2008, lanzó IDFA DocLab. El programa se convirtió rápidamente en una plataforma internacional para webdocs interactivos y otros nuevos géneros donde la tecnología digital y la narración documental convergen.
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Entrevista con Virgil Widrich

ZoneZero

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Entrevista con Virgil Widrich sobre su proceso en cortometrajes. Febrero 2015

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Proyectos de Andy Joule

ZoneZero

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Andy Joule trabaja con una combinación de técnicas tradicionales y digitales, echando mano de recursos como el stopmotion, la edición en capas y el time-lapse, llevando a este último del simple efectismo técnico a  terrenos más próximos como el video experimental o inclusive el documental ficción. El tiempo entonces se convierte en protagonista, donde objetos principlamente inhertes, comienzan a experimentar cambios; visibles unicamente a partir de hacer más evidente la capa de temporalidad sobre las las secuencias presentadas. De esta manera el trabajo de Joule, sustancialmente lleva a la manipulación, deconstrucción y reinterpretación del tiempo y el espacio, proponiendo con ello narrativas no convencionales y nuevas formas de entender la temporalidad en formatos audiovisuales breves.

SALVAGE

Inspirado por una cita del naturalista Jacques Yves Cousteau, esta película explora la forma en que la naturaleza se aferra a la vida, encuentra un punto de apoyo, y en última instancia, reclama lo que es suyo. La solidéz de estas bestias de metal se pone en duda al tiempo que el óxido y el desconchón se pasa al suelo poco a poco.

ELIPSIS
Los patrones de luz, que se mueve por el tiempo y el espacio, revelan la otra cara de la naturaleza. Se muestran los lugares en los que hemos estado, las huellas de nuestra existencia, breves destellos de nuestra interacción a través de nuestros sistemas, nuestros procesos, nuestra vida. El viaje comienza con esperanza: un mundo feliz con su estructura y diseño audaz; brillante, limpio, optimista. Pero el tiempo erosiona, y la esperanza se desvanece al tiempo que la familiaridad nos envuelve. Vemos el deterioro, tanto física como espiritual, a través del polvo y el descuido.



Matthew HashiguchiAndy Joule es un cineasta y animador. Estudió animación en el West Surrey College of Art & Design. Después de graduarse, trabajó en Londres, Manchester, Bristol, Holanda y en los Estados Unidos. Sus películas ha sido proyectados en festivales y competencias en todo el mundo. Ha dado clases en Volda University College, Noruega, es profesor titular en animación en la University for the Creative Arts, un miembro del jurado BAFTA y un miembro de la Royal Society of Arts.
 
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SALVAGE

Inspirado por una cita del naturalista Jacques Yves Cousteau, esta película explora la forma en que la naturaleza se aferra a la vida, encuentra un punto de apoyo, y en última instancia, reclama lo que es suyo. La solidéz de estas bestias de metal se pone en duda al tiempo que el óxido y el desconchón se pasa al suelo poco a poco.

ELIPSIS
Los patrones de luz, que se mueve por el tiempo y el espacio, revelan la otra cara de la naturaleza. Se muestran los lugares en los que hemos estado, las huellas de nuestra existencia, breves destellos de nuestra interacción a través de nuestros sistemas, nuestros procesos, nuestra vida. El viaje comienza con esperanza: un mundo feliz con su estructura y diseño audaz; brillante, limpio, optimista. Pero el tiempo erosiona, y la esperanza se desvanece al tiempo que la familiaridad nos envuelve. Vemos el deterioro, tanto física como espiritual, a través del polvo y el descuido.



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Sopa de buena suerte

Matthew Hashiguchi

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Sopa de Buena Suerte

Es un proyecto de narración transmedia, que documenta y comparte las historias de la experiencia de los nipo-estadounidenses y los nipo-canadienses después de salir de los campos de concentración. El proyecto consiste en un documental titulado Good Luck Soup y en un sitio web participativo e interactivo, Good Luck Soup Interactive. En este sitio se contarán historias a través de textos y fotografías de las víctimas de los campos o de sus familias.

La gente no es del todo mala

En este cortometraje documental, Yutaka Kobayashi, de 88 años de edad, comparte sus dificultades como nipo-estadounidense antes y en los días previos a los campos de concentración de los nipo-estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial. Sorprendentemente, fue durante este período oscuro que experimentó la compasión y la bondad de donde menos lo esperaba, un guardia de una torre de ametralladora del campo de internamiento Topaz.

ZZ. ¿Cuál ha sido la reacción del público a su invitación a participar en el proyecto de narración transmedia?

MH. Hemos tenido una respuesta consistentemente positiva de la comunidad nipo-estadounidense y -canadiense. Inicialmente, creo que muchos han estado nerviosos por compartir sus propias historias y experiencias, pero una vez que nos sentamos con ellos y hablamos de su vida, tienden a abrirse. Ha sido una forma de catarsis, creo, porque muchas personas nunca han discutido sus problemas o experiencias por ser nipo-estadounidense y -canadiense…y algunas de estas cosas, que han sido reprimidas, son temas o reflexiones muy difíciles. Así que, es una experiencia muy emocional compartir estos pensamientos y sentimientos. Todavía no las hemos abierto al público en general, pero de nuevo, todos han sido siempre positivos, y no tengo ninguna razón para pensar que la reacción será diferente una vez que las historias están disponibles a todos los nipo-estadounidenses y nipo-canadienses.

ZZ. ¿Qué medios de publicidad estás utilizando o planeas utilizar para la difusión del proyecto? 

MH. Las redes sociales serán una enorme herramienta para la publicidad y el marketing. Ya hemos llegado y hemos conocido a tanta gente a través de Twitter y Facebook, y sin duda vamos a seguir utilizando esta forma de promoción. Hemos estado en comunicación con muchas organizaciones asiáticos-americanos y asiáticos-canadienses que han ofrecido su apoyo una vez que el proyecto esté terminado, y la oportunidad de colaborar con organizaciones como el Japanese American Citizens League, el Japanese American National Museum y el Nikkei National Museum sería impagable. Sin duda, estamos inspirados por su misión y consideramos nuestro proyecto como una continuación de lo que ellos ofrecen al público.

Además del documental interactivo, este proyecto también incluye un largometraje. Los festivales de cine serán otra gran oportunidad para proyectar el largometraje y presentar el proyecto interactivo a un público.

ZZ. ¿Puedes compartir con nosotros cómo has experimentado la realización, difusión y el alcance del proyecto hasta la fecha?

MH. Ha sido un proceso muy gradual y de colaboración, y por suerte tengo un increíble equipo de colegas y amigos que han hecho posible la realización de este proyecto; y, sin su ayuda, no habría sido capaz de realizarlo. La carga de trabajo se divide bastante bien. En este momento, nuestro diseñador web/programador (Russell Goldenberg) está construyendo el sitio. Él es el que está solo escribiendo en la computadora. Cada tantas semanas, todos tenemos una reunión donde se discute la dirección del proyecto y después Russell va y lo ejecuta. Billy Wirasnik, Emily Ferrier y yo hemos estado a cargo de la colección de contenidos. Así que estamos acotando el objetivo de las historias y en muchos casos, salimos y encontramos esas historias y las personas. Es una colaboración sólida, compuesta de diversas visiones creativas, más que de una. Y, como el creador del proyecto, me gusta mucho un enfoque de “dejar hacer”/no intervencionista, que permite a los individuos inventar una idea y hacerla suya. 
 

Matthew HashiguchiMatthew Hashiguchi (1984). Radicado en Boston, Massachusetts. Después de graduarse de la Universidad de Ohio en 2007 con una licenciatura en fotoperiodismo, empezó a trabajar como periodista de multimedia y como pasante de los periódicos The Findlay Courier, The Lima News y The Washington Post. En 2008, regresó a estudiar y se graduó de Emerson College con una maestría en artes y medios visuales, y desde entonces ha trabajado como director de documentales y maestro. Su trabajo se centra en las historias culturales, sociales y étnicas de la sociedad estadounidense. Recibió varios premios por su película The Lower 9.
 
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Sopa de Buena Suerte

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La gente no es del todo mala

En este cortometraje documental, Yutaka Kobayashi, de 88 años de edad, comparte sus dificultades como nipo-estadounidense antes y en los días previos a los campos de concentración de los nipo-estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial. Sorprendentemente, fue durante este período oscuro que experimentó la compasión y la bondad de donde menos lo esperaba, un guardia de una torre de ametralladora del campo de internamiento Topaz.

ZZ. ¿Cuál ha sido la reacción del público a su invitación a participar en el proyecto de narración transmedia?

MH. Hemos tenido una respuesta consistentemente positiva de la comunidad nipo-estadounidense y -canadiense. Inicialmente, creo que muchos han estado nerviosos por compartir sus propias historias y experiencias, pero una vez que nos sentamos con ellos y hablamos de su vida, tienden a abrirse. Ha sido una forma de catarsis, creo, porque muchas personas nunca han discutido sus problemas o experiencias por ser nipo-estadounidense y -canadiense…y algunas de estas cosas, que han sido reprimidas, son temas o reflexiones muy difíciles. Así que, es una experiencia muy emocional compartir estos pensamientos y sentimientos. Todavía no las hemos abierto al público en general, pero de nuevo, todos han sido siempre positivos, y no tengo ninguna razón para pensar que la reacción será diferente una vez que las historias están disponibles a todos los nipo-estadounidenses y nipo-canadienses.

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Además del documental interactivo, este proyecto también incluye un largometraje. Los festivales de cine serán otra gran oportunidad para proyectar el largometraje y presentar el proyecto interactivo a un público.

ZZ. ¿Puedes compartir con nosotros cómo has experimentado la realización, difusión y el alcance del proyecto hasta la fecha?

MH. Ha sido un proceso muy gradual y de colaboración, y por suerte tengo un increíble equipo de colegas y amigos que han hecho posible la realización de este proyecto; y, sin su ayuda, no habría sido capaz de realizarlo. La carga de trabajo se divide bastante bien. En este momento, nuestro diseñador web/programador (Russell Goldenberg) está construyendo el sitio. Él es el que está solo escribiendo en la computadora. Cada tantas semanas, todos tenemos una reunión donde se discute la dirección del proyecto y después Russell va y lo ejecuta. Billy Wirasnik, Emily Ferrier y yo hemos estado a cargo de la colección de contenidos. Así que estamos acotando el objetivo de las historias y en muchos casos, salimos y encontramos esas historias y las personas. Es una colaboración sólida, compuesta de diversas visiones creativas, más que de una. Y, como el creador del proyecto, me gusta mucho un enfoque de “dejar hacer”/no intervencionista, que permite a los individuos inventar una idea y hacerla suya. 
 

Matthew HashiguchiMatthew Hashiguchi (1984). Radicado en Boston, Massachusetts. Después de graduarse de la Universidad de Ohio en 2007 con una licenciatura en fotoperiodismo, empezó a trabajar como periodista de multimedia y como pasante de los periódicos The Findlay Courier, The Lima News y The Washington Post. En 2008, regresó a estudiar y se graduó de Emerson College con una maestría en artes y medios visuales, y desde entonces ha trabajado como director de documentales y maestro. Su trabajo se centra en las historias culturales, sociales y étnicas de la sociedad estadounidense. Recibió varios premios por su película The Lower 9.
 
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Historias de una toma

Josef Wladyka

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20

Mi mamá salió de Japón hace más de treinta años y no regresó hasta el noviembre del 2010. Esta es su historia.

Ubicación: Tokio, Japón.
Cinematografía: Stan Wladyka.
Música: Tyler Parkinson.


Okaasan お母さん


Empezando como artista infantil en Odessa, Rusia, Albert Makhtsier ha estado actuando durante más de medio siglo. A pesar de haber sido diagnosticado con la enfermedad de Parkinson, Albert sigue siendo uno de los mejores actores de Nueva York. Esta es su historia.

Ubicación: Times Square, Nueva York.
Cinematografía: Alan Blanco.
Música: Tyler Cash.


Albert Makhtsier


Curai es un pueblo pequeño y unido de pescadores en la costa del Pacífico del Sur de Colombia. Es un lugar en donde casi todos comparten el mismo apellido. Jacobo es el líder de la comunidad y ésta es una de sus historias.

Ubicación: Curai, Colombia.
Cinematografía: Leonardo D'Antoni.
Música: Tyler Cash.


Jacobo Castillo Salazar

Esto es una colección de historias personales contadas en una sola toma. Cada historia es una exploración de la esencia universal de la condición humana y de nuestras conexiones el uno con el otro, que se extienden más allá de las fronteras.

WladykaJosef Wladyka. Vive en Nueva York. Influenciado por sus papas, Josef desarrolló una fascinación por las películas desde muy joven. En la preparatoria empezó a experimentar con la cinematografía y desde entonces ha creado varias películas cortas y comerciales que han sido proyectados en festivales en todo el mundo. Tiene un MFA de NYU Tisch Graduate Film, donde ganó el Spike Lee Fellowship. Su largometraje de debut, Manos Sucias (2014), ha ganado varios premios.

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Curai es un pueblo pequeño y unido de pescadores en la costa del Pacífico del Sur de Colombia. Es un lugar en donde casi todos comparten el mismo apellido. Jacobo es el líder de la comunidad y ésta es una de sus historias.

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Esto es una colección de historias personales contadas en una sola toma. Cada historia es una exploración de la esencia universal de la condición humana y de nuestras conexiones el uno con el otro, que se extienden más allá de las fronteras.

WladykaJosef Wladyka. Vive en Nueva York. Influenciado por sus papas, Josef desarrolló una fascinación por las películas desde muy joven. En la preparatoria empezó a experimentar con la cinematografía y desde entonces ha creado varias películas cortas y comerciales que han sido proyectados en festivales en todo el mundo. Tiene un MFA de NYU Tisch Graduate Film, donde ganó el Spike Lee Fellowship. Su largometraje de debut, Manos Sucias (2014), ha ganado varios premios.

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Lo mejor de lo peor

Antonio Contreras y Rafael Torrado

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Nos detuvimos a fumar debajo de un puente y vimos a tres personajes sentados en un sillón, frente a una gran pantalla de piedra. Les dijimos que eramos fotográfos y queríamos retratarlos. Al principio se mostraron tímidos (nosotros también) y empezamos haciendo tomas del lugar: la sala, el baño, la casa, el jardín. Poco a poco fuimos conociéndolos más. Les gustó la propuesta y los visitamos un par de veces más. Un día todo desapareció, ni un rastro de ellos ni de sus pertenencias. decidimos investigar los sucedido al otro lado del puente donde también había gente instalada.

Allí conocimos a Manuelín, dueño de una pequeña casa ubicada entre las vías del tren ligero de la Ciudad de México y un puente vehicular. Le preguntamos por nuestros conocidos desaparecidos, y mencionó que hubo un operativo policiaco y varios de ellos habían sido detenidos. No supimos más, nadie sabia sus nombres. Manuelín y sus amigos nos recibieron muy bien desde el principio y ese mismo día nos llevaron a “la Madriguera”, un sitio donde el suelo está hecho de una inmensa masa de ropa y basura, de donde brotan ratas y cucarachas a cada paso, un lugar sería abandonado por el grupo después de inundarse por las lluvias.

Así fue como nació Lo mejor de lo peor, un proyecto fotográfico en un inicio y videográfico en una segunda etapa, que se desenvuelve simultáneamente entre el documental y la ficción, y la antropología y el periodismo.

De esta manera las fotografías que conforman la primera parte de este trabajo son resultado de la espontaneidad e imaginación de Manuelín y compañía, así como de una búsqueda constante de retratar diferentes momentos de los personajes en su propio espacio: una tarde tranquila “moneando” en el puente, un día caluroso bebiendo entre camiones y trenes, una noche de fiesta, la resaca de la mañana siguiente.

Esta es su historia. 

Antonio ContrerasAntonio Contreras (México). Radica en la Ciudad de México, donde realizó estudios de comunicación social en la Universidad Autónoma Metropolitana. Fue alumno del Diplomado en Fotonarrativa y Nuevos Medios 2014 de la Fundación Pedro Meyer. Publica regularmente en el blog colectivo Parteuno.


Rafael TorradoRafael Torrado (México). Fotógrafo mexicano nacido en el Distrito Federal. Estudiante de la Licenciatura en Comunicación Social en la Universidad Autónoma Metropolitana. A partir del año 2011 se dedica a la fotografía documental en la que desarrolla los temas de violencia, drogas, discriminación, movimientos sociales.




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Allí conocimos a Manuelín, dueño de una pequeña casa ubicada entre las vías del tren ligero de la Ciudad de México y un puente vehicular. Le preguntamos por nuestros conocidos desaparecidos, y mencionó que hubo un operativo policiaco y varios de ellos habían sido detenidos. No supimos más, nadie sabia sus nombres. Manuelín y sus amigos nos recibieron muy bien desde el principio y ese mismo día nos llevaron a “la Madriguera”, un sitio donde el suelo está hecho de una inmensa masa de ropa y basura, de donde brotan ratas y cucarachas a cada paso, un lugar sería abandonado por el grupo después de inundarse por las lluvias.

Así fue como nació Lo mejor de lo peor, un proyecto fotográfico en un inicio y videográfico en una segunda etapa, que se desenvuelve simultáneamente entre el documental y la ficción, y la antropología y el periodismo.

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Esta es su historia. 

Antonio ContrerasAntonio Contreras (México). Radica en la Ciudad de México, donde realizó estudios de comunicación social en la Universidad Autónoma Metropolitana. Fue alumno del Diplomado en Fotonarrativa y Nuevos Medios 2014 de la Fundación Pedro Meyer. Publica regularmente en el blog colectivo Parteuno.


Rafael TorradoRafael Torrado (México). Fotógrafo mexicano nacido en el Distrito Federal. Estudiante de la Licenciatura en Comunicación Social en la Universidad Autónoma Metropolitana. A partir del año 2011 se dedica a la fotografía documental en la que desarrolla los temas de violencia, drogas, discriminación, movimientos sociales.




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Diario

Noah Kalina

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Noah Kalina se ha tomado una foto cada día desde enero del 2000. Originalmente el proyecto estaba destinado a ser exclusivamente un trabajo fotográfico, pero, en el 2006, un video de lapso de tiempo de YouTube, producido por Ahree Lee, una diseñadora gráfica de California, lo inspiró a hacer lo mismo con sus autorretratos. Tres semanas después, este video se había vuelto en una sensación international de internet.

Noah KalinaNoah Kalina (E.E.U.U., 1980) es un fotógrafo que radica en Brooklyn y Lumberland, Nueva York. Se graduó de la Escuela de Artes Visuales con una licenciatura en fotografía. Su proyecto ‘Everyday’ fue un éxito internacional. Su trabajo ha sido expuesto en los E.E.U.U., Suiza, Italia, Bélgica, Francia, Australia, Inglaterra, Canada, Alemania y Holanda. También ha dado seminarios en varios países. Su trabajo se puede consultar en: noahkalina.com

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Noah KalinaNoah Kalina (E.E.U.U., 1980) es un fotógrafo que radica en Brooklyn y Lumberland, Nueva York. Se graduó de la Escuela de Artes Visuales con una licenciatura en fotografía. Su proyecto ‘Everyday’ fue un éxito internacional. Su trabajo ha sido expuesto en los E.E.U.U., Suiza, Italia, Bélgica, Francia, Australia, Inglaterra, Canada, Alemania y Holanda. También ha dado seminarios en varios países. Su trabajo se puede consultar en: noahkalina.com

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NHDK

Victor Enrich

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En el 2013 Enrich realizo NHDK, una serie de 88 imágenes - una para cada tecla del piano clásico - que explora las diversas posibilidades formales del NH Deutscher Kaiser Hotel en Munich, Alemania.

Me pareció hermoso para conectar dos disciplinas artísticas distintas, tales como la fotografía y la gráfica digital con el piano. —Victor Enrich.

enrichVictor Enrich (España, 1976). Artista catalán y amante de la naturaleza, literatura y arquitectura. Desde su infancia se ha concentrado, a través de varias técnicas, a crear imágenes de escenarios ficticios, vinculando siempre a las ciudades y a la arquitectura. Enrich se dedica en la actualidad exclusivamente al desarrollo de su arte, que está inseparablemente asociada a su otra gran pasión: viajar. Su trabajo es altamente valorado en el extranjero, triunfando en países como Israel, donde ha hecho varias exposiciones.

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Yo me amo, me amo, realmente me amo

Catherine Balet

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Catherine BaletCatherine Balet (Francia, 1959). Vive y trabaja entre París y Brighton. Graduada en el Ecole des Beaux Arts de París. Trabajó como pintora antes de ser fotógrafa hace diez años. Como profesional independiente, ha sido una constante colaboradora de varias revistas francesas e internacionales, también en la creación de imágenes para el mundo de la moda. Se ha especializado en el retrato de hoy con un enfoque artístico-sociológico. Su trabajo se puede consultar en: catherinebalet.

ZZ. La identidad es un tema importante en su obra. ¿De qué manera considera que las redes sociales y las nuevas tecnologías influyen en la identidad?

CB. Estoy interesada en particular en la búsqueda de la identidad ya que es un proceso que pone de manifiesto la creatividad y la sociología. Trato de representar a los jóvenes que buscan descubrir su identidad porque ellos son muy creativos en cuanto al uso de las herramientas que utilizan para ayudarles a expresarse. Hace diez años, y debido a que en ese momento, este fenómeno tenía mucha fuerza, puse en marcha la elaboración de una serie de fotografías sobre la forma en que la ropa, las marcas, las tendencias y los grupos, ponían de manifiesto la identidad. Esto me llevó de forma natural a la tecnología, porque los dispositivos han reemplazado a la ropa como un medio de expresión personal. Las “selfies" le dan oportunidad a los adolescentes, en este complejo proceso de creación de la identidad, a ser ellos mismos y al mismo tiempo, a ser como aquellos a quienes admiran. La imagen de sí mismos, al mismo tiempo desechable y renovable, es la mejor manifestación del cambio continuo que están experimentando. El hecho de que puedan “renovar” su perfil en las redes sociales y “seguir” al grupo que han elegido a partir del cumplimiento de los códigos de representación resulta esencial en el desarrollo de su identidad. Les brinda la oportunidad de validar sus opiniones y definir la idoneidad de sus actitudes y comportamientos. Los adolescentes tienen una mayor necesidad de presentarse a sí mismos y lograr que los demás los conozcan satisface esta necesidad. Los teléfonos celulares se han convertido en una especie de prótesis digital que conectan a través de las redes sociales, al "verdadero yo" con el "yo virtual", dando lugar a la creación de una doble personalidad.

ZZ. `Yo me amo, me amo, realmente me amo’ pone de manifiesto la relación directa de la conciencia narcisista del yo que se encuentra en las redes sociales. ¿Considera que las 'selfies' son sólo un resultado del narcisismo o piensa que encierran algo más?

CB. Narciso estaba enamorado de sí mismo y no buscaba interacción alguna. Me parece que tomarse una "selfie" no es un acto egoísta, sino una manera de lograr formar parte de una gran comunidad universal. Las “selfies" son retratos sociales que se muestran a los demás para reafirmar el hecho de estar vivo. Es una forma de cuestionamiento para que otros confirmen que uno está haciendo lo correcto. Su objetivo se centra más en formar parte de un mundo paralelo e idealizado. La característica más importante de estas imágenes de uno mismo es precisamente el hecho de ser "compartibles". Hoy en día las imágenes han sustituido a las palabras en la conversación interactiva con humor irónico y auto-burla la mayoría de las veces.

ZZ. Los vídeos también representan la visión de una fotografía rápida con movimiento que afecta a nuestra cultura visual. ¿Qué opina de este desarrollo de la cultura visual?

CB. Realicé este video porque me llamó la atención la nueva actitud corporal que las "selfies" habían establecido. Se trata de escenificar el gesto fotográfico en sí, con el brazo en alto y los celulares reflejados en el espejo. Los códigos adoptados en estas fotos son una actuación gesticulada.

Hoy en día, todo aquel que usa un teléfono celular, usa también la cámara incorporada en ellos. La fotografía ha llegado a formar una parte tan integral de lo que vemos que ésta y "ver" podrían actualmente confundirse. Instagram ha convertido a todos en fotógrafos ya que los dispositivos son capaces de tomar fotos en prácticamente cualquier situación y condiciones de luz. Las mejoras de la tecnología nos ofrecen la oportunidad de tomar y volver a tomar "selfies" de manera sencilla hasta estar satisfechos con el resultado, buscando que la imagen que deseamos de uno mismo transmita una historia y un papel precisos. Esta enorme cantidad de imágenes han dado lugar a la creación de "selfies" estéticas casuales e instantáneas tomadas “sin pensar” (snapshots). La fotografía dejó de ser algo que incluye el encuadre y la perspectiva. Producir una imagen de calidad que antes era sólo era posible lograr gracias a muchos años de formación especializada se ha convertido en algo muy sencillo. La falta de especialización en el arte de la fotografía plantea cuestionamientos sobre cuáles son las cosas a las que vale la pena prestar atención en estas imágenes y cuáles aquellas que perdurarán. También plantea cuestionamientos en cuanto a qué pasará con el oficio tradicional de la fotografía. La facilidad de poder llevar consigo un teléfono celular a todos lados lo convierte en la herramienta perfecta para capturar algo inmediato pero cuya finalidad no es perdurar en el tiempo

ZZ. ¿Qué efecto desea crear al vincular la pintura clásica con el mundo digital contemporáneo? ¿Podría decirnos algo sobre la técnica que utiliza?

CB. Tomé la primera imagen de la serie `Extraños en la luz’ en 2008 porque me llamó mucho la atención la luz digital que se reflejaba en los rostros de la gente. Había una gran belleza pictórica en esta iluminación y entonces caí en la cuenta de que estas pequeñas luces tecnológicas estaban en todo el mundo.

Me hizo pensar que este resplandor tecnológico daba origen a una estética que sugería una conexión con la pintura clásica y los viejos maestros. Así que quise amplificar la sensación de un Siglo XXI claroscuro. La iluminación de todas las fotos de la serie proviene exclusivamente de la luz de los dispositivos. Ésta convocaba a reflexionar en profundidad sobre la ruptura histórica que ha sido ocasionada por la invención de los dispositivos y a cuestionar la capacidad de omnipresencia que ofrece la tecnología a cada uno de nosotros y la forma en que ésta ha creado un mundo en el que cada uno de nosotros vive en un espacio-tiempo totalmente diferente al de nuestros antepasados. Mis personajes posan en una realidad atrapada en algún lugar entre el pasado, presente y futuro. Comparten momentos rápidos y embellecidos en un mundo en donde la velocidad se ha convertido en la prioridad fotográfica y en donde ésta está cambiando la forma de percibir el tiempo y los recuerdos.

En el video “Yo me amo, me amo a mí mismo, es real” quise enfocarme en el ritmo y la frenética pasión por las efímeras y fugaces "selfies". Es por eso que lo hice en forma de animación cuadro por cuadro. Me inspiré en Facebook, en donde descubrí el juego de «mostrar y ocultar» autorretratos, que juega con la ausencia total de la modestia y un control tremendamente estratégico de los límites del exhibicionismo. Mis retratos son más como «twinnies» (dos personas) que «selfies» ya que yo quería expresar algo sobre la relación que se escenificaba y percibía de los dos personajes. Mi intención era que el flash se reflejara en el espejo, muchas veces ocultando los rostros como parte de la toma. Para lograr estos retratos, yo permanecía en la oscuridad y mis modelos estaban detrás de un panel de vidrio; a continuación utilicé una velocidad de obturación lenta con el fin de poder capturar el flash de las cámaras de mis modelos.

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Strangers in the light

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Extraños en la luz

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ZZ. La identidad es un tema importante en su obra. ¿De qué manera considera que las redes sociales y las nuevas tecnologías influyen en la identidad?

CB. Estoy interesada en particular en la búsqueda de la identidad ya que es un proceso que pone de manifiesto la creatividad y la sociología. Trato de representar a los jóvenes que buscan descubrir su identidad porque ellos son muy creativos en cuanto al uso de las herramientas que utilizan para ayudarles a expresarse. Hace diez años, y debido a que en ese momento, este fenómeno tenía mucha fuerza, puse en marcha la elaboración de una serie de fotografías sobre la forma en que la ropa, las marcas, las tendencias y los grupos, ponían de manifiesto la identidad. Esto me llevó de forma natural a la tecnología, porque los dispositivos han reemplazado a la ropa como un medio de expresión personal. Las “selfies" le dan oportunidad a los adolescentes, en este complejo proceso de creación de la identidad, a ser ellos mismos y al mismo tiempo, a ser como aquellos a quienes admiran. La imagen de sí mismos, al mismo tiempo desechable y renovable, es la mejor manifestación del cambio continuo que están experimentando. El hecho de que puedan “renovar” su perfil en las redes sociales y “seguir” al grupo que han elegido a partir del cumplimiento de los códigos de representación resulta esencial en el desarrollo de su identidad. Les brinda la oportunidad de validar sus opiniones y definir la idoneidad de sus actitudes y comportamientos. Los adolescentes tienen una mayor necesidad de presentarse a sí mismos y lograr que los demás los conozcan satisface esta necesidad. Los teléfonos celulares se han convertido en una especie de prótesis digital que conectan a través de las redes sociales, al "verdadero yo" con el "yo virtual", dando lugar a la creación de una doble personalidad.

ZZ. `Yo me amo, me amo, realmente me amo’ pone de manifiesto la relación directa de la conciencia narcisista del yo que se encuentra en las redes sociales. ¿Considera que las 'selfies' son sólo un resultado del narcisismo o piensa que encierran algo más?

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ZZ. Los vídeos también representan la visión de una fotografía rápida con movimiento que afecta a nuestra cultura visual. ¿Qué opina de este desarrollo de la cultura visual?

CB. Realicé este video porque me llamó la atención la nueva actitud corporal que las "selfies" habían establecido. Se trata de escenificar el gesto fotográfico en sí, con el brazo en alto y los celulares reflejados en el espejo. Los códigos adoptados en estas fotos son una actuación gesticulada.

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ZZ. ¿Qué efecto desea crear al vincular la pintura clásica con el mundo digital contemporáneo? ¿Podría decirnos algo sobre la técnica que utiliza?

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Me hizo pensar que este resplandor tecnológico daba origen a una estética que sugería una conexión con la pintura clásica y los viejos maestros. Así que quise amplificar la sensación de un Siglo XXI claroscuro. La iluminación de todas las fotos de la serie proviene exclusivamente de la luz de los dispositivos. Ésta convocaba a reflexionar en profundidad sobre la ruptura histórica que ha sido ocasionada por la invención de los dispositivos y a cuestionar la capacidad de omnipresencia que ofrece la tecnología a cada uno de nosotros y la forma en que ésta ha creado un mundo en el que cada uno de nosotros vive en un espacio-tiempo totalmente diferente al de nuestros antepasados. Mis personajes posan en una realidad atrapada en algún lugar entre el pasado, presente y futuro. Comparten momentos rápidos y embellecidos en un mundo en donde la velocidad se ha convertido en la prioridad fotográfica y en donde ésta está cambiando la forma de percibir el tiempo y los recuerdos.

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Extraños en la luz

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Entrevista a Xtabay Alderete

ZoneZero

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Entrevista a Xtabay Alderete sobre el proceso de su serie Panóptico. Visita su galería aquí.
Julio 2014 por ZoneZero.

AdrianaRaggiXtabay Alderete (México, 1979) Vive y trabaja en México D.F. Licenciada en Artes Visuales en la Facultad de Artes Visuales, UNAM. Actualmente cursa la maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos, UNAM. Su trabajo artístico se enfoca principalmente en la fotografía. En 2013 participa en la Exposición Festival Photo España, (Re)Presentaciones, Fotografía latinoamericana contemporánea, Madrid. Actualmente interviene paisajes que albergan la memoria, el olvido, la muerte y la desolación a través del uso de objetos.
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Videoconferencia con Jorge Panchoaga

ZoneZero

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Jorge Panchoaga comenta su libro La Casa Grande, en videoconferencia dentro del Diplomado en Fotonarrativa y Nuevos Medios del Campus Virtual de la Fundación Pedro Meyer. Noviembre 2013

Jorge panchoagaJorge Panchoaga (Colombia, 1984). Vive y trabaja en Colombia. Profesor en la Especialización de fotografía de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia. Fotógrafo. Su interés versa en problemáticas socio-culturales de identidad, memoria, lenguaje, cambio cultural por conflicto y las relaciones del ser humano con el paisaje. Antropólogo de la Universidad del Cauca. Especialista en fotografía de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente es X-photographer de Fujifilm Colombia y hace parte del Colectivo de Fotografía +1. Su trabajo se puede consultar en:www.panchoaga.com
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Jorge Panchoaga comenta su libro La Casa Grande, en videoconferencia dentro del Diplomado en Fotonarrativa y Nuevos Medios del Campus Virtual de la Fundación Pedro Meyer. Noviembre 2013

Jorge panchoagaJorge Panchoaga (Colombia, 1984). Vive y trabaja en Colombia. Profesor en la Especialización de fotografía de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia. Fotógrafo. Su interés versa en problemáticas socio-culturales de identidad, memoria, lenguaje, cambio cultural por conflicto y las relaciones del ser humano con el paisaje. Antropólogo de la Universidad del Cauca. Especialista en fotografía de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente es X-photographer de Fujifilm Colombia y hace parte del Colectivo de Fotografía +1. Su trabajo se puede consultar en:www.panchoaga.com
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Autorrepresentación y misterio

Adriana Raggi

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Hay en la historia del arte una insistencia del ser humano por verse a sí mismo que nos lleva a vernos todos y cada uno en una imagen repetida hasta la saciedad, y al mismo tiempo totalmente imprescindible. Durante épocas previas del arte –ese periodo con una supuesta claridad respecto a las producciones artísticas– existía el autorretrato, como una forma que le permitía al artista colocarse frente a los demás y decir quién era. Hoy, hay un proceso complejo que no nos permite llamarle autorretrato, y buscamos otros nombres, el más común es autorrepresentación.

1.

No importa que nombre le demos, hay un momento en la representación en que el artista realiza un acto performático, en el que se ve a sí mismo y conlleva a una identificación con su espectador. A través de la acción, se cuestiona al público, al artista, al medio en que se hace. Pienso en el momento clave en que Cris Bierrenbach en su obra Identidade se destroza ante la cámara, ante nosotros, para enseñarnos que el género y la belleza pueden ser aludidos de formas lúdicas y violentas, que el género es una construcción social a la que todos nosotros accedemos a través de lo performático. Lo actuamos y lo repetimos, y en ese mismo sentido, Bierrenbach realiza un acto ante nosotros en el que se lo quita y se lo pone. Lo adopta, lo deshecha y lo retoma. Nosotros somos su espejo. La vemos en ese proceso de destrucción y nos sentimos fuertemente atraídos ante la imagen de una práctica por la que todos hemos pasado sin darnos cuenta.

Identidade por Cris Bierrenbach

2.

Del otro lado del espejo está Nicola Costantino, con su pieza Rapsodia inconclusa. En esta video-instalación que se presentó en la Bienal de Venecia y estuvo rodeada de una polémica política –cuando el gobierno argentino quiso darle su propio final1–, Costantino toma los recuerdos encajados en la memoria argentina y nos trae a una Evita íntima, que es Eva pero es Nicola. En esta obra, la autorrepresentación es una forma de autodestrucción y reconstrucción de la imagen de sí misma y de la de un icono histórico de la Argentina moderna. Es una puesta en escena, una construcción performática del cuerpo de la artista en el cuerpo de Evita. Costantino utiliza la tecnología para reconstruir, a través de la escenografía y el video, la historia del aparato que supuestamente utilizó Eva para sostener su enfermo cuerpo durante su última presentación en público. Una Eva que quería sostener una imagen de fortaleza. Un cuerpo de Nicola que nos presenta una herida y un misterio.

Rapsodia inconclusa por Nicola Costantino

3.

El misterio de Eva se concatena con la obra de Meshes of the Afternoon (Líos vespertinos), de Maya Deren, donde la artista utiliza su imagen repetidamente, como una forma de confrontarnos con aquellos pasajes de nuestra vida cotidiana y nuestra psique para ponernos en lugares terroríficamente conocidos. Deren persigue una figura misteriosa para encontrase consigo misma una y otra vez. Las representaciones de Maya son ominosas y sumamente bellas. Nos recuerdan que estamos aquí solamente por un instante.

Meshes of the Afternoon de Maya Deren

Final

Cuando Guillermo Gómez Peña en su video performance A muerte (Segundo duelo) nos mira y nos dice: "Te tengo una sorpresa", a partir de ese momento hay una puesta en escena, que nos hace comprender el performance. Varias preguntas quedan abiertas. Él pone su cuerpo, igual que Bierrenbach, Costantino y Deren. Su cuerpo está ahí como una autorrepresentación y también como un instrumento didáctico. La herramienta más poderosa, una pistola, la tiene en sus manos. Nos apunta y nos enseña de forma directa lo que todas las demás obras nos han señalado de forma sutil. Una autorrepresentación performática habla del ser humano mismo y nos confronta con lo que somos y lo que no somos. Cuando vemos a Deren verse a sí misma, a Bierrenbach destruirse en la violencia, a Costantino construirse en el cuerpo de otra y, finalmente, a Gómez Peña apuntándonos con la pistola, nos damos cuenta que lo que nos presentan es nuestra finitud y fragilidad. Lo que somos y lo que hacemos se debe al tiempo, a la herida de saber que nos vamos a morir, a la fragilidad de la piel y el absurdo cautiverio de las limitaciones sociales. Y es ahí donde nos vemos todos y cada uno.

A muerte por Guillermo Gómez Peña



AdrianaRaggiAdriana Raggi (México, 1970). Vive y trabaja en México. Licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Maestra y Doctora en Historia del Arte por la Facultad de Filosofía y Letras, ambas en la UNAM. Cursó el Diplomado en fotonarrativa y nuevos medios en la Fundación Pedro Meyer. Es profesora de la ENAP y miembro del Colectivo Las Disidentes. Ha realizado exposiciones individuales en México y Estados Unidos, además de participar en más de veinte exposiciones colectivas. Su trabajo se puede consultar en: www.adrianaraggi.net

 

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1.

No importa que nombre le demos, hay un momento en la representación en que el artista realiza un acto performático, en el que se ve a sí mismo y conlleva a una identificación con su espectador. A través de la acción, se cuestiona al público, al artista, al medio en que se hace. Pienso en el momento clave en que Cris Bierrenbach en su obra Identidade se destroza ante la cámara, ante nosotros, para enseñarnos que el género y la belleza pueden ser aludidos de formas lúdicas y violentas, que el género es una construcción social a la que todos nosotros accedemos a través de lo performático. Lo actuamos y lo repetimos, y en ese mismo sentido, Bierrenbach realiza un acto ante nosotros en el que se lo quita y se lo pone. Lo adopta, lo deshecha y lo retoma. Nosotros somos su espejo. La vemos en ese proceso de destrucción y nos sentimos fuertemente atraídos ante la imagen de una práctica por la que todos hemos pasado sin darnos cuenta.

Identidade por Cris Bierrenbach

2.

Del otro lado del espejo está Nicola Costantino, con su pieza Rapsodia inconclusa. En esta video-instalación que se presentó en la Bienal de Venecia y estuvo rodeada de una polémica política –cuando el gobierno argentino quiso darle su propio final1–, Costantino toma los recuerdos encajados en la memoria argentina y nos trae a una Evita íntima, que es Eva pero es Nicola. En esta obra, la autorrepresentación es una forma de autodestrucción y reconstrucción de la imagen de sí misma y de la de un icono histórico de la Argentina moderna. Es una puesta en escena, una construcción performática del cuerpo de la artista en el cuerpo de Evita. Costantino utiliza la tecnología para reconstruir, a través de la escenografía y el video, la historia del aparato que supuestamente utilizó Eva para sostener su enfermo cuerpo durante su última presentación en público. Una Eva que quería sostener una imagen de fortaleza. Un cuerpo de Nicola que nos presenta una herida y un misterio.

Rapsodia inconclusa por Nicola Costantino

3.

El misterio de Eva se concatena con la obra de Meshes of the Afternoon (Líos vespertinos), de Maya Deren, donde la artista utiliza su imagen repetidamente, como una forma de confrontarnos con aquellos pasajes de nuestra vida cotidiana y nuestra psique para ponernos en lugares terroríficamente conocidos. Deren persigue una figura misteriosa para encontrase consigo misma una y otra vez. Las representaciones de Maya son ominosas y sumamente bellas. Nos recuerdan que estamos aquí solamente por un instante.

Meshes of the Afternoon de Maya Deren

Final

Cuando Guillermo Gómez Peña en su video performance A muerte (Segundo duelo) nos mira y nos dice: "Te tengo una sorpresa", a partir de ese momento hay una puesta en escena, que nos hace comprender el performance. Varias preguntas quedan abiertas. Él pone su cuerpo, igual que Bierrenbach, Costantino y Deren. Su cuerpo está ahí como una autorrepresentación y también como un instrumento didáctico. La herramienta más poderosa, una pistola, la tiene en sus manos. Nos apunta y nos enseña de forma directa lo que todas las demás obras nos han señalado de forma sutil. Una autorrepresentación performática habla del ser humano mismo y nos confronta con lo que somos y lo que no somos. Cuando vemos a Deren verse a sí misma, a Bierrenbach destruirse en la violencia, a Costantino construirse en el cuerpo de otra y, finalmente, a Gómez Peña apuntándonos con la pistola, nos damos cuenta que lo que nos presentan es nuestra finitud y fragilidad. Lo que somos y lo que hacemos se debe al tiempo, a la herida de saber que nos vamos a morir, a la fragilidad de la piel y el absurdo cautiverio de las limitaciones sociales. Y es ahí donde nos vemos todos y cada uno.

A muerte por Guillermo Gómez Peña



AdrianaRaggiAdriana Raggi (México, 1970). Vive y trabaja en México. Licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Maestra y Doctora en Historia del Arte por la Facultad de Filosofía y Letras, ambas en la UNAM. Cursó el Diplomado en fotonarrativa y nuevos medios en la Fundación Pedro Meyer. Es profesora de la ENAP y miembro del Colectivo Las Disidentes. Ha realizado exposiciones individuales en México y Estados Unidos, además de participar en más de veinte exposiciones colectivas. Su trabajo se puede consultar en: www.adrianaraggi.net

 

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Caja de zapatos

Cia de Foto

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De entre todos los proyectos desarrollados por Cia de Foto, éste es sin duda el más subjetivo, ya que comparte un espacio donde se pone a prueba la convivencia de sus integrantes, su vida cotidiana y también, el material que forma los lazos que los mantiene unidos, la intimidad y el afecto. Parafraseando a Duchamp, éste es un proyecto “definitivamente inacabado” y con un punto de inicio incierto, que comienza con un tiempo indefinido en la memoria e incluye formatos tan diversos como los que se pueden obtener al abrir una caja repleta de fotografías.

De esta manera y atendiendo la recomendación de su curador, Eder Chiodetto, este proyecto se incorporó al club de Coleccionistas del MAM (Museu de Arte Moderna) de São Paulo,  a través de una edición en video con banda sonora de DJ Guab. La versión aquí presentada se convirtió en la más reconocida.

CiadeFotoCia de foto (Brasil, 2003). Colectivo de fotógrafos brasileños que realizan trabajos en los que aproximan distintos lenguajes visuales, cuestionando el contexto y los múltiples significados de la imagen. Con investigación teórica y experimental buscan ampliar aún más los límites de las perspectivas fotográficas. Han participado en numerosas exposiciones nacionales e internacionales y colaborado en la realización de seminarios, publicaciones, festivales y curadurías en donde el tema central es la fotografía.
 
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De esta manera y atendiendo la recomendación de su curador, Eder Chiodetto, este proyecto se incorporó al club de Coleccionistas del MAM (Museu de Arte Moderna) de São Paulo,  a través de una edición en video con banda sonora de DJ Guab. La versión aquí presentada se convirtió en la más reconocida.

CiadeFotoCia de foto (Brasil, 2003). Colectivo de fotógrafos brasileños que realizan trabajos en los que aproximan distintos lenguajes visuales, cuestionando el contexto y los múltiples significados de la imagen. Con investigación teórica y experimental buscan ampliar aún más los límites de las perspectivas fotográficas. Han participado en numerosas exposiciones nacionales e internacionales y colaborado en la realización de seminarios, publicaciones, festivales y curadurías en donde el tema central es la fotografía.
 
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