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País de las maravillas artificiales

Yang Yongliang

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País de las maravillas artificiales
es una serie iniciada en 2010. Yang Yongliang utiliza imágenes arquitectónicas como pinceladas; pesadas rocas de montaña con detalles enriquecidos hacen referencia fiel a la pintura paisajística de la dinastía Song. El desarrollo urbano hace que la vida en la ciudad prospere, pero también aprisiona estas vidas. La antigua tradición cultural China está muy arraigada, pero también permanece estancada. Los antiguos chinos pintaron paisajes para alabar la grandeza natural; las obras de Yang, por el contrario, invitan a repensar de manera crítica la realidad contemporánea.

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En País de las maravillas artificiales II (2014), hay réplicas digitales de dos pinturas de maestros de la dinastía Song: Viajeros entre montañas y corrientes (Fan Kuan) y Bosque invernal bajo la nieve (anónimo). Mientras que los paisajes antiguos parecen atemporales, la interpretación de Yang de este último trabajo es una imagen nocturna, titulado Bosque invernal en la noche. La serie de 2014 presenta un gran avance en términos de técnica digital -la pieza es más grande que nunca y enriquecido con imágenes formidablemente detalladas. Además, Yang integró rocas naturales de montaña con el inconfundible paisaje artificial por primera vez. Las imágenes de rocas de montaña se toman sobre todo en Islandia y Noruega. En 2015, País de las maravillas artificiales II fue finalista de Prix Pictet -el premio mundial sobre fotografía y sustentabilidad.



Día de la noche perpetua
y Noche del día perpetuo, son dos piezas que ejemplifican una línea del trabajo reciente de Yang Yongliang en video, donde el paisaje tradicional extiende una narrativa entre una temporalidad sutil y una atemporalidad difusa. Con la misma técnica rigurosa que caracteriza sus imágenes fijas, en estos videos hace uso del tiempo como una herramienta más para enfatizar la paradoja de nuestro tiempo: ese cruce de caminos entre la nostalgia necesaria, el caos nuestro de cada día y la imaginación.

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Noche de día perpetuo. Ver video muestra aquí

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Día de noche perpetuaVer video muestra aquí

YangYongLiangYang Yongliang (Shanghai, 1980). Se graduó de la Academia de Artes China en 2003, se especializó en comunicación visual. Comenzó sus experimentos con arte contemporáneo en 2005, y su práctica involucra diversos medios, incluyendo fotografía, pintura, video e instalación. Yang saca provecho de la conexión entre el arte tradicional y lo contemporáneo al integrar la estética oriental antigua y tópicos literarios con el lenguaje moderno y técnicas digitales. Su trabajo como una meta-narrativa en expansión se basa en la historia, el mito y la cultura social, y abarca el contexto de la ciudad y sus paisajes siempre cambiantes.

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Noche de día perpetuo. Ver video muestra aquí

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Día de noche perpetuaVer video muestra aquí

YangYongLiangYang Yongliang (Shanghai, 1980). Se graduó de la Academia de Artes China en 2003, se especializó en comunicación visual. Comenzó sus experimentos con arte contemporáneo en 2005, y su práctica involucra diversos medios, incluyendo fotografía, pintura, video e instalación. Yang saca provecho de la conexión entre el arte tradicional y lo contemporáneo al integrar la estética oriental antigua y tópicos literarios con el lenguaje moderno y técnicas digitales. Su trabajo como una meta-narrativa en expansión se basa en la historia, el mito y la cultura social, y abarca el contexto de la ciudad y sus paisajes siempre cambiantes.

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Ó Minas Gerais

Júlia Pontés

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Brasil esta enfrentado al mayor desastre ambiental en su historia. Debido a la falta de regulación especifica y poca inspección, un estanque de agua de una empresa minera se rompió largando unos 40 millones de litros de barro en uno de los principales ríos del país, cubriendo todo un pueblo y dejando millones de personas sin agua.

Sin embargo, ese hecho representa apenas una pequeña parte del daño causado al medio ambiente por la intensa actividad minera en el estado de Minas Gerais. Muchas de las minas son a cielo abierto y están escondidas entre las “cadenas” de montañas, por lo tanto la población no tiene acceso a ellas. La mayoría de las imágenes fue producida en espacio aéreo restringido.

Es un tema delicado y una linea muy delgada, la industria minera esta tan arraigada y eso se nota a empezar por nombre del estado. Mi propia familia tuvo una planta de producción de arabio, uno de los subproductos de la minería.

Existe un proyecto de regulación a la actividad minera en trámite en la Camara de Diputados en Brasil. No obstante, 20 de los 27 diputados integrantes de la comisión responsable por su confección recibieron donaciones de campaña de empresas mineras.

Este es un proyecto en progreso, una investigación ambiental de la explotación sin limites y sin reglas del suelo.

 

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chowdhuryJulia Pontes (Brasil, 1983 ). Porteña por elección, vive y trabaja en Nueva York. Sus intereses están influenciados por la psicología y por las Políticas Públicas, temática de sus estudios de post-graduación. Estudió en el International Center of Photography y ha sido elegida Artista Inmigrante Emergente por la New York Foundation for the Arts, donde ha sido aprendiz/mentee dos veces. Tiene una practica polarizada que incluye desde la documentación de historias que de alguna forma se relacionan con sus experiencias personales, y, por otro lado, una dedicación al auto-retrato. En ambos aplica técnicas experimentales, utiliza distintos medios y materiales.
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Existe un proyecto de regulación a la actividad minera en trámite en la Camara de Diputados en Brasil. No obstante, 20 de los 27 diputados integrantes de la comisión responsable por su confección recibieron donaciones de campaña de empresas mineras.

Este es un proyecto en progreso, una investigación ambiental de la explotación sin limites y sin reglas del suelo.

 

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Estrellas

Ellie Davies

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01

 

Estrellas, 2014 explora mi deseo de encontrar un equilibrio entre mi relación con los indómitos lugares de mi juventud y mi sensación respecto a una falta de conexión con el mundo natural.

La tradición del paisaje occidental encarna una unión que James Elkins llama “la relación sujeto-objeto”. Representada por la “vista panorámica” o la vista panorámica turística, contemplamos, con frecuencia a través de binoculares o telescopios, un amplio panorama y escenas marítimas sobrecogidos y llenos de asombro. Pero esta experiencia del paisaje casi siempre distancia al espectador de la escena y, justo en el momento en que el paisaje mismo se convierte en un objeto, se produce una separación entre ellos.

Hoy en día la mayoría de las personas viven en entornos urbanos o semi-urbanos y experimentan el paisaje desde una distancia mediada a través de los diversos medios de comunicación y la tecnología. Desde este punto de vista la idea del paisaje en toda su materialidad sensual y nuestra presencia dentro de este último en lugar de fuera de él parece estar fuera de nuestro alcance.

Estrellas, 2014 aborda este distanciamiento llevando al observador directamente al centro de un bosque que todavía guarda cierto misterio y ofrece posibilidades para el descubrimiento y la exploración. La serie trata sobre la fragilidad de nuestra relación con el mundo natural, y la naturaleza temporal y finita del paisaje como obra humana.

Los paisajes de bosques maduros y antiguos se interponen con imágenes de la Vía Láctea, Omega Centauri, las estrellas Brazo de Norma y embrionarias en la nebulosa NGC 346 tomadas por el telescopio espacial Hubble. Cada imagen conecta los paisajes forestales con el intangible y desconocido universo creando una yuxtaposición que refleja mis experiencias personales del bosque; su aspecto físico y tacto contra una profunda y fundamental otredad, una alienación que nos aleja de una relación realmente envolvente con el mundo natural.


(Fuente de información: STScI/Hubble & NASA)

 

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daviesEllie Davies (Inglaterra, 1976). Reside en Londres y su trabajo se centra en las selvas y bosques del sur de Inglaterra. Obtuvo su maestría en fotografía del London College of Communication en 2008. Ganó el premio Landscape Winner en los premios The Curator Awards 2016. Las obras de los seis artistas ganadores fueron exhibidas en la galería Foley Gallery de Nueva York del 14 al 24 de julio de 2016. Su serie Estrellas ganó el premio de arte Aesthetica Art Prize 2016 y el premio The People Choice Award y fue también seleccionada para exhibir su obra en el Festival Internacional de Fotografía de Singapur en octubre 2016. El Roe Valley Arts y el Centro Cultural en Irlanda del Norte serán anfitriones de una exposición individual de su obra en abril 2017.
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(Fuente de información: STScI/Hubble & NASA)

 

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daviesEllie Davies (Inglaterra, 1976). Reside en Londres y su trabajo se centra en las selvas y bosques del sur de Inglaterra. Obtuvo su maestría en fotografía del London College of Communication en 2008. Ganó el premio Landscape Winner en los premios The Curator Awards 2016. Las obras de los seis artistas ganadores fueron exhibidas en la galería Foley Gallery de Nueva York del 14 al 24 de julio de 2016. Su serie Estrellas ganó el premio de arte Aesthetica Art Prize 2016 y el premio The People Choice Award y fue también seleccionada para exhibir su obra en el Festival Internacional de Fotografía de Singapur en octubre 2016. El Roe Valley Arts y el Centro Cultural en Irlanda del Norte serán anfitriones de una exposición individual de su obra en abril 2017.
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Paisajes vigilados

Marcus DeSieno

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01

 

Paisajes vigilados cuestiona cómo la tecnología de vigilancia ha cambiado nuestra relación y comprensión del paisaje y el espacio dentro de nuestra cultura electrónica cada vez más intrusiva. Hackeo cámaras de vigilancia, cámaras web públicas y transmisiones de circuito cerrado de televisión a la caza de los clásicos paisajes pintorescos, dislocando el producto visual de su origen automatizado, mientras busco provocar un diálogo entre tierra, límites y poder. El acto mismo de vigilar un sitio por medio de estos sistemas fotográficos implica una relación dominante entre hombre y espacio. Al final, espero socavar estos esquemas de control social mediante la melancolía de estas imágenes alteradas descubiertas al explotar los mecanismos tecnológicos de poder en nuestra sociedad de vigilancia.

 

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deSienoMarcus DeSieno (EE.UU.) Su trabajo se interesa en la ciencia y la exploración relacionadas con la historia de la fotografía. Recibió su maestría en estudio de arte en la Universidad del Sur de Florida en 2015. DeSieno a menudo asume el papel del científico aficionado en su trabajo con el fin de investigar la relación histórica de la fotografía con la ciencia en lo que se refiere a la noción de lo invisible. Combina de manera regular procesos fotográficos anticuadas y obsoletos con tecnologías de la imagen actuales para entablar un diálogo crítico sobre la evolución de la tecnología fotográfica en relación al acto visual.
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Azotea

Brad Temkin

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portada es

 

La mayor parte de mi carrera se ha centrado en nuestra relación con la naturaleza. Estoy interesado en cómo encontramos formas de integrar la naturaleza, y cómo nos integra. Al igual que con la mayoría de los conjuntos de trabajo, las imágenes definen mi intención. Pero al final, hago las fotos que hago a causa de la conversación que se produce entre el tema y yo -y esto siempre depende de la luz, el clima, cómo me siento y lo que estoy dispuesto a ver en cada momento. Es el momento en que todas las cosas se juntan para mí.

Azotea destaca de manera poética estos espacios para celebrar y propagar nuevas ideas de diseño que demuestren inventiva en arquitectura y atiendan nuestra necesidad de contacto con la naturaleza. Los techos verdes reducen nuestra huella de carbono al contrarrestar el efecto de isla de calor y mejorar el control de aguas pluviales, pero hacen mucho más. Estas imágenes simbolizan el aspecto seductor de la naturaleza frente a nuestro crecimiento urbano sostenido. Al situar de forma segura los jardines dentro de la ortogonalidad de acero, piedra y vidrio de construcciones urbanas e industriales, pido a los espectadores descubrir patrones más abiertos, coloridos y relacionados con el cielo; y cómo se convierten en parte de un nuevo paisaje, así como un marco para cambios positivos. Nuestro inventiva y gracia me sigue impresionando. Me hace más optimista acerca de la humanidad.

 

02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02

temkinBrad Temkin (EUA, 1956). Ha documentado el impacto humano en el paisaje. Ha expuesto sus fotografías en museos y galerías de Estados Unidos y el extranjero. Las obras de Temkin se incluyen en numerosas colecciones permanentes, entre ellos los de The Art Institute of Chicago, Milwaukee Art Museum, Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C.; Museum of Fine Arts de Houston; Akron Art Museum en Ohio; y Museum of Contemporary Photography de Chicago, entre otros. Sus imágenes han aparecido en publicaciones tales como Aperture, Black & White Magazine, TIME Magazine y European Photography.
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Azotea destaca de manera poética estos espacios para celebrar y propagar nuevas ideas de diseño que demuestren inventiva en arquitectura y atiendan nuestra necesidad de contacto con la naturaleza. Los techos verdes reducen nuestra huella de carbono al contrarrestar el efecto de isla de calor y mejorar el control de aguas pluviales, pero hacen mucho más. Estas imágenes simbolizan el aspecto seductor de la naturaleza frente a nuestro crecimiento urbano sostenido. Al situar de forma segura los jardines dentro de la ortogonalidad de acero, piedra y vidrio de construcciones urbanas e industriales, pido a los espectadores descubrir patrones más abiertos, coloridos y relacionados con el cielo; y cómo se convierten en parte de un nuevo paisaje, así como un marco para cambios positivos. Nuestro inventiva y gracia me sigue impresionando. Me hace más optimista acerca de la humanidad.

 

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Urbanización desesperada

Rasel Chowdhury

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01

 

Mientras celebramos 400 años de la ciudad de Daca, el río Buriganga lucha por sobrevivir. Hoy en día, está casi muerto, no puede correr en su cauce natural. Parece que la gente de Daca lo están matando por su falta de sensibilidad.


En Daca, la cantidad de gente crece cada día. Los sitios de trabajo y diversas fábricas están en auge constante. El río Buriganga es el medio de transporte más popular hacia otras partes del país. Millones de personas utilizan el río para transportar productos diariamente. Químicos para teñir, desperdicios humanos e industriales de toda la ciudad van directo al río Buriganga. Cerca de 700 fábricas de ladrillos en la orilla del río, los astilleros y el aceite de los barcos y vapores son causas adicionales de contaminación. Este río de 41 kilómetros de largo río alguna vez nos bendijo con la esperanza y el sueño de construir una nueva ciudad. Pero hoy en día, la misma ciudad es una de las causas de la muerte de Buriganga. ¡Nosotros, los ciudadanos de Daca, vamos a destruir nuestro propio río!


Como fotógrafo, mi papel es comprometerme con mi propia ciudad. Tengo una relación intrínseca con esta ciudad y este río, pues pasé la mayor parte de mi vida en ellos y sus alrededores. Como fotógrafo documental, mi enfoque era mostrar el río y la acelerada transformación de su paisaje desde todos los ángulos posibles. Exploré varios rincones del río para tener un panorama general sobre la participación destructiva de la gente. Al mismo tiempo, el agua divina del río, se mantiene solitaria con su nueva ola de esperanza. Sólo traté de capturar todos los aspectos para lograr una mayor atención sobre el tema.

 

02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02

chowdhuryRasel Chowdhury (Bangladesh, 1988). Fotógrafo documental. Rasel se inició en la fotografía sin un plan consciente, con el tiempo se convirtió en adicto y decidió documentar espacios dentro y alrededor de Bangladesh, su lugar de nacimiento. Obtuvo su título de fotógrafo en Pathshala, Instituto de Medios del Sur de Asia, y en su momento, descubrió que la transformación del paisaje y las cuestiones ambientales eran temas cruciales para que documentara su generación. Rasel comenzó a documentar el río teñido de Buriganga, la ciudad moribunda de Sonargaon, el hogar de los ancianos, la inundación en Bangladesh, la mega urbe de Daca y los espacios recién transformadas alrededor del ferrocarril de Bangladesh para explorar el cambio del medio ambiente, las estructuras urbanas no planificadas y las nuevas formas del paisaje.
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En Daca, la cantidad de gente crece cada día. Los sitios de trabajo y diversas fábricas están en auge constante. El río Buriganga es el medio de transporte más popular hacia otras partes del país. Millones de personas utilizan el río para transportar productos diariamente. Químicos para teñir, desperdicios humanos e industriales de toda la ciudad van directo al río Buriganga. Cerca de 700 fábricas de ladrillos en la orilla del río, los astilleros y el aceite de los barcos y vapores son causas adicionales de contaminación. Este río de 41 kilómetros de largo río alguna vez nos bendijo con la esperanza y el sueño de construir una nueva ciudad. Pero hoy en día, la misma ciudad es una de las causas de la muerte de Buriganga. ¡Nosotros, los ciudadanos de Daca, vamos a destruir nuestro propio río!


Como fotógrafo, mi papel es comprometerme con mi propia ciudad. Tengo una relación intrínseca con esta ciudad y este río, pues pasé la mayor parte de mi vida en ellos y sus alrededores. Como fotógrafo documental, mi enfoque era mostrar el río y la acelerada transformación de su paisaje desde todos los ángulos posibles. Exploré varios rincones del río para tener un panorama general sobre la participación destructiva de la gente. Al mismo tiempo, el agua divina del río, se mantiene solitaria con su nueva ola de esperanza. Sólo traté de capturar todos los aspectos para lograr una mayor atención sobre el tema.

 

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Madera dura

Pedro David

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01

 

El campo brasileño se está llenando de eucaliptos.

El desarrollo industrial acelerado y la importancia exagerada de la exportación de acero, dirigida por los gobiernos sucesivos, son algunas de las razones de la deforestación del Cerrado, la sabana brasileña, el Bosque Atlántico e incluso la selva amazónica.

Varias compañías acereras internacionales establecidas por el país compran grandes tramos de tierra y reemplazan la vegetación natural por eucaliptos transgénicos, que crecen rápido y cuya madera se aprovecha para hacer carbón vegetal, que es un ingrediente importante en la transformación del mineral de hierro en acero.

El eucalipto impacta gravemente al ambiente a cambio de su gran velocidad de crecimiento: consume demasiada agua y nutrientes y deja el suelo agotado y seco.

He trabajado en algunas regiones afectadas por estos monocultivos desde mi inicio como fotógrafo. Las áreas extensas y visiblemente crecientes de los campos de eucaliptus siempre me preocuparon por su impacto ambiental y social. Cambian el paisaje completo, las referencias geográficas, los recursos naturales, las actividades económicas y la cantidad de agua, que ahora es un problema global.

He montado y caminado mucho dentro de estos campos desde 2002. He fotografiado varias situaciones intentando discutir esta cuestión durante los últimos 13 años. Pero cuando, en un viaje reciente, pasé por un camino engullido por un enorme campo de eucaliptos, me encontré ante una de estas escenas híbridas y vi la oportunidad de hacer una imagen representativa de la situación, una fotografía derecha que contuviera: el pasado, un árbol nativo, algo que está desapareciendo de esos paisajes, y el futuro, los clones de eucaliptos supravegetales, en el presente de la fotografía.

Además de esta faceta documental que está siendo efectiva para sensibilizar a las personas al problema de la producción masiva de este y otros monocultivos, un problema brasileño fundamental, también veo a esta obra de manera simbólica. Noto que las personas sienten algo más allá del significado directo de estas fotografías, algo como una identificación directa con estas vidas enjauladas que luchan por sobrevivir en un mundo artificial, opresivo y evanescente. 

02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02

pedrodavidPedro David (Brasil, 1977). Se graduó en periodismo en 2001 por la PUC-Minas. Asistió licenciado en artes y contemporaneidad en la Escuela Guignard - UEMG en 2002. Se dedica a la interpretación, a través de diversos aspectos de la fotografía, de la relación entre el hombre y su medio ambiente. Ha publicado en abril de 2008 por Cosac Naify, libro Sumergido Paisaje, El Jardín en 2012, por parte de la Fundación Cultural del Estado de Bahía, y en 2013, Ruta Raíz, publicada por el editorial Tempo D’Imagem.
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El eucalipto impacta gravemente al ambiente a cambio de su gran velocidad de crecimiento: consume demasiada agua y nutrientes y deja el suelo agotado y seco.

He trabajado en algunas regiones afectadas por estos monocultivos desde mi inicio como fotógrafo. Las áreas extensas y visiblemente crecientes de los campos de eucaliptus siempre me preocuparon por su impacto ambiental y social. Cambian el paisaje completo, las referencias geográficas, los recursos naturales, las actividades económicas y la cantidad de agua, que ahora es un problema global.

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El museo de la inocencia

Ellie Ivanova

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01

 

Como artista fotográfica, me interesa la relación tensa entre la fotografía y la memoria que crea una nueva realidad en el proceso gradual de desplazamiento y distorsión. Este proyecto explora la manera en que la memoria se apropia de la historia por medio de la fotografía y la manera en que cambia nuestras percepciones del pasado.

Documento las reconstrucciones de la Segunda Guerra Mundial en Texas. Esta guerra, que se ha convertido en parte del mito fundacional de los Estados Unidos contemporáneos, ha permanecido como una de las pocas fuentes no cuestionadas de identidad nacional, justicia y masculinidad al día de hoy. Sin embargo, aunque se considera “la guerra buena” que no necesita embellecerse en la conciencia pública; el pasado se reinterpreta y cambia constantemente a través del movimiento de reconstrucción. La fotografía desempeña un papel significativo en este proceso, ya que los participantes recrean fotografías históricas en su juego de rol y luego usan nuevas fotografías de ellos para presentar su personaje histórico inventado. Esta distorsión de recrear y personificar la historia luego se refleja en el proceso de baño de ácido mordançage a través de su degradación, toxicidad, impredecibilidad, corporalidad y resultado final surreal.

Como proceso, este proyecto va en contra de las propiedades del arte de la fotografía. Lo uso como una reacción ideológica a la atracción evasiva de la cultura digital. En vez de fijar el momento para siempre, borra la imagen y altera la emulsión. En lugar de copias interminables, produce imágenes únicas e irrepetibles. En vez de una captura óptica objetiva, es un objeto físico que muestra la mano del artista en su recreación táctil. Es tóxico, impredecible y se desplaza con el tiempo. Al igual que la memoria, refleja la batalla constante entre la preservación y lo efímero.

 

02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 >

steinhauerEllie Ivanova (Bulgaria). Tiene una maestría en bellas artes en fotografía de la Universidad de North Texas. Tiene una formación literaria y su interés fotográfico es la experiencia de la memoria y la autocreación de la identidad en formatos tradicionales y experimentales. Usa procesos y enfoques conceptuales a través de los cuales las imágenes continúan evolucionando después de haber sido capturadas e impresas, lo que desdibuja las fronteras entre lo fáctico y lo ficticio. Sus fotografías han sido exhibidas por todo Estados Unidos en galerías comerciales, sin fines de lucro y universitarias y son parte de las colecciones permanentes de Human Rights Art en South Texas College y en el Museo de Arte de Fort Wayne, entre otras.

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Vistas procesadas

Barbara Ciurej y Lindsay Lochman

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Vistas procesadas interpreta la frontera de la producción industrial de alimentos: la intersección seductora y alarmante de la naturaleza y la tecnología. Conforme nos alejamos más y más de los orígenes de nuestros alimentos, nos adentramos en territorio desconocido repleto de consecuencias no deseadas para el ambiente y para nuestra salud.

En nuestro comentario sobre el panorama de los alimentos procesados hacemos referencia a la obra del fotógrafo Carleton Watkins (1829-1916). Sus vistas sublimes presentaron al oeste de Estados Unidos como una tierra de posibilidades infinitas e influenciaron la creación de los primeros parques nacionales. Sin embargo, muchas de las fotografías de Watkins fueron encargadas por los intereses corporativos de la época; las compañías ferrocarrileras, mineras, madereras y molineras. Estos encargos sirvieron como documentación y publicidad del oeste estadounidense. Los paisajes de Watkins expresaron la noción popular en el siglo XIX del destino manifiesto: la pródiga tierra estadounidense, utilizada de manera inevitable y justificada por sus ciudadanos.

Construimos estos panoramas para examinar el consumo, el progreso y los cambios que ha sufrido el paisaje.

 

02 02 02 02 02 02 02 02 02 02

steinhauerBarbara Ciurej y Lindsay Lochman (EE.UU.) Colaboran en proyectos fotográficos que abordan la confluencia de la historia, los mitos y la cultura popular. Su obra ha sido expuesta ampliamente y sus fotografías se encuentran en colecciones públicas y privadas, entre ellas las del Instituto de Arte de Chicago, el Centro de Arte Walker, el Museo de Fotografía Contemporánea, el Museo de Arte de Milwaukee y la Biblioteca Beinecke en la Universidad de Yale. Actualmente están explorando el potencial de los paisajes construidos para describir la desigualdad social. Vistas procesadas se encuentra catualmente en exhibición en el Rick Wester Fine Art de New York, hasta el 29 de julio de 2016.
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En nuestro comentario sobre el panorama de los alimentos procesados hacemos referencia a la obra del fotógrafo Carleton Watkins (1829-1916). Sus vistas sublimes presentaron al oeste de Estados Unidos como una tierra de posibilidades infinitas e influenciaron la creación de los primeros parques nacionales. Sin embargo, muchas de las fotografías de Watkins fueron encargadas por los intereses corporativos de la época; las compañías ferrocarrileras, mineras, madereras y molineras. Estos encargos sirvieron como documentación y publicidad del oeste estadounidense. Los paisajes de Watkins expresaron la noción popular en el siglo XIX del destino manifiesto: la pródiga tierra estadounidense, utilizada de manera inevitable y justificada por sus ciudadanos.

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Código Binario

Max de Esteban

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ZZ. ¿Qué te condujo a la apropiación y remix y qué sentido tiene en tu trabajo?

M. La apropiación y el remix tienen una larga tradición artística, empezando por los collages de Picasso. En fotografía, Hannah Hoch y los dadaístas ya en los años 20 crearon piezas importantísimas con este modo de expresión. En la música, por ejemplo, desde los DJs y el Pop actuales hasta Glenn Gould o Miles Davis, la práctica del remix, el collage y la apropiación forman parte esencial de su producción. Lo que quiero decir es que como concepto artístico la apropiación y el remix es algo normalizado y no especialmente rompedor.

La pregunta interesante es por qué ahora, en fotografía, hay una reivindicación de su potencia estética. Y creo que una posible respuesta sería la combinación del agotamiento formal de la perspectiva lineal como representación fotográfica del mundo y el inmenso impacto que la digitalización está teniendo en todos los aspectos de nuestra vida. Yo contestaría a tu pregunta dándole la vuelta y diciendo que se me hace difícil pensar en una fotografía verdaderamente relevante para el mundo en que vivimos que siga respetando la estructura euro-céntrica y reaccionaria de la cámara oscura.

ZZ. ¿A qué te refieres con euro-céntrica y reaccionaria?

M. La perspectiva lineal, que es la estructura visual que resulta de la cámara oscura, es una forma de visualizar el mundo muy particular e ideológica. Panofsky tiene un texto al respecto del año 27, un verdadero clásico, que es un placer de leer.

Pero lo verdaderamente destacable es que es una excepción en la historia del arte. En 10,000 años de historia la perspectiva lineal corresponde únicamente a 500 años y localizados exclusivamente en occidente. Al arte asiático nunca le ha interesado, ni al arte pre-colombino, ni al arte africano…es la forma de ver Europea en un periodo que empieza en el Renacimiento y acaba en el siglo XIX. Y no es casualidad porque su contenido ideológico es bien conocido. La perspectiva lineal ordena el mundo desde el punto de vista de un individuo autónomo cuya individualidad es el principio de sentido del mundo. Es puro Descartes.

Y todos recordamos su Quinta Meditación que plantea que, siendo la esencia de la materia su extensión, la geometría es el instrumento esencial para comprender la naturaleza. La Modernidad se podría definir como el proceso de avance de la abstracción y del dominio de lo cuantitativo sobre lo cualitativo donde el orden matemático-cientifista se afirma como única fuente de conocimiento válido. Hay tanto pensamiento contemporáneo que desenmascara esta narrativa que considero innecesario repetirlo aquí.

Por todo ello, sorprendentemente, mi comentario anterior sigue siendo relevante. ¿Por qué la fotografía digital debe seguir dando prioridad a una estructura visual funcional e ideológicamente amortizada?

ZZ. ¿Porqué consideras que el digital cambia la forma de entender la apropiación y el remix?

M. Las tecnologías digitales nos están conduciendo hacia la transformación radical de nuestro mundo. Sustituyendo la economía industrial por un régimen bio-cibernético, la digitalización modifica nuestro entorno, nuestras subjetividad y pronto, nuestros cuerpos. Es el fenómeno tecnológico que definirá nuestra era y, por tanto, nuestra cultura.

El archivo digital, a diferencia del analógico, es un archivo invisible. Es un código cuya expresión visual es una traducción altamente mediatizada por algoritmos predeterminados y su característica más destacada es precisamente su inmaterialidad.

Esta estructura técnica está en consonancia con nuestro tiempo de abstracción y no-referencialidad y con la financialización digital de la economía. ¿Cómo vemos hoy el mundo? La respuesta la tenemos en las pantallas de nuestros ordenadores y smartphones. ¿Cuál es el aspecto esencial de la economía financiera? La recombinación de unidades de información ya existentes para crear nueva información, el “constructive compositing”. La digitalización ha invalidado definitivamente la narrativa lineal, la perspectiva monocular y la “autoridad” del autor.

ZZ. En tu trabajo das mucha importancia al concepto de tecnología. ¿Puedes explicarnos las razones?

M. Vamos hacia un mundo como “totalidad tecnológica”. La manipulación técnica ha invadido ya nuestro cuerpo, la última frontera, y a nadie le cabe duda de que en breve llevaremos incorporadas máquinas dentro de nuestro cuerpo cómo algo cotidiano.

El cyborg plantea las cuestiones más complejas para nuestra especie que, aunque algo desmejorada, sigue manteniendo la autonomía del sujeto como un valor esencial.

Abstracción, digitalización y cyborg son tres caras de la misma moneda que anuncia, nos guste o no, nuestro nuevo mundo. En mi opinión la reflexión sobre la tecnología es necesaria, urgente y políticamente esencial.

ZZ. ¿Y cómo crees que afecta la tecnología a la práctica fotográfica?

M. Quizás debería hacer primero una consideración. Uno de los problemas de la fotografía es la confusión entre tecnología y uso. La escritura es una tecnología de comunicación que sirve tanto para escribir un contrato mercantil como un poema de Virgilio. Es la misma tecnología pero nadie confunde a Virgilio con un notario. En fotografía tendemos a mezclar los usos, lo que crea una confusión enorme en los discursos críticos. Yo me estoy refiriendo en toda esta entrevista al uso de la fotografía como modo de expresión artístico.

Pues bien, la fotografía ha estado siempre a medio camino del cyborg. Es una máquina que afecta y hasta cierto punto determina la potencia, el pensamiento y la expresión humana y por tanto es un medio idóneo para reflexionar sobre los temas que he mencionado antes.

Pongamos un caso: ¿Como presentar visualmente la abstracción de la economía donde los referentes materiales de riqueza se han sustituido por un código binario? Este es el trabajo en el que estoy metido ahora mismo y que me obliga a repensar lo que “representación” significa en este nuevo régimen visual.

Otro ejemplo: ¿Cómo afecta a las categorías del arte la idea misma del cyborg? Este es el tema al que intento hincar el diente en el texto Cyborg Art: Arte en la era bio-cibernética. Y así mil posibles ideas que convierten a la fotografía en un medio apasionante en este momento histórico particular. Ahora bien, si la práctica fotográfica no acepta el reto que la contemporaneidad le plantea quedará relegada a la banalidad y el anticuario.

ZZ. ¿Cómo eliges las fuentes que utilizas y qué significados aportan a tus series?

M. Como casi todo en la vida, es una combinación de determinación y casualidad. En mi caso, un exceso de planificación y/o reflexión en mi trabajo me produce parálisis y los sueños, o mejor, las ensoñaciones tienen una importancia capital.

Mi último proyecto se llama Código Binario y pretende dar expresión visual a un mundo donde la base de datos y el algoritmo determinan la realidad última, incluida la naturaleza. Es en esencia el fin de la naturaleza tal cómo la conocemos.

Y, por alguna razón que no acierto a explicar, toda la serie son imágenes de mujeres y silos industriales. Podría ser porque mis archivos están llenos de estas imágenes que me han fascinado siempre pero también podría intentar justificarlo como acabamiento de un símbolo primordial donde la mujer y el útero ya no son símbolos relevantes para representar la fecundidad, la reproducción, la belleza o la naturaleza.

Me gustaría comentar un aspecto para mí importante. Los criterios con los que el artista selecciona el objeto “apropiado” pueden ser diversos pero la relación entre artista y objeto nunca es unívoca. El artista es sólo una de las partes. El objeto se rebela, lucha por su naturaleza real, reacciona a la manipulación y la boicotea. El objeto-signo mantiene parte de su naturaleza original por mucho que luches contra ella. Es esa negociación entre idea y realidad la que creo hace de la apropiación algo tan interesante.

ZZ. ¿Cómo incide en la narrativa y temporalidad de tus imágenes tener fuentes con orígenes diversos?

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Narrativa y temporalidad se pueden analizar desde muchas perspectivas. Por ejemplo, para el arte Cyborg el tiempo es irrelevante ya que puede acumular y eliminar modificaciones de su código infinitamente y por tanto no existen original ni copia. Otro ejemplo menos visionario sería la forma en que hoy vivimos Internet, saltando de un hipervínculo a otro, rompiendo la estructura narrativa original de un texto. La narrativa como mecanismo y fuente de verdad sigue funcionando sólo en Hollywood.

Pero el tema es complejo porque con narrativa y temporalidad en realidad de lo que estamos hablando es de la cuestión de significado. Refutar la narrativa es resistirse al significado determinado que permita la redención (aquí me estoy refiriendo a un conocido ensayo de Adorno sobre Beckett). Eludiendo la narrativa se impide el acceso al mundo confortable de la historia y la fábula.

En Código Binario no hay narrativa. Son puros objetos visuales que pretenden reivindicar su significado en su particularidad material. El código binario, desde su abstracción máxima, crea objetos cuya significación no proviene del código si no de su materialidad. El desencantamiento de la naturaleza moderna, su no-significado, no impide que la naturaleza hable en nuestros cuerpos, en nuestros deseos, sufrimientos y necesidades. Este proyecto, al reivindicar el objeto, reivindica el retorno a un materialismo estético (eso sí, actualizado).

Si lo piensas un poco quizás sea hora de reivindicar también al dios azteca Ometeotl como símbolo contemporáneo. Ometeotl, dios inmanente, invisible e inmaterial que no tenía templo, es creador de todas las dualidades (y por tanto anterior a ellas): tiempo y espacio, masculino y femenino, dia y noche, materia y espíritu, cero y uno. Es el creador de todo. Ometeotl es el código binario.

max de estebanMax de Esteban (España). Fotógrafo fine-art. Tiene un título de posgrado de la UPC, un Master de Stanford University y un Doctorado from URL. Su obra se cataloga en dos cuerpos de trabajo: Elegies of Manumission y Propositions. Premios: El Premio Nacional de Fotografía Profesional de España 2010, el Gold LUX, el Grand Prix Jury's Special Award y el Fotofestiwal 2010 de Polonia.

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ZZ. ¿Qué te condujo a la apropiación y remix y qué sentido tiene en tu trabajo?

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La pregunta interesante es por qué ahora, en fotografía, hay una reivindicación de su potencia estética. Y creo que una posible respuesta sería la combinación del agotamiento formal de la perspectiva lineal como representación fotográfica del mundo y el inmenso impacto que la digitalización está teniendo en todos los aspectos de nuestra vida. Yo contestaría a tu pregunta dándole la vuelta y diciendo que se me hace difícil pensar en una fotografía verdaderamente relevante para el mundo en que vivimos que siga respetando la estructura euro-céntrica y reaccionaria de la cámara oscura.

ZZ. ¿A qué te refieres con euro-céntrica y reaccionaria?

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Pero lo verdaderamente destacable es que es una excepción en la historia del arte. En 10,000 años de historia la perspectiva lineal corresponde únicamente a 500 años y localizados exclusivamente en occidente. Al arte asiático nunca le ha interesado, ni al arte pre-colombino, ni al arte africano…es la forma de ver Europea en un periodo que empieza en el Renacimiento y acaba en el siglo XIX. Y no es casualidad porque su contenido ideológico es bien conocido. La perspectiva lineal ordena el mundo desde el punto de vista de un individuo autónomo cuya individualidad es el principio de sentido del mundo. Es puro Descartes.

Y todos recordamos su Quinta Meditación que plantea que, siendo la esencia de la materia su extensión, la geometría es el instrumento esencial para comprender la naturaleza. La Modernidad se podría definir como el proceso de avance de la abstracción y del dominio de lo cuantitativo sobre lo cualitativo donde el orden matemático-cientifista se afirma como única fuente de conocimiento válido. Hay tanto pensamiento contemporáneo que desenmascara esta narrativa que considero innecesario repetirlo aquí.

Por todo ello, sorprendentemente, mi comentario anterior sigue siendo relevante. ¿Por qué la fotografía digital debe seguir dando prioridad a una estructura visual funcional e ideológicamente amortizada?

ZZ. ¿Porqué consideras que el digital cambia la forma de entender la apropiación y el remix?

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El archivo digital, a diferencia del analógico, es un archivo invisible. Es un código cuya expresión visual es una traducción altamente mediatizada por algoritmos predeterminados y su característica más destacada es precisamente su inmaterialidad.

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Abstracción, digitalización y cyborg son tres caras de la misma moneda que anuncia, nos guste o no, nuestro nuevo mundo. En mi opinión la reflexión sobre la tecnología es necesaria, urgente y políticamente esencial.

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Pongamos un caso: ¿Como presentar visualmente la abstracción de la economía donde los referentes materiales de riqueza se han sustituido por un código binario? Este es el trabajo en el que estoy metido ahora mismo y que me obliga a repensar lo que “representación” significa en este nuevo régimen visual.

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Mi último proyecto se llama Código Binario y pretende dar expresión visual a un mundo donde la base de datos y el algoritmo determinan la realidad última, incluida la naturaleza. Es en esencia el fin de la naturaleza tal cómo la conocemos.

Y, por alguna razón que no acierto a explicar, toda la serie son imágenes de mujeres y silos industriales. Podría ser porque mis archivos están llenos de estas imágenes que me han fascinado siempre pero también podría intentar justificarlo como acabamiento de un símbolo primordial donde la mujer y el útero ya no son símbolos relevantes para representar la fecundidad, la reproducción, la belleza o la naturaleza.

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En Código Binario no hay narrativa. Son puros objetos visuales que pretenden reivindicar su significado en su particularidad material. El código binario, desde su abstracción máxima, crea objetos cuya significación no proviene del código si no de su materialidad. El desencantamiento de la naturaleza moderna, su no-significado, no impide que la naturaleza hable en nuestros cuerpos, en nuestros deseos, sufrimientos y necesidades. Este proyecto, al reivindicar el objeto, reivindica el retorno a un materialismo estético (eso sí, actualizado).

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Aguas subterráneas

Liz Hickok

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01

 

En mi serie Aguas Subterráneas creo mundos en miniatura donde entornos naturales y urbanos están cubiertas por extrañas formaciones de cristal. Las coloridos representaciones tienen una materialidad juguetona, pero aluden también a la contaminación de nuestro medio ambiente.

Ensamblo y combino varios elementos, como un experimento científico, y luego inundo la escena con una solución de cristales líquidos. Al paso de algunas horas, días o semanas, los cristales se reconstruyen y se fijan al pequeño modelo. Disfruto estos procesos que suponen un conflicto entre el control y la ausencia del mismo.

 

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02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02

hickokLiz Hickok (EE.UU.) Artista que trabaja con fotografía, vídeo, escultura e instalación, recibió su Maestría en Bellas Artes por la Universidad Mills en Oakland, California. Obtuvo un BFA y licenciatura de la Escuela del Museo de Bellas Artes y la Universidad de Tufts en Boston, Massachusetts. Hickok vivió y trabajó en Boston durante más de diez años antes de trasladarse a la bahía de San Francisco.

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El mundo de Marjory

Rebecca Reeve

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01

El milagro de la luz se vierte sobre el campo verde y marrón de juncias y agua, brillando y moviendo lentamente el pasto y el agua que son el significado y el hecho fundamental de los Everglades. Es un río de pasto. —Marjory Stoneman Douglas

Comencé esta serie durante mi residencia de AIRIE en los Everglades en diciembre 2012. Toma inspiración de un ritual descrito en Los anillos de Saturno de W.G. Sebald. En Holanda en el siglo XVIII, durante los funerales de los difuntos, se acostumbraba cubrir todos los espejos, los paisajes y los retratos del hogar con telas. Se creía que esto facilitaría que el alma dejara al cuerpo y aplacaría las tentaciones de permanecer en este mundo.

El ritual parecía ser, por extensión, una confirmación de la experiencia profundamente conmovedora que uno a menudo siente en el ambiente natural y de esta manera brindaba un marco literal y contextual dentro del cual retratar el paisaje, un portal desde lo doméstico hacia lo salvaje. Las cortinas, todas ellas compradas en tiendas de beneficencia y del Ejército de Salvación en el sur de Florida y Utah, representan un "tejido social" que  porta por sí mismo una historia. En nuestra existencia cada vez más urbana que nos distancia incesantemente de la experiencia de lo silvestre, las cortinas sirven como vínculos visuales con lo familiar.

Se presentarán imágenes de la serie Marjory's World en la exhibición 'Mise en Scene' que abre el 16 de marzo en Hazan Projects en la ciudad de Nueva York.

 

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reeveRebecca Reeve (Inglaterra) Recibió su Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Bath Spa y una Maestría en Artes Visuales de la Universidad de South Wales, Australia. Sus fotografías se han exhibido a nivel nacional e internacional en la Biennale de Montreal, (Canadá), el Museo Freies de Berlín, (Alemania), el Museo de Arte Latinoamericano, (Buenos Aires), el EFA Project Space, (Nueva York) y el Museo de Arte Masur, (Louisiana). En 2013 fue Artista Residente en AIRIE y recibió la beca de Artista en Exploración patrocinada por Rolex. En 2016 será la Artista Residente en el Parque Nacional Joshua Tree. Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.
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Comencé esta serie durante mi residencia de AIRIE en los Everglades en diciembre 2012. Toma inspiración de un ritual descrito en Los anillos de Saturno de W.G. Sebald. En Holanda en el siglo XVIII, durante los funerales de los difuntos, se acostumbraba cubrir todos los espejos, los paisajes y los retratos del hogar con telas. Se creía que esto facilitaría que el alma dejara al cuerpo y aplacaría las tentaciones de permanecer en este mundo.

El ritual parecía ser, por extensión, una confirmación de la experiencia profundamente conmovedora que uno a menudo siente en el ambiente natural y de esta manera brindaba un marco literal y contextual dentro del cual retratar el paisaje, un portal desde lo doméstico hacia lo salvaje. Las cortinas, todas ellas compradas en tiendas de beneficencia y del Ejército de Salvación en el sur de Florida y Utah, representan un "tejido social" que  porta por sí mismo una historia. En nuestra existencia cada vez más urbana que nos distancia incesantemente de la experiencia de lo silvestre, las cortinas sirven como vínculos visuales con lo familiar.

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Cambio de perspectivas

Jamey Stillings

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01

Nos encontramos en un momento crítico en la evolución de nuestra especie. La forma en la que elijamos vivir en la Tierra en las próximas décadas, con el rápido crecimiento de la población humana y los patrones de consumo en continua expansión, pueden determinar no sólo nuestras posibilidades de supervivencia, sino también la sostenibilidad final de los ecosistemas de la Tierra.

 

Durante mucho tiempo me ha intrigado la tensión y la energía visual generada por el nexo entre la naturaleza y la actividad humana. De forma única como especie, modificamos y utilizamos el entorno para satisfacer nuestras aparentes necesidades o gustos. A veces estamos conscientes de las consecuencias futuras de nuestras acciones. Pero la mayoría del tiempo, preferimos fingir miopía en cuanto a la utilidad a corto plazo del uso de tierras y recursos.

 

Cambio de Perspectivas es el título del trabajo de diversos proyectos de fotografía que desarrollaré durante los próximos cinco años. Basándome en La Evolución de la Central Solar Ivanpah, un nuevo proyecto, la Energía en el oeste Estadounidense, será el siguiente paso en mi análisis de proyectos de energía renovable a escala comercial en los Estados Unidos, al mismo tiempo documentando la producción nacional de energía de carbón, petróleo y gas natural.

 

Mi objetivo principal, sin embargo, es convertir Cambio de Perspectivas en un proyecto de alcance mundial. Se desarrollan nuevos proyectos de energía renovable en todo el mundo a pasos agigantados. Los proyectos que se desarrollan en muchos países y varios continentes son el reflejo de un creciente compromiso internacional para que nuestras culturas y economías dejen atrás su dependencia en los combustibles fósiles y avancen hacia un futuro que se nutre de la extraordinaria energía sostenible del sol, el viento y las mareas. Me dedicaré a investigar y documentar un grupo selecto de proyectos de energía renovable que reflejan un compromiso proactivo con las generaciones futuras y al mismo tiempo trataré de descubrir los retos y compromisos que casi siempre implican estas transformaciones.

 

02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02

stillingsJamey Stillings Su trayectoria incluye documentales, obras de arte y proyectos de índole comercial. Obtuvo su Licenciatura en Arte de la Universidad de Willamette, además de una Maestría (MFA) en Fotografía del Rochester Institute of Technology, y cuenta con una cartera de clientes nacionales e internacionales a base de comisiones. La obra de Stillings forma parte de las colecciones de arte de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, el Museo de Bellas Artes de Houston, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo de Arte de Nevada, y varias colecciones privadas.

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Cámara oscura

Abelardo Morell

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01

Desde 1991 he convertido habitaciones en cámaras oscuras con el fin de fotografiar el extraño y maravilloso encuentro del mundo exterior con el interior de la habitación

En mi búsqueda por encontrar nuevas formas de utilizar esta técnica, he trabajado con mi asistente, C.J. Heyliger, en el diseño de una tienda de campaña a prueba de luz que pueda proyectar vistas del paisaje circundante mediante la óptica de tipo periscopio sobre la superficie del suelo dentro de la tienda. Dentro de este espacio fotografío la mezcla de estas dos realidades exteriores que se encuentran en el suelo. Dependiendo de la calidad de la superficie, estas imágenes pueden asumir una variedad de efectos pictóricos. El uso adicional de la tecnología digital en mi cámara me brinda la oportunidad de registrar momentos en un marco de tiempo mucho más corto- por ejemplo, ya he logrado que nubes y personas aparezcan en algunas fotografías.

Esta forma de observar el paisaje con carpas habilitadas especialmente para ello fue practicada por algunos artistas del siglo XIX con el fin de trazar en papel lo que veían en el paisaje. Es interesante que esta forma de visualizar fue practicada incluso antes de la invención de la fotografía.

 

02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02

morellAbelardo Morell (Cuba, 1948). Emigró a los Estados Unidos con sus padres en 1962. Morell se graduó en 1977 de Bowdoin College y obtuvo además su Maestría de la Escuela de Arte de la Universidad de Yale en 1981. En 1997 recibió el título Doctor Honoris Causa de la universidad de Bowdoin. Su trabajo ha formado parte de varias colecciones y ha sido exhibido en diversas galerías, instituciones y museos.


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Positives

Zbigniew Libera

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01

En Positives (2002-2003) famosas fotos históricas de prensa fueron re-escenificadas, repitiendo a las originales en términos de composición, pero cambiando los personajes y el significado general de los eventos capturados, para hacer una versión positiva de ellos. Libera comenta: "Las series son otro intento de jugar con el trauma.  Siempre estamos lidiando con objetos memorizados, no con los objetos en sí mismos. Yo buscaba emplear este mecanismo de ver y de recordar y de tocar al fenómeno de la persistencia de las imágenes en la memoria. Esta es la forma en la que realmente percibimos esas fotografías [la serie Positives] – las inofensivas escenas desencadenan recuerdos de los brutales originales. He seleccionado los 'negativos' de mi propia memoria, de entre las imágenes que recordaba de la infancia".

 

02 02 02 02 02 03 02 04

Z. LiberaZbigniew Libera (Polonia, 1959) Es uno de los artistas polacos más interesantes e importantes. Sus obras –fotografías, películas, instalaciones, objetos y dibujos- juegan penetrante y subversivamente con los estereotipos de la cultura contemporánea. Sus impactantes trabajos en video de la década de los ochenta precedieron al body art por 10 años. A mediados de los noventa, Libera comenzó a crear los Correcting Devices –objetos que son modificaciones de productos ya existentes- objetos de consumo masivo. Libera también diseña juguetes transformados –obras que revelan los mecanismos de crianza, educación y condicionamiento cultural, la más famosa de las cuales es Lego Concentration Camp. Desde aquel momento, él es uno de los pilares del llamado arte crítico. En años recientes también ha estado ocupado con la fotografía, sobre todo con la especificidad de la fotografía de prensa y de las formas en las cuales los medios de comunicación trazan nuestra memoria visual y manipulan la imagen de la historia.
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Capullos

Peter Steinhauer

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Desde 1993, Peter Steinhauer ha estado documentando las muchas facetas de la cultura asiática.

En su primera visita a Hong Kong en enero de 1994, al llegar al viejo Aeropuerto Internacional Kai Tak, Steinhauer notó una estructura muy grande contenida en una jaula de bambú y arropada por material amarillo. Se sintió impresionado por esta estructura monumental que resaltaba bajo un dosel de nubes mientras brillaba contra la silueta urbana monocromática. Así comenzó la fascinación de Steinhauer con estas estructuras multicolor.

Aunque antes se practicaba en toda Asia, Hong Kong es el último baluarte de los constructores de andamios de bambú. El título Cocoon (Capullo) fue una elección natural para esta obra. El marco: una metamorfosis, como la que transforma a las orugas en mariposas. El material coloreado descubierto ceremoniosamente revela una cara completamente nueva, como un capullo que se revela a sí mismo por primera vez.

 

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steinhauerPeter Steinhauer (EE.UU., 1966). Artista fotográfico que ha vivido y trabajado en Asia desde 1993. Su fotografía se enfoca en la arquitectura dentro del paisaje urbano, el paisaje natural, los rostros asiáticos y las estructuras artificiales. Ha recibido numerosos premios internacionales de fotografía, incluidos el de finalista de los premios Lucie 2014, la beca de la Fundación Ford para su trabajo de varios años en Vietnam, el premio de arquitectura Black and White Spider, los premios IPA y PX3 de París, entre otros. También es miembro del exclusivo Explorers Club de Nueva York.

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01

Desde 1993, Peter Steinhauer ha estado documentando las muchas facetas de la cultura asiática.

En su primera visita a Hong Kong en enero de 1994, al llegar al viejo Aeropuerto Internacional Kai Tak, Steinhauer notó una estructura muy grande contenida en una jaula de bambú y arropada por material amarillo. Se sintió impresionado por esta estructura monumental que resaltaba bajo un dosel de nubes mientras brillaba contra la silueta urbana monocromática. Así comenzó la fascinación de Steinhauer con estas estructuras multicolor.

Aunque antes se practicaba en toda Asia, Hong Kong es el último baluarte de los constructores de andamios de bambú. El título Cocoon (Capullo) fue una elección natural para esta obra. El marco: una metamorfosis, como la que transforma a las orugas en mariposas. El material coloreado descubierto ceremoniosamente revela una cara completamente nueva, como un capullo que se revela a sí mismo por primera vez.

 

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steinhauerPeter Steinhauer (EE.UU., 1966). Artista fotográfico que ha vivido y trabajado en Asia desde 1993. Su fotografía se enfoca en la arquitectura dentro del paisaje urbano, el paisaje natural, los rostros asiáticos y las estructuras artificiales. Ha recibido numerosos premios internacionales de fotografía, incluidos el de finalista de los premios Lucie 2014, la beca de la Fundación Ford para su trabajo de varios años en Vietnam, el premio de arquitectura Black and White Spider, los premios IPA y PX3 de París, entre otros. También es miembro del exclusivo Explorers Club de Nueva York.

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La cita del fotógrafo

Elisa Calore

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01

 

¿El retrato dice algo sobre la persona que es retratada? ¿El texto ayuda a comprender de mejor manera una fotografía?

 

"Citar fuera de contexto es la esencia de la tarea del fotógrafo" dice John Szarkowski en su obra El ojo del fotógrafo.

 

Descargué retratos hechos por fotógrafos famosos de internet y los abrí con el programa de edición de texto (TextEdit) en mi computadora, después puse algunos de sus pensamientos entre el código de las fotografías. El resultado es un "error literario" que nos ayuda a ver al medio y su relación con las palabras. El proceso de elaboración de las fotos no es casual sino que necesitó de un amplio conocimiento del medio, a pesar de que los resultados fueran aleatorios. 

 

02

 

William Eggleston:

 

Una foto es lo que es y nunca me había dado cuenta que ayuda a hablar de ellas, o responder preguntas específicas sobre ellas, sin tener que dar información en palabras. No tendría sentido explicarlas ya que sería como hacerlas menos. La gente siempre quiere saber cuando algo fue tomado, dónde fue tomado y, sabrá Dios, por qué fue tomado. Se torna en algo ridículo. Es decir, están justo ahí, lo que sea que sean.

 

 

02

 

Walker Evans:

 

Las fotografías no son ilustrativas. Ellas junto con el texto son co-iguales pero mutuamente independientes y totalmente colaborativas.

 

 

02

 

Annie Leibovitz:

 

En un retrato tienes espacio para tener un punto de vista. La imagen puede que no muestre de manera literal lo que hay pero es representativa.

 

 

02

 

Susan Sontag:

 

Tomar una fotografía es participar en la moralidad, vulnerabilidad, mutabilidad de otra persona. Precisamente por medio de la fragmentación y congelación del momento, todas las fotografías son testigos de la implacable fusión del tiempo.

 

 

02

 

Thomas Struth:

 

Para mi, tomar una fotografía es más que nada un proceso intelectual de entendimiento de otra gente y otras ciudades y su conexión histórica y fenomenológica. En ese punto la foto ya está casi hecha y todo lo que falta es el proceso mecánico.

 

 

caloreElisa Calore (1982, Venecia, Italia). Diseñadora e investigadora en el campo de la comunicación visual y lo multimedia. Su práctica ha sido enfocada principalmente en diferentes aspectos de la imagen: Su construcción y su uso para dar significado, el contexto social, el lugar en el que es posicionado, sus cualidades, su valor económico, la negociación cultural entre los creadores y los espectadores. Apasionada a todo lo referente a la fotografía, ella es la coordinadora general de la primera edición de PRISMA- Concurso de Fotografía de Derechos Humanos..

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Una foto es lo que es y nunca me había dado cuenta que ayuda a hablar de ellas, o responder preguntas específicas sobre ellas, sin tener que dar información en palabras. No tendría sentido explicarlas ya que sería como hacerlas menos. La gente siempre quiere saber cuando algo fue tomado, dónde fue tomado y, sabrá Dios, por qué fue tomado. Se torna en algo ridículo. Es decir, están justo ahí, lo que sea que sean.

 

 

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Las fotografías no son ilustrativas. Ellas junto con el texto son co-iguales pero mutuamente independientes y totalmente colaborativas.

 

 

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Annie Leibovitz:

 

En un retrato tienes espacio para tener un punto de vista. La imagen puede que no muestre de manera literal lo que hay pero es representativa.

 

 

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Susan Sontag:

 

Tomar una fotografía es participar en la moralidad, vulnerabilidad, mutabilidad de otra persona. Precisamente por medio de la fragmentación y congelación del momento, todas las fotografías son testigos de la implacable fusión del tiempo.

 

 

02

 

Thomas Struth:

 

Para mi, tomar una fotografía es más que nada un proceso intelectual de entendimiento de otra gente y otras ciudades y su conexión histórica y fenomenológica. En ese punto la foto ya está casi hecha y todo lo que falta es el proceso mecánico.

 

 

caloreElisa Calore (1982, Venecia, Italia). Diseñadora e investigadora en el campo de la comunicación visual y lo multimedia. Su práctica ha sido enfocada principalmente en diferentes aspectos de la imagen: Su construcción y su uso para dar significado, el contexto social, el lugar en el que es posicionado, sus cualidades, su valor económico, la negociación cultural entre los creadores y los espectadores. Apasionada a todo lo referente a la fotografía, ella es la coordinadora general de la primera edición de PRISMA- Concurso de Fotografía de Derechos Humanos..

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El ojo intérprete

Regula Bochsler

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01

Expediciones en el mundo 3D de las aplicaciones de Apple

Desde septiembre del 2012, Apple ha ofrecido un servicio de mapeo en una aplicación diseñada para el sistema operativo iOS6. Utilizando un nuevo tipo de modelado de imágenes 3D, esta aplicación muestra el centro de ciudades principalmente estadounidenses. Las imágenes creadas de los edificios y de las calles en la aplicación han dado pie a críticas y burlas ya que los mapas y los modelados correspondientes a cada mapa muestran errores... Mismos errores que dieron el punto de partida para el proyecto El ojo intérprete. [...]

La aplicación Apple Maps crea paisajes urbanos que son resultado de la invención de máquinas que modelan imágenes de manera permanente y que muestran lugares reales. Dichos lugares son tan extraños como familiares. Familiares porque son calles en las que se pueden transitar, casas que se puede habitar e intersecciones en las que uno se puede parar. Extrañas porque no estamos bajo la perspectiva de peatones. [...]

El hecho de que Apple esté actualmente trabajando en las mejoras de la aplicación de dichos mapas anuncia el fin de la calidad de estas imágenes: pronto [...] los algoritmos serán mejorados y las visualizaciones de la realidad serán tan perfectas que estas imágenes cartográficas se convertirán en inmediatez simulada y con ello volverse en mimesis.  En ese punto los modelados 3D producidos no serán más que una imagen simple que difícilmente se distinguirá de una fotografía - una fotografía que por su parte tampoco será distinguida de una imagen modelada. En la evidencia de este anticipado desarrollo, las capturas de pantalla [...] son ya una memoria de lo que en el futuro será pasado, cuando los paisajes urbanos creados por la computadora eran aún pintorescos. 1


1. Para el texto completo, visita:
http://www.renderingeye.net/projects_content.php?project_id=999&typ=project

 

01 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02

bochslerRegula Bochsler (Suiza). Periodista, historiadora y documentalista. Regula se ha centrado en una amplia y diversa gama de temas, incluyendo el Internet, la prostitución, el movimiento obrero, la publicidad, el feminismo, la teoría de los medios de comunicación, la influencia estadounidense en la cultura europea y muchos otros temas sociales, culturales y políticos. Entre sus publicaciones se encuentran: The Rendering Eye. Urban America Revisited (Zurich, 2014), Leaving Reality Behind: etoy vs eToys.com & Other Battles to Control Cyberspace (NY, 2002): Co-authored with Adam Wishart and Ich folgte meinem Stern. Das kämpferische Leben der Margarethe Hardegger (2004): I Followed My Star: The Combative Life of Margarethe Hardegger.

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01

Expediciones en el mundo 3D de las aplicaciones de Apple

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1. Para el texto completo, visita:
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bochslerRegula Bochsler (Suiza). Periodista, historiadora y documentalista. Regula se ha centrado en una amplia y diversa gama de temas, incluyendo el Internet, la prostitución, el movimiento obrero, la publicidad, el feminismo, la teoría de los medios de comunicación, la influencia estadounidense en la cultura europea y muchos otros temas sociales, culturales y políticos. Entre sus publicaciones se encuentran: The Rendering Eye. Urban America Revisited (Zurich, 2014), Leaving Reality Behind: etoy vs eToys.com & Other Battles to Control Cyberspace (NY, 2002): Co-authored with Adam Wishart and Ich folgte meinem Stern. Das kämpferische Leben der Margarethe Hardegger (2004): I Followed My Star: The Combative Life of Margarethe Hardegger.

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Inteligencia artificial

Francesco Romoli

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01

Después de un periodo de declive viene un punto de despegue.
La intensa luz que había desaparecido vuelve.
Hay movimiento pero no causado por la violencia… El movimiento es natural, surge espontáneamente.
Por lo tanto, transformar lo viejo resulta fácil.
Lo viejo es descartado y remplazado por lo nuevo.
Ambas acciones están en consonancia con el tiempo;
y de este modo no causan daño.

 

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EsieboFrancesco Romoli (Pisa, Italia 1977). Siempre estuvo interesado en las diferentes formas de expresión sin importar el tipo. A sus 14 años comenzó a estudiar guitarra y teoría musical. Se enamora de las computadoras en 1998 y comienza a trabajar en hacking y en arte en red. Se gradúa en el 2004 en Pisa en Ciencias de la Computación. En el 2010 se familiariza con el photoshop para sus creaciones, encontrándose justo entre el diseño gráfico y fotografía. En el 2012 empezó a estudiar en el centro de fotografía contemporánea Fondazione Studio Marangoni, en Florencia. Dentro de sus otras pasiones están el paracaidismo y los viajes.

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EsieboFrancesco Romoli (Pisa, Italia 1977). Siempre estuvo interesado en las diferentes formas de expresión sin importar el tipo. A sus 14 años comenzó a estudiar guitarra y teoría musical. Se enamora de las computadoras en 1998 y comienza a trabajar en hacking y en arte en red. Se gradúa en el 2004 en Pisa en Ciencias de la Computación. En el 2010 se familiariza con el photoshop para sus creaciones, encontrándose justo entre el diseño gráfico y fotografía. En el 2012 empezó a estudiar en el centro de fotografía contemporánea Fondazione Studio Marangoni, en Florencia. Dentro de sus otras pasiones están el paracaidismo y los viajes.

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Los caballeros del diablo

Jacques Pugin

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01

¿En dónde estamos?

La noche… rastros luminosos, quizá bóvedas celestes, un mundo onírico lleno de misterio.

Estos rastros son vestigios de la Guerra Civil que tuvo lugar en Darfour; Janjawids (Los caballeros del diablo) en la que cometían abusos, violaban mujeres, mataban a niños y torturaban a la sociedad antes de quemar la aldea – dejando únicamente la ceniza de sus hogares y vallas. Por primera vez en la carrera del fotógrafo de Jacques Pugin, escogió trabajar con imágenes que no fueran de su autoría, utilizando clichés sacados de internet. Dichas imágenes satelitales son en realidad extractos de Google Earth, tomadas a millones de kilómetros por encima de Dafour.

Estas imágenes están muertas en su estado original, rastros negros de historia archivada, vistos desde el ojo del satélite. Son simples ecos de eventos. Como los arqueólogos dirían “Esto pasó aquí”.

Jaques Pugin ha elegido trabajar con estas imágenes dándoles un doble tratamiento. Primero drenó todos los colores, convirtiéndolos en blanco y negro. Después los invirtió, enfatizando en la naturaleza simbólica y fundamentalmente oscura de la barbarie de la que fueron testigos. Convertir las imágenes a negativo hace que las líneas negras se vuelvan rastros blancos, llenándolos con luz - la luz del camino del fuego.

A la primera lectura, la explícita pero oscura naturaleza de estas imágenes estimula nuestra curiosidad. Sin embargo, sólo con una observación más profunda se revela el verdadero significado, la violencia.

Si la autoría de este trabajo se le pudiera otorgar a la investigación del fotógrafo en su búsqueda de rastros, entonces empezó 1979 con la serie Graffiti Greffés (Graffiti injertado), sólo que esta vez, Jacques Pugin conduce su intención a un tema más político.

Consciente de la falta de interés por parte de los periodistas en entrar al área de Darfour, el artista plasma su cuestionamiento respecto al rol que internet tiene transformando indirectamente las imágenes de Google Earth en una herramienta de reportaje que es testigo desde las alturas.

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EsieboJacques Pugin (Suiza, 1954) es artista-fotógrafo. Es uno de los precursores de la técnica Light Painting, la cual consiste en capturar un rastro creado por luz en el proceso fotográfico, ya sea por medio de exposición directa del sensor hacia la fuente de luz o bien, al sujeto iluminado. Jacques construye éstas imágenes interviniendo en el tiempo de captura (dentro de la cámara) o en la post- producción, usando una variedad de técnicas como pueden ser pintura, dibujo o a través de herramientas digitales. Sus fotografías son un reflejo del tiempo, espacio y la compleja relación entre el hombre y la naturaleza.

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¿En dónde estamos?

La noche… rastros luminosos, quizá bóvedas celestes, un mundo onírico lleno de misterio.

Estos rastros son vestigios de la Guerra Civil que tuvo lugar en Darfour; Janjawids (Los caballeros del diablo) en la que cometían abusos, violaban mujeres, mataban a niños y torturaban a la sociedad antes de quemar la aldea – dejando únicamente la ceniza de sus hogares y vallas. Por primera vez en la carrera del fotógrafo de Jacques Pugin, escogió trabajar con imágenes que no fueran de su autoría, utilizando clichés sacados de internet. Dichas imágenes satelitales son en realidad extractos de Google Earth, tomadas a millones de kilómetros por encima de Dafour.

Estas imágenes están muertas en su estado original, rastros negros de historia archivada, vistos desde el ojo del satélite. Son simples ecos de eventos. Como los arqueólogos dirían “Esto pasó aquí”.

Jaques Pugin ha elegido trabajar con estas imágenes dándoles un doble tratamiento. Primero drenó todos los colores, convirtiéndolos en blanco y negro. Después los invirtió, enfatizando en la naturaleza simbólica y fundamentalmente oscura de la barbarie de la que fueron testigos. Convertir las imágenes a negativo hace que las líneas negras se vuelvan rastros blancos, llenándolos con luz - la luz del camino del fuego.

A la primera lectura, la explícita pero oscura naturaleza de estas imágenes estimula nuestra curiosidad. Sin embargo, sólo con una observación más profunda se revela el verdadero significado, la violencia.

Si la autoría de este trabajo se le pudiera otorgar a la investigación del fotógrafo en su búsqueda de rastros, entonces empezó 1979 con la serie Graffiti Greffés (Graffiti injertado), sólo que esta vez, Jacques Pugin conduce su intención a un tema más político.

Consciente de la falta de interés por parte de los periodistas en entrar al área de Darfour, el artista plasma su cuestionamiento respecto al rol que internet tiene transformando indirectamente las imágenes de Google Earth en una herramienta de reportaje que es testigo desde las alturas.

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EsieboJacques Pugin (Suiza, 1954) es artista-fotógrafo. Es uno de los precursores de la técnica Light Painting, la cual consiste en capturar un rastro creado por luz en el proceso fotográfico, ya sea por medio de exposición directa del sensor hacia la fuente de luz o bien, al sujeto iluminado. Jacques construye éstas imágenes interviniendo en el tiempo de captura (dentro de la cámara) o en la post- producción, usando una variedad de técnicas como pueden ser pintura, dibujo o a través de herramientas digitales. Sus fotografías son un reflejo del tiempo, espacio y la compleja relación entre el hombre y la naturaleza.

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