Estados Unidos

Hacer eco

Vanessa Alcaíno y Alejandro Malo

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sartore kingfisher
Brown Hooded Kingfisher, (Halcyon albiventris), Chitengo Camp, Gorongosa National Park, Mozambique, 2011. Por Joel Sartore

Cuando elegimos abordar el tema del paisaje y, poco tiempo después, caímos en cuenta de su relación con el tema de la Bienal FotoFest 2016, Changing Circumstances: Looking at the Future of the Planet, nos pareció oportuno hacer eco de las inquietudes expresadas durante dicho festival. Algunos trabajos presentados en este número recuperan en formato electrónico y para nuestro público algunas de sus exposiciones. Sin embargo, esta observación sería insuficiente si no enfatizáramos algunas de las reflexiones que se incluyen en el libro del mismo nombre y no hiciéramos la invitación a asomarse a sus páginas.

Concebido en colaboración entre Wendy Watriss y Frederick Baldwin, fundadores de FotoFest, junto a Steven Evans, Director Ejecutivo del festival, integra un mosaico muy diverso y amplio de artistas. En su texto introductorio, Steven Evans enfatiza la necesidad de promover el intercambio de ideas entre artistas que hacen uso de diferentes estrategias para abordar el tema, y a la divergencia de miradas contrapone el hilo conductor de los ensayos de Thomas E. Lovejoy y Geof Rayner que muestran una conexión intrínseca entre las preocupaciones de los artistas. Ambos ensayos ofrecen sólidos argumentos sobre la necesidad urgente de tomar medidas respecto al cambio climático; el primero, desde la perspectiva de la Tierra como un organismo viviente, y el segundo al demostrar el papel determinante del ser humano en su entorno.

barker birds nest
Bird’s Nest, 2011. Por Mandy Barker

Por su parte, Wendy Watriss da voz a algunas preguntas que resuenan con preocupaciones encontradas durante nuestra investigación sobre el tema del paisaje: “¿Tenemos una responsabilidad, más allá de nuestro bienestar, con el resto del mundo natural? ¿El arte puede estimular nuevas perspectivas y nuevas maneras de ver?” La fotografía tiene en sus manos el potencial de compartirnos realidades que de otro modo nos serían inaccesibles. Las imágenes no son neutras, alimentan el imaginario y propician reflexiones, siendo un medio muy eficaz para hacer palpable, próxima y visible cualquier problemática, incluso hasta llevarla a la esfera política e impulsar acuerdos. Coincidimos con su postura de que el arte sí puede estimular y expandir nuestra visión del mundo y presentar maneras innovadoras de abordar el tema del cambio climático. No se deben permitir visiones sesgadas que sólo abordan y hablan desde una área del conocimiento o una región del mundo. Hay que abrirse a las culturas, incluir puntos de vista divergentes, dibujar nuevos y distintos confines, crear mapas inéditos, poner el mundo de cabeza, revolverlo y dividirlo de variadas maneras. Esa es la única manera de visualizar un futuro donde en vez de dominar a la naturaleza, colaboremos por su supervivencia y la nuestra. Y esta nueva manera de mirar, estos nuevos caminos hacia nuestro futuro, son lo que el arte puede expresar de mejor manera.

Vanessa AlcaínoVanessa Alcaíno Pizani (Venezuela, 1980). Vive y trabaja en México. Licenciada en Filosofía en la Universidad Central de Venezuela. Máster en Pensamiento español e iberoamericano en la UAM, Madrid. Artista plástico. Desde el año 1994 ha realizando diversos estudios y trabajos relacionados con la fotografía en distintas instituciones y organizaciones tanto en Venezuela como en Argentina y México. Actualmente forma parte del equipo editorial de zonezero.com.
 
Alejandro MaloAlejandro Malo (México, 1972). Vive y trabaja en México. Director de ZoneZero. Participa desde 1993 en diversos proyectos culturales y se desempeña como consultor en tecnologías de la información. Ha colaborado en publicaciones impresas y electrónicas e impartido talleres y conferencias sobre literatura, escritura creativa, storytelling y tecnología.  En el 2009 se integró al equipo de la Fundación Pedro Meyer, donde dirige además las áreas de Archivo y Tecnología.



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Brown Hooded Kingfisher, (Halcyon albiventris), Chitengo Camp, Gorongosa National Park, Mozambique, 2011. Por Joel Sartore

Cuando elegimos abordar el tema del paisaje y, poco tiempo después, caímos en cuenta de su relación con el tema de la Bienal FotoFest 2016, Changing Circumstances: Looking at the Future of the Planet, nos pareció oportuno hacer eco de las inquietudes expresadas durante dicho festival. Algunos trabajos presentados en este número recuperan en formato electrónico y para nuestro público algunas de sus exposiciones. Sin embargo, esta observación sería insuficiente si no enfatizáramos algunas de las reflexiones que se incluyen en el libro del mismo nombre y no hiciéramos la invitación a asomarse a sus páginas.

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barker birds nest
Bird’s Nest, 2011. Por Mandy Barker

Por su parte, Wendy Watriss da voz a algunas preguntas que resuenan con preocupaciones encontradas durante nuestra investigación sobre el tema del paisaje: “¿Tenemos una responsabilidad, más allá de nuestro bienestar, con el resto del mundo natural? ¿El arte puede estimular nuevas perspectivas y nuevas maneras de ver?” La fotografía tiene en sus manos el potencial de compartirnos realidades que de otro modo nos serían inaccesibles. Las imágenes no son neutras, alimentan el imaginario y propician reflexiones, siendo un medio muy eficaz para hacer palpable, próxima y visible cualquier problemática, incluso hasta llevarla a la esfera política e impulsar acuerdos. Coincidimos con su postura de que el arte sí puede estimular y expandir nuestra visión del mundo y presentar maneras innovadoras de abordar el tema del cambio climático. No se deben permitir visiones sesgadas que sólo abordan y hablan desde una área del conocimiento o una región del mundo. Hay que abrirse a las culturas, incluir puntos de vista divergentes, dibujar nuevos y distintos confines, crear mapas inéditos, poner el mundo de cabeza, revolverlo y dividirlo de variadas maneras. Esa es la única manera de visualizar un futuro donde en vez de dominar a la naturaleza, colaboremos por su supervivencia y la nuestra. Y esta nueva manera de mirar, estos nuevos caminos hacia nuestro futuro, son lo que el arte puede expresar de mejor manera.

Vanessa AlcaínoVanessa Alcaíno Pizani (Venezuela, 1980). Vive y trabaja en México. Licenciada en Filosofía en la Universidad Central de Venezuela. Máster en Pensamiento español e iberoamericano en la UAM, Madrid. Artista plástico. Desde el año 1994 ha realizando diversos estudios y trabajos relacionados con la fotografía en distintas instituciones y organizaciones tanto en Venezuela como en Argentina y México. Actualmente forma parte del equipo editorial de zonezero.com.
 
Alejandro MaloAlejandro Malo (México, 1972). Vive y trabaja en México. Director de ZoneZero. Participa desde 1993 en diversos proyectos culturales y se desempeña como consultor en tecnologías de la información. Ha colaborado en publicaciones impresas y electrónicas e impartido talleres y conferencias sobre literatura, escritura creativa, storytelling y tecnología.  En el 2009 se integró al equipo de la Fundación Pedro Meyer, donde dirige además las áreas de Archivo y Tecnología.



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Paisajes vigilados

Marcus DeSieno

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01

 

Paisajes vigilados cuestiona cómo la tecnología de vigilancia ha cambiado nuestra relación y comprensión del paisaje y el espacio dentro de nuestra cultura electrónica cada vez más intrusiva. Hackeo cámaras de vigilancia, cámaras web públicas y transmisiones de circuito cerrado de televisión a la caza de los clásicos paisajes pintorescos, dislocando el producto visual de su origen automatizado, mientras busco provocar un diálogo entre tierra, límites y poder. El acto mismo de vigilar un sitio por medio de estos sistemas fotográficos implica una relación dominante entre hombre y espacio. Al final, espero socavar estos esquemas de control social mediante la melancolía de estas imágenes alteradas descubiertas al explotar los mecanismos tecnológicos de poder en nuestra sociedad de vigilancia.

 

02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02

deSienoMarcus DeSieno (EE.UU.) Su trabajo se interesa en la ciencia y la exploración relacionadas con la historia de la fotografía. Recibió su maestría en estudio de arte en la Universidad del Sur de Florida en 2015. DeSieno a menudo asume el papel del científico aficionado en su trabajo con el fin de investigar la relación histórica de la fotografía con la ciencia en lo que se refiere a la noción de lo invisible. Combina de manera regular procesos fotográficos anticuadas y obsoletos con tecnologías de la imagen actuales para entablar un diálogo crítico sobre la evolución de la tecnología fotográfica en relación al acto visual.
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deSienoMarcus DeSieno (EE.UU.) Su trabajo se interesa en la ciencia y la exploración relacionadas con la historia de la fotografía. Recibió su maestría en estudio de arte en la Universidad del Sur de Florida en 2015. DeSieno a menudo asume el papel del científico aficionado en su trabajo con el fin de investigar la relación histórica de la fotografía con la ciencia en lo que se refiere a la noción de lo invisible. Combina de manera regular procesos fotográficos anticuadas y obsoletos con tecnologías de la imagen actuales para entablar un diálogo crítico sobre la evolución de la tecnología fotográfica en relación al acto visual.
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Azotea

Brad Temkin

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portada es

 

La mayor parte de mi carrera se ha centrado en nuestra relación con la naturaleza. Estoy interesado en cómo encontramos formas de integrar la naturaleza, y cómo nos integra. Al igual que con la mayoría de los conjuntos de trabajo, las imágenes definen mi intención. Pero al final, hago las fotos que hago a causa de la conversación que se produce entre el tema y yo -y esto siempre depende de la luz, el clima, cómo me siento y lo que estoy dispuesto a ver en cada momento. Es el momento en que todas las cosas se juntan para mí.

Azotea destaca de manera poética estos espacios para celebrar y propagar nuevas ideas de diseño que demuestren inventiva en arquitectura y atiendan nuestra necesidad de contacto con la naturaleza. Los techos verdes reducen nuestra huella de carbono al contrarrestar el efecto de isla de calor y mejorar el control de aguas pluviales, pero hacen mucho más. Estas imágenes simbolizan el aspecto seductor de la naturaleza frente a nuestro crecimiento urbano sostenido. Al situar de forma segura los jardines dentro de la ortogonalidad de acero, piedra y vidrio de construcciones urbanas e industriales, pido a los espectadores descubrir patrones más abiertos, coloridos y relacionados con el cielo; y cómo se convierten en parte de un nuevo paisaje, así como un marco para cambios positivos. Nuestro inventiva y gracia me sigue impresionando. Me hace más optimista acerca de la humanidad.

 

02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02 02

temkinBrad Temkin (EUA, 1956). Ha documentado el impacto humano en el paisaje. Ha expuesto sus fotografías en museos y galerías de Estados Unidos y el extranjero. Las obras de Temkin se incluyen en numerosas colecciones permanentes, entre ellos los de The Art Institute of Chicago, Milwaukee Art Museum, Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C.; Museum of Fine Arts de Houston; Akron Art Museum en Ohio; y Museum of Contemporary Photography de Chicago, entre otros. Sus imágenes han aparecido en publicaciones tales como Aperture, Black & White Magazine, TIME Magazine y European Photography.
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Azotea destaca de manera poética estos espacios para celebrar y propagar nuevas ideas de diseño que demuestren inventiva en arquitectura y atiendan nuestra necesidad de contacto con la naturaleza. Los techos verdes reducen nuestra huella de carbono al contrarrestar el efecto de isla de calor y mejorar el control de aguas pluviales, pero hacen mucho más. Estas imágenes simbolizan el aspecto seductor de la naturaleza frente a nuestro crecimiento urbano sostenido. Al situar de forma segura los jardines dentro de la ortogonalidad de acero, piedra y vidrio de construcciones urbanas e industriales, pido a los espectadores descubrir patrones más abiertos, coloridos y relacionados con el cielo; y cómo se convierten en parte de un nuevo paisaje, así como un marco para cambios positivos. Nuestro inventiva y gracia me sigue impresionando. Me hace más optimista acerca de la humanidad.

 

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Vistas procesadas

Barbara Ciurej y Lindsay Lochman

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01

 

Vistas procesadas interpreta la frontera de la producción industrial de alimentos: la intersección seductora y alarmante de la naturaleza y la tecnología. Conforme nos alejamos más y más de los orígenes de nuestros alimentos, nos adentramos en territorio desconocido repleto de consecuencias no deseadas para el ambiente y para nuestra salud.

En nuestro comentario sobre el panorama de los alimentos procesados hacemos referencia a la obra del fotógrafo Carleton Watkins (1829-1916). Sus vistas sublimes presentaron al oeste de Estados Unidos como una tierra de posibilidades infinitas e influenciaron la creación de los primeros parques nacionales. Sin embargo, muchas de las fotografías de Watkins fueron encargadas por los intereses corporativos de la época; las compañías ferrocarrileras, mineras, madereras y molineras. Estos encargos sirvieron como documentación y publicidad del oeste estadounidense. Los paisajes de Watkins expresaron la noción popular en el siglo XIX del destino manifiesto: la pródiga tierra estadounidense, utilizada de manera inevitable y justificada por sus ciudadanos.

Construimos estos panoramas para examinar el consumo, el progreso y los cambios que ha sufrido el paisaje.

 

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steinhauerBarbara Ciurej y Lindsay Lochman (EE.UU.) Colaboran en proyectos fotográficos que abordan la confluencia de la historia, los mitos y la cultura popular. Su obra ha sido expuesta ampliamente y sus fotografías se encuentran en colecciones públicas y privadas, entre ellas las del Instituto de Arte de Chicago, el Centro de Arte Walker, el Museo de Fotografía Contemporánea, el Museo de Arte de Milwaukee y la Biblioteca Beinecke en la Universidad de Yale. Actualmente están explorando el potencial de los paisajes construidos para describir la desigualdad social. Vistas procesadas se encuentra catualmente en exhibición en el Rick Wester Fine Art de New York, hasta el 29 de julio de 2016.
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En nuestro comentario sobre el panorama de los alimentos procesados hacemos referencia a la obra del fotógrafo Carleton Watkins (1829-1916). Sus vistas sublimes presentaron al oeste de Estados Unidos como una tierra de posibilidades infinitas e influenciaron la creación de los primeros parques nacionales. Sin embargo, muchas de las fotografías de Watkins fueron encargadas por los intereses corporativos de la época; las compañías ferrocarrileras, mineras, madereras y molineras. Estos encargos sirvieron como documentación y publicidad del oeste estadounidense. Los paisajes de Watkins expresaron la noción popular en el siglo XIX del destino manifiesto: la pródiga tierra estadounidense, utilizada de manera inevitable y justificada por sus ciudadanos.

Construimos estos panoramas para examinar el consumo, el progreso y los cambios que ha sufrido el paisaje.

 

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Aguas subterráneas

Liz Hickok

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En mi serie Aguas Subterráneas creo mundos en miniatura donde entornos naturales y urbanos están cubiertas por extrañas formaciones de cristal. Las coloridos representaciones tienen una materialidad juguetona, pero aluden también a la contaminación de nuestro medio ambiente.

Ensamblo y combino varios elementos, como un experimento científico, y luego inundo la escena con una solución de cristales líquidos. Al paso de algunas horas, días o semanas, los cristales se reconstruyen y se fijan al pequeño modelo. Disfruto estos procesos que suponen un conflicto entre el control y la ausencia del mismo.

 

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hickokLiz Hickok (EE.UU.) Artista que trabaja con fotografía, vídeo, escultura e instalación, recibió su Maestría en Bellas Artes por la Universidad Mills en Oakland, California. Obtuvo un BFA y licenciatura de la Escuela del Museo de Bellas Artes y la Universidad de Tufts en Boston, Massachusetts. Hickok vivió y trabajó en Boston durante más de diez años antes de trasladarse a la bahía de San Francisco.

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En mi serie Aguas Subterráneas creo mundos en miniatura donde entornos naturales y urbanos están cubiertas por extrañas formaciones de cristal. Las coloridos representaciones tienen una materialidad juguetona, pero aluden también a la contaminación de nuestro medio ambiente.

Ensamblo y combino varios elementos, como un experimento científico, y luego inundo la escena con una solución de cristales líquidos. Al paso de algunas horas, días o semanas, los cristales se reconstruyen y se fijan al pequeño modelo. Disfruto estos procesos que suponen un conflicto entre el control y la ausencia del mismo.

 

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hickokLiz Hickok (EE.UU.) Artista que trabaja con fotografía, vídeo, escultura e instalación, recibió su Maestría en Bellas Artes por la Universidad Mills en Oakland, California. Obtuvo un BFA y licenciatura de la Escuela del Museo de Bellas Artes y la Universidad de Tufts en Boston, Massachusetts. Hickok vivió y trabajó en Boston durante más de diez años antes de trasladarse a la bahía de San Francisco.

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El mundo de Marjory

Rebecca Reeve

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01

El milagro de la luz se vierte sobre el campo verde y marrón de juncias y agua, brillando y moviendo lentamente el pasto y el agua que son el significado y el hecho fundamental de los Everglades. Es un río de pasto. —Marjory Stoneman Douglas

Comencé esta serie durante mi residencia de AIRIE en los Everglades en diciembre 2012. Toma inspiración de un ritual descrito en Los anillos de Saturno de W.G. Sebald. En Holanda en el siglo XVIII, durante los funerales de los difuntos, se acostumbraba cubrir todos los espejos, los paisajes y los retratos del hogar con telas. Se creía que esto facilitaría que el alma dejara al cuerpo y aplacaría las tentaciones de permanecer en este mundo.

El ritual parecía ser, por extensión, una confirmación de la experiencia profundamente conmovedora que uno a menudo siente en el ambiente natural y de esta manera brindaba un marco literal y contextual dentro del cual retratar el paisaje, un portal desde lo doméstico hacia lo salvaje. Las cortinas, todas ellas compradas en tiendas de beneficencia y del Ejército de Salvación en el sur de Florida y Utah, representan un "tejido social" que  porta por sí mismo una historia. En nuestra existencia cada vez más urbana que nos distancia incesantemente de la experiencia de lo silvestre, las cortinas sirven como vínculos visuales con lo familiar.

Se presentarán imágenes de la serie Marjory's World en la exhibición 'Mise en Scene' que abre el 16 de marzo en Hazan Projects en la ciudad de Nueva York.

 

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reeveRebecca Reeve (Inglaterra) Recibió su Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Bath Spa y una Maestría en Artes Visuales de la Universidad de South Wales, Australia. Sus fotografías se han exhibido a nivel nacional e internacional en la Biennale de Montreal, (Canadá), el Museo Freies de Berlín, (Alemania), el Museo de Arte Latinoamericano, (Buenos Aires), el EFA Project Space, (Nueva York) y el Museo de Arte Masur, (Louisiana). En 2013 fue Artista Residente en AIRIE y recibió la beca de Artista en Exploración patrocinada por Rolex. En 2016 será la Artista Residente en el Parque Nacional Joshua Tree. Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.
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Comencé esta serie durante mi residencia de AIRIE en los Everglades en diciembre 2012. Toma inspiración de un ritual descrito en Los anillos de Saturno de W.G. Sebald. En Holanda en el siglo XVIII, durante los funerales de los difuntos, se acostumbraba cubrir todos los espejos, los paisajes y los retratos del hogar con telas. Se creía que esto facilitaría que el alma dejara al cuerpo y aplacaría las tentaciones de permanecer en este mundo.

El ritual parecía ser, por extensión, una confirmación de la experiencia profundamente conmovedora que uno a menudo siente en el ambiente natural y de esta manera brindaba un marco literal y contextual dentro del cual retratar el paisaje, un portal desde lo doméstico hacia lo salvaje. Las cortinas, todas ellas compradas en tiendas de beneficencia y del Ejército de Salvación en el sur de Florida y Utah, representan un "tejido social" que  porta por sí mismo una historia. En nuestra existencia cada vez más urbana que nos distancia incesantemente de la experiencia de lo silvestre, las cortinas sirven como vínculos visuales con lo familiar.

Se presentarán imágenes de la serie Marjory's World en la exhibición 'Mise en Scene' que abre el 16 de marzo en Hazan Projects en la ciudad de Nueva York.

 

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Cambio de perspectivas

Jamey Stillings

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01

Nos encontramos en un momento crítico en la evolución de nuestra especie. La forma en la que elijamos vivir en la Tierra en las próximas décadas, con el rápido crecimiento de la población humana y los patrones de consumo en continua expansión, pueden determinar no sólo nuestras posibilidades de supervivencia, sino también la sostenibilidad final de los ecosistemas de la Tierra.

 

Durante mucho tiempo me ha intrigado la tensión y la energía visual generada por el nexo entre la naturaleza y la actividad humana. De forma única como especie, modificamos y utilizamos el entorno para satisfacer nuestras aparentes necesidades o gustos. A veces estamos conscientes de las consecuencias futuras de nuestras acciones. Pero la mayoría del tiempo, preferimos fingir miopía en cuanto a la utilidad a corto plazo del uso de tierras y recursos.

 

Cambio de Perspectivas es el título del trabajo de diversos proyectos de fotografía que desarrollaré durante los próximos cinco años. Basándome en La Evolución de la Central Solar Ivanpah, un nuevo proyecto, la Energía en el oeste Estadounidense, será el siguiente paso en mi análisis de proyectos de energía renovable a escala comercial en los Estados Unidos, al mismo tiempo documentando la producción nacional de energía de carbón, petróleo y gas natural.

 

Mi objetivo principal, sin embargo, es convertir Cambio de Perspectivas en un proyecto de alcance mundial. Se desarrollan nuevos proyectos de energía renovable en todo el mundo a pasos agigantados. Los proyectos que se desarrollan en muchos países y varios continentes son el reflejo de un creciente compromiso internacional para que nuestras culturas y economías dejen atrás su dependencia en los combustibles fósiles y avancen hacia un futuro que se nutre de la extraordinaria energía sostenible del sol, el viento y las mareas. Me dedicaré a investigar y documentar un grupo selecto de proyectos de energía renovable que reflejan un compromiso proactivo con las generaciones futuras y al mismo tiempo trataré de descubrir los retos y compromisos que casi siempre implican estas transformaciones.

 

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stillingsJamey Stillings Su trayectoria incluye documentales, obras de arte y proyectos de índole comercial. Obtuvo su Licenciatura en Arte de la Universidad de Willamette, además de una Maestría (MFA) en Fotografía del Rochester Institute of Technology, y cuenta con una cartera de clientes nacionales e internacionales a base de comisiones. La obra de Stillings forma parte de las colecciones de arte de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, el Museo de Bellas Artes de Houston, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo de Arte de Nevada, y varias colecciones privadas.

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Durante mucho tiempo me ha intrigado la tensión y la energía visual generada por el nexo entre la naturaleza y la actividad humana. De forma única como especie, modificamos y utilizamos el entorno para satisfacer nuestras aparentes necesidades o gustos. A veces estamos conscientes de las consecuencias futuras de nuestras acciones. Pero la mayoría del tiempo, preferimos fingir miopía en cuanto a la utilidad a corto plazo del uso de tierras y recursos.

 

Cambio de Perspectivas es el título del trabajo de diversos proyectos de fotografía que desarrollaré durante los próximos cinco años. Basándome en La Evolución de la Central Solar Ivanpah, un nuevo proyecto, la Energía en el oeste Estadounidense, será el siguiente paso en mi análisis de proyectos de energía renovable a escala comercial en los Estados Unidos, al mismo tiempo documentando la producción nacional de energía de carbón, petróleo y gas natural.

 

Mi objetivo principal, sin embargo, es convertir Cambio de Perspectivas en un proyecto de alcance mundial. Se desarrollan nuevos proyectos de energía renovable en todo el mundo a pasos agigantados. Los proyectos que se desarrollan en muchos países y varios continentes son el reflejo de un creciente compromiso internacional para que nuestras culturas y economías dejen atrás su dependencia en los combustibles fósiles y avancen hacia un futuro que se nutre de la extraordinaria energía sostenible del sol, el viento y las mareas. Me dedicaré a investigar y documentar un grupo selecto de proyectos de energía renovable que reflejan un compromiso proactivo con las generaciones futuras y al mismo tiempo trataré de descubrir los retos y compromisos que casi siempre implican estas transformaciones.

 

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Capullos

Peter Steinhauer

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01

Desde 1993, Peter Steinhauer ha estado documentando las muchas facetas de la cultura asiática.

En su primera visita a Hong Kong en enero de 1994, al llegar al viejo Aeropuerto Internacional Kai Tak, Steinhauer notó una estructura muy grande contenida en una jaula de bambú y arropada por material amarillo. Se sintió impresionado por esta estructura monumental que resaltaba bajo un dosel de nubes mientras brillaba contra la silueta urbana monocromática. Así comenzó la fascinación de Steinhauer con estas estructuras multicolor.

Aunque antes se practicaba en toda Asia, Hong Kong es el último baluarte de los constructores de andamios de bambú. El título Cocoon (Capullo) fue una elección natural para esta obra. El marco: una metamorfosis, como la que transforma a las orugas en mariposas. El material coloreado descubierto ceremoniosamente revela una cara completamente nueva, como un capullo que se revela a sí mismo por primera vez.

 

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steinhauerPeter Steinhauer (EE.UU., 1966). Artista fotográfico que ha vivido y trabajado en Asia desde 1993. Su fotografía se enfoca en la arquitectura dentro del paisaje urbano, el paisaje natural, los rostros asiáticos y las estructuras artificiales. Ha recibido numerosos premios internacionales de fotografía, incluidos el de finalista de los premios Lucie 2014, la beca de la Fundación Ford para su trabajo de varios años en Vietnam, el premio de arquitectura Black and White Spider, los premios IPA y PX3 de París, entre otros. También es miembro del exclusivo Explorers Club de Nueva York.

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Aunque antes se practicaba en toda Asia, Hong Kong es el último baluarte de los constructores de andamios de bambú. El título Cocoon (Capullo) fue una elección natural para esta obra. El marco: una metamorfosis, como la que transforma a las orugas en mariposas. El material coloreado descubierto ceremoniosamente revela una cara completamente nueva, como un capullo que se revela a sí mismo por primera vez.

 

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La máquina de flujo

Kevin Weir

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Flux Machine (La máquina de flujo) es una propuesta de Kevin Weir que gira sobre dos líneas íntimamente ligadas al tema de la temporalidad: al usar el recurso del GIF animado dota a imágenes estáticas de movimiento perpetuo y cíclico, y al integrar elementos narrativos en fotografías de archivo reinterpreta su significado. Las microficciones resultantes ofrecen lecturas a diferentes niveles que cuestionan nuestra interpretación habitual del material de archivo y nos conducen por numerosas encrucijadas entre el instante histórico y la acción imaginada.

Kevin WeirKevin Weir (EE.UU.) Creció en los bosques del norte del estado de Nueva York, a las afueras de Binghamton. Hizo su licenciatura en Penn State. Estudió en el extranjero en Australia. Obtuvo una maestría en la VCU Brandcenter y, ahora, trabaja como director de arte en Droga5 en Nueva York. Es conocido internacionalmente por su proyecto de animación Flux Machine, para lo cual utiliza la Colección Bain en la Biblioteca del Congreso.
 
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Las personas seleccionadas

Pelle Cass

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Este trabajo tanto ordena el mundo como exagera su caos. Con la cámara en un trípode, tomo muchas fotos, dejo las mejores y omito las otras. Las fotografías son compuestas, pero no han sido cambiadas, sólo seleccionadas. Mi trabajo se trata de la extrañeza del tiempo, de cómo ve la gente y del mundo sorprendente que sólo es visible con una cámara. Quiero capturar más vida, más personas, más tiempo y más verdad en mis fotografías. La fotografía, con su capacidad para grabar todo delante de la lente, es sólo un comienzo de este proceso. Las personas seleccionadas está inspirado en la fotografía de vigilancia, en los retratos de metro con cámara oculta de Walker Evans y en la serie Head de P.L. di Corcia; trabajos en donde la cámara espera que los sujetos salgan a la luz. Mi trabajo también observa la vida de la ciudad desde una posición fija, con la diferencia de que cada una de mis imágenes capta alrededor de una hora y es un compuesto de cientos de exposiciones. Para ello, pongo la cámara en un trípode y tomo cientos de fotos mientras la gente pasa. De vuelta en el estudio, elijo qué dejar y no hago otras alteraciones. El proceso refleja la forma en que la mente centra la atención en una cosa pero no en otra. Una persona que piensa acerca de la fotografía, por ejemplo, tiende notar a la gente con cámaras, más que a la que no las tiene. Este tipo de selección me permite tomar hechos objetivos –los rostros y cuerpos de las personas en la calle– y hacer algo nuevo y más subjetivo con ellos, al simplemente ordenarlos. Por encima de todo, quiero mostrar un mundo sorprendente, que sólo es visible con una cámara.

 

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Pelle CassPelle Cass (Brookline, MA). Ha presentado exposiciones individuales en el Houston Center for Photography; Galería Kayafas, Boston; Stux Gallery, Boston; Frank Marino Gallery, NYC; el Griffin Museum of Photography; y la sala de impresión del Fogg Art Museum’s. Su obra se encuentra en las colecciones del Fogg Art Museum, el Addison Gallery of American Art, el Polaroid Collection, el DeCordova Museum, el Danforth Museum of Art, el Peabody Essex Museum, el Museum of Fine Arts, Houston, y la Lehigh University Art Galleries, entre otros. Ha obtenido: Top 50, Critical Mass, Photolucida, Portland, OR, en 2008 y 2009, fue galardonado con becas por parte de la Corporation of Yaddo en 2010 y 2012, y ganó el Artist’s Resource Trust Award (Berkshire Taconic Foundation) en 2012. Vive en Brookline, Massachusetts.
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01

Este trabajo tanto ordena el mundo como exagera su caos. Con la cámara en un trípode, tomo muchas fotos, dejo las mejores y omito las otras. Las fotografías son compuestas, pero no han sido cambiadas, sólo seleccionadas. Mi trabajo se trata de la extrañeza del tiempo, de cómo ve la gente y del mundo sorprendente que sólo es visible con una cámara. Quiero capturar más vida, más personas, más tiempo y más verdad en mis fotografías. La fotografía, con su capacidad para grabar todo delante de la lente, es sólo un comienzo de este proceso. Las personas seleccionadas está inspirado en la fotografía de vigilancia, en los retratos de metro con cámara oculta de Walker Evans y en la serie Head de P.L. di Corcia; trabajos en donde la cámara espera que los sujetos salgan a la luz. Mi trabajo también observa la vida de la ciudad desde una posición fija, con la diferencia de que cada una de mis imágenes capta alrededor de una hora y es un compuesto de cientos de exposiciones. Para ello, pongo la cámara en un trípode y tomo cientos de fotos mientras la gente pasa. De vuelta en el estudio, elijo qué dejar y no hago otras alteraciones. El proceso refleja la forma en que la mente centra la atención en una cosa pero no en otra. Una persona que piensa acerca de la fotografía, por ejemplo, tiende notar a la gente con cámaras, más que a la que no las tiene. Este tipo de selección me permite tomar hechos objetivos –los rostros y cuerpos de las personas en la calle– y hacer algo nuevo y más subjetivo con ellos, al simplemente ordenarlos. Por encima de todo, quiero mostrar un mundo sorprendente, que sólo es visible con una cámara.

 

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Pelle CassPelle Cass (Brookline, MA). Ha presentado exposiciones individuales en el Houston Center for Photography; Galería Kayafas, Boston; Stux Gallery, Boston; Frank Marino Gallery, NYC; el Griffin Museum of Photography; y la sala de impresión del Fogg Art Museum’s. Su obra se encuentra en las colecciones del Fogg Art Museum, el Addison Gallery of American Art, el Polaroid Collection, el DeCordova Museum, el Danforth Museum of Art, el Peabody Essex Museum, el Museum of Fine Arts, Houston, y la Lehigh University Art Galleries, entre otros. Ha obtenido: Top 50, Critical Mass, Photolucida, Portland, OR, en 2008 y 2009, fue galardonado con becas por parte de la Corporation of Yaddo en 2010 y 2012, y ganó el Artist’s Resource Trust Award (Berkshire Taconic Foundation) en 2012. Vive en Brookline, Massachusetts.
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Tiempos encontrados

Eduardo Muñoz

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A través de un viaje por su memoria, sus pertenencias, sus recuerdos, Eduardo Muñoz Ordoqui construye mundos y escenarios ubicados en espacio-tiempos indefinidos. Concentrado en la fusión de ubicaciones y ocasiones, compone, en sus series Marea Baja, Mundos portátiles y Sin Reposo, fotografías que involucran tanto imágenes proyectadas, como objetos y reflejos de los mismos. Superpone lo tangible y lo material para crear el viaje visual que evocan los sentimientos de desplazamiento, migración e incertidumbre. Las imágenes narran la búsqueda de sentido entre los lugares y los recuerdos.

Eduardo MuñozEduardo Muñoz Ordoqui (Cuba, 1964). Fotógrafo y Licenciado de Bellas Artes en Historia del Arte por la Universidad de La Habana en 1990, con una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Texas en 2005. Ha sido profesor de la fotografía desde hace más de nueve años en St. Edward’s University en Austin, Texas, donde actualmente es Asociado de la Facultad en el Departamento de Estudios Visuales. Su fotográfia ha sido expuesta en muestras individuales y colectivas alrededor de Europa, América Latina, China y Estados Unidos. Recibió un John Simon Guggenheim Memorial Fellowship Foundation en 1997, Cintas Foundation Fellowship en 1998 y en 2007 fue elegido para el programa Artpace Internacional de Artistas en Residencia de San Antonio, Texas, EE.UU. Sus fotografías se mantienen en colecciones privadas e institucionales en América y Europa.
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Eduardo MuñozEduardo Muñoz Ordoqui (Cuba, 1964). Fotógrafo y Licenciado de Bellas Artes en Historia del Arte por la Universidad de La Habana en 1990, con una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Texas en 2005. Ha sido profesor de la fotografía desde hace más de nueve años en St. Edward’s University en Austin, Texas, donde actualmente es Asociado de la Facultad en el Departamento de Estudios Visuales. Su fotográfia ha sido expuesta en muestras individuales y colectivas alrededor de Europa, América Latina, China y Estados Unidos. Recibió un John Simon Guggenheim Memorial Fellowship Foundation en 1997, Cintas Foundation Fellowship en 1998 y en 2007 fue elegido para el programa Artpace Internacional de Artistas en Residencia de San Antonio, Texas, EE.UU. Sus fotografías se mantienen en colecciones privadas e institucionales en América y Europa.
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Nuevas especies

Kent Krugh

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Esta obra - usando rayos X de acelerador lineal de cámaras - explora la micro-evolución de las cámaras con el tiempo. Si bien la forma y los materiales pueden haber cambiado, la cámara sigue siendo una cámara: una herramienta para crear imágenes mediante la captura de fotones de luz. En cierto sentido, es un homenaje a las cámaras que he usado y manejado. Un acelerador lineal produce partículas de alta energía y rayos X, y se utiliza en la física y en el sistema de salud para el tratamiento de pacientes con cáncer. Las imágenes resultantes se alinean con un deseo interno por investigar esos espacios y areas invisibles que siento que existen, pero que no observo con mis ojos.

 



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KrughKent Krugh es un fotógrafo, que vive y trabaja en Greater Cincinnati, Ohio. Hace diez años, decidió de dedicarse a la fotografía. Impartió talleres en colaboración con la Colegiatura Colombiana del Diseño, la Fundación Universitaria de Bellas Artes y el Centro Colombo Americano, bajo el auspicio de la Universidad de Antioquia. Su trabajo ha sido expuesto en tres grandes festivales: Fringe Festival 2010, Cincinnati, Ohio; FotoFest Biennial 2012, Houston, Texas; y FotoFocus Biennial 2012, Cincinnati, Ohio. Ha recibido varios premios en competencias nacionales y internacionales, en 2012 y 2014 fue uno de los finalistas de Critical Mass, organizado por Photolucida. El trabajo de Krugh se puede encontrar en numerosas colecciones privadas y museos, como el Museo de Arte de Portland y el Museo de Arte de Cleveland.

 

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Sopa de buena suerte

Matthew Hashiguchi

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Sopa de Buena Suerte

Es un proyecto de narración transmedia, que documenta y comparte las historias de la experiencia de los nipo-estadounidenses y los nipo-canadienses después de salir de los campos de concentración. El proyecto consiste en un documental titulado Good Luck Soup y en un sitio web participativo e interactivo, Good Luck Soup Interactive. En este sitio se contarán historias a través de textos y fotografías de las víctimas de los campos o de sus familias.

La gente no es del todo mala

En este cortometraje documental, Yutaka Kobayashi, de 88 años de edad, comparte sus dificultades como nipo-estadounidense antes y en los días previos a los campos de concentración de los nipo-estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial. Sorprendentemente, fue durante este período oscuro que experimentó la compasión y la bondad de donde menos lo esperaba, un guardia de una torre de ametralladora del campo de internamiento Topaz.

ZZ. ¿Cuál ha sido la reacción del público a su invitación a participar en el proyecto de narración transmedia?

MH. Hemos tenido una respuesta consistentemente positiva de la comunidad nipo-estadounidense y -canadiense. Inicialmente, creo que muchos han estado nerviosos por compartir sus propias historias y experiencias, pero una vez que nos sentamos con ellos y hablamos de su vida, tienden a abrirse. Ha sido una forma de catarsis, creo, porque muchas personas nunca han discutido sus problemas o experiencias por ser nipo-estadounidense y -canadiense…y algunas de estas cosas, que han sido reprimidas, son temas o reflexiones muy difíciles. Así que, es una experiencia muy emocional compartir estos pensamientos y sentimientos. Todavía no las hemos abierto al público en general, pero de nuevo, todos han sido siempre positivos, y no tengo ninguna razón para pensar que la reacción será diferente una vez que las historias están disponibles a todos los nipo-estadounidenses y nipo-canadienses.

ZZ. ¿Qué medios de publicidad estás utilizando o planeas utilizar para la difusión del proyecto? 

MH. Las redes sociales serán una enorme herramienta para la publicidad y el marketing. Ya hemos llegado y hemos conocido a tanta gente a través de Twitter y Facebook, y sin duda vamos a seguir utilizando esta forma de promoción. Hemos estado en comunicación con muchas organizaciones asiáticos-americanos y asiáticos-canadienses que han ofrecido su apoyo una vez que el proyecto esté terminado, y la oportunidad de colaborar con organizaciones como el Japanese American Citizens League, el Japanese American National Museum y el Nikkei National Museum sería impagable. Sin duda, estamos inspirados por su misión y consideramos nuestro proyecto como una continuación de lo que ellos ofrecen al público.

Además del documental interactivo, este proyecto también incluye un largometraje. Los festivales de cine serán otra gran oportunidad para proyectar el largometraje y presentar el proyecto interactivo a un público.

ZZ. ¿Puedes compartir con nosotros cómo has experimentado la realización, difusión y el alcance del proyecto hasta la fecha?

MH. Ha sido un proceso muy gradual y de colaboración, y por suerte tengo un increíble equipo de colegas y amigos que han hecho posible la realización de este proyecto; y, sin su ayuda, no habría sido capaz de realizarlo. La carga de trabajo se divide bastante bien. En este momento, nuestro diseñador web/programador (Russell Goldenberg) está construyendo el sitio. Él es el que está solo escribiendo en la computadora. Cada tantas semanas, todos tenemos una reunión donde se discute la dirección del proyecto y después Russell va y lo ejecuta. Billy Wirasnik, Emily Ferrier y yo hemos estado a cargo de la colección de contenidos. Así que estamos acotando el objetivo de las historias y en muchos casos, salimos y encontramos esas historias y las personas. Es una colaboración sólida, compuesta de diversas visiones creativas, más que de una. Y, como el creador del proyecto, me gusta mucho un enfoque de “dejar hacer”/no intervencionista, que permite a los individuos inventar una idea y hacerla suya. 
 

Matthew HashiguchiMatthew Hashiguchi (1984). Radicado en Boston, Massachusetts. Después de graduarse de la Universidad de Ohio en 2007 con una licenciatura en fotoperiodismo, empezó a trabajar como periodista de multimedia y como pasante de los periódicos The Findlay Courier, The Lima News y The Washington Post. En 2008, regresó a estudiar y se graduó de Emerson College con una maestría en artes y medios visuales, y desde entonces ha trabajado como director de documentales y maestro. Su trabajo se centra en las historias culturales, sociales y étnicas de la sociedad estadounidense. Recibió varios premios por su película The Lower 9.
 
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La gente no es del todo mala

En este cortometraje documental, Yutaka Kobayashi, de 88 años de edad, comparte sus dificultades como nipo-estadounidense antes y en los días previos a los campos de concentración de los nipo-estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial. Sorprendentemente, fue durante este período oscuro que experimentó la compasión y la bondad de donde menos lo esperaba, un guardia de una torre de ametralladora del campo de internamiento Topaz.

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MH. Hemos tenido una respuesta consistentemente positiva de la comunidad nipo-estadounidense y -canadiense. Inicialmente, creo que muchos han estado nerviosos por compartir sus propias historias y experiencias, pero una vez que nos sentamos con ellos y hablamos de su vida, tienden a abrirse. Ha sido una forma de catarsis, creo, porque muchas personas nunca han discutido sus problemas o experiencias por ser nipo-estadounidense y -canadiense…y algunas de estas cosas, que han sido reprimidas, son temas o reflexiones muy difíciles. Así que, es una experiencia muy emocional compartir estos pensamientos y sentimientos. Todavía no las hemos abierto al público en general, pero de nuevo, todos han sido siempre positivos, y no tengo ninguna razón para pensar que la reacción será diferente una vez que las historias están disponibles a todos los nipo-estadounidenses y nipo-canadienses.

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Además del documental interactivo, este proyecto también incluye un largometraje. Los festivales de cine serán otra gran oportunidad para proyectar el largometraje y presentar el proyecto interactivo a un público.

ZZ. ¿Puedes compartir con nosotros cómo has experimentado la realización, difusión y el alcance del proyecto hasta la fecha?

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Matthew HashiguchiMatthew Hashiguchi (1984). Radicado en Boston, Massachusetts. Después de graduarse de la Universidad de Ohio en 2007 con una licenciatura en fotoperiodismo, empezó a trabajar como periodista de multimedia y como pasante de los periódicos The Findlay Courier, The Lima News y The Washington Post. En 2008, regresó a estudiar y se graduó de Emerson College con una maestría en artes y medios visuales, y desde entonces ha trabajado como director de documentales y maestro. Su trabajo se centra en las historias culturales, sociales y étnicas de la sociedad estadounidense. Recibió varios premios por su película The Lower 9.
 
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Historias de una toma

Josef Wladyka

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Mi mamá salió de Japón hace más de treinta años y no regresó hasta el noviembre del 2010. Esta es su historia.

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Cinematografía: Stan Wladyka.
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Okaasan お母さん


Empezando como artista infantil en Odessa, Rusia, Albert Makhtsier ha estado actuando durante más de medio siglo. A pesar de haber sido diagnosticado con la enfermedad de Parkinson, Albert sigue siendo uno de los mejores actores de Nueva York. Esta es su historia.

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Albert Makhtsier


Curai es un pueblo pequeño y unido de pescadores en la costa del Pacífico del Sur de Colombia. Es un lugar en donde casi todos comparten el mismo apellido. Jacobo es el líder de la comunidad y ésta es una de sus historias.

Ubicación: Curai, Colombia.
Cinematografía: Leonardo D'Antoni.
Música: Tyler Cash.


Jacobo Castillo Salazar

Esto es una colección de historias personales contadas en una sola toma. Cada historia es una exploración de la esencia universal de la condición humana y de nuestras conexiones el uno con el otro, que se extienden más allá de las fronteras.

WladykaJosef Wladyka. Vive en Nueva York. Influenciado por sus papas, Josef desarrolló una fascinación por las películas desde muy joven. En la preparatoria empezó a experimentar con la cinematografía y desde entonces ha creado varias películas cortas y comerciales que han sido proyectados en festivales en todo el mundo. Tiene un MFA de NYU Tisch Graduate Film, donde ganó el Spike Lee Fellowship. Su largometraje de debut, Manos Sucias (2014), ha ganado varios premios.

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20

Mi mamá salió de Japón hace más de treinta años y no regresó hasta el noviembre del 2010. Esta es su historia.

Ubicación: Tokio, Japón.
Cinematografía: Stan Wladyka.
Música: Tyler Parkinson.


Okaasan お母さん


Empezando como artista infantil en Odessa, Rusia, Albert Makhtsier ha estado actuando durante más de medio siglo. A pesar de haber sido diagnosticado con la enfermedad de Parkinson, Albert sigue siendo uno de los mejores actores de Nueva York. Esta es su historia.

Ubicación: Times Square, Nueva York.
Cinematografía: Alan Blanco.
Música: Tyler Cash.


Albert Makhtsier


Curai es un pueblo pequeño y unido de pescadores en la costa del Pacífico del Sur de Colombia. Es un lugar en donde casi todos comparten el mismo apellido. Jacobo es el líder de la comunidad y ésta es una de sus historias.

Ubicación: Curai, Colombia.
Cinematografía: Leonardo D'Antoni.
Música: Tyler Cash.


Jacobo Castillo Salazar

Esto es una colección de historias personales contadas en una sola toma. Cada historia es una exploración de la esencia universal de la condición humana y de nuestras conexiones el uno con el otro, que se extienden más allá de las fronteras.

WladykaJosef Wladyka. Vive en Nueva York. Influenciado por sus papas, Josef desarrolló una fascinación por las películas desde muy joven. En la preparatoria empezó a experimentar con la cinematografía y desde entonces ha creado varias películas cortas y comerciales que han sido proyectados en festivales en todo el mundo. Tiene un MFA de NYU Tisch Graduate Film, donde ganó el Spike Lee Fellowship. Su largometraje de debut, Manos Sucias (2014), ha ganado varios premios.

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Una chica y su habitación

Rania Matar

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01


Una Chica y su Habitación


A Girl and Her Room (Una Chica y su Habitación) es un proyecto que se inspiró en mi hija mayor, por aquel entonces, de 15 años, quien ya había dejado atrás esa época de desenfado sin preocupaciones.  Se estaba convirtiendo en una joven mujer ante mis propios ojos.  Después de fotografiarla con sus amigas, caí en cuenta de que quería capturar la imagen de cada una de ellas sola y en su propio contexto: su habitación.  La habitación era una metáfora, una extensión de cada chica, pero la chica también parecía ser parte de ésta, parecía encajar como el resto de las cosas en el espacio material y emocional creado por ella misma.


Mientras que al principio me había centrado en chicas adolescentes estadounidenses, a la larga el proyecto creció con objeto de poder incluir a chicas del otro mundo que yo había conocido en mi juventud: El Medio Oriente. Fue así que este proyecto se convirtió en algo personal para mí. La belleza, sueños, vulnerabilidad y fortaleza de estas jóvenes mujeres, independientemente del lugar, de su contexto y religión, eran maravillosamente universales y profundamente conmovedores.


Mi convivencia con esas jóvenes mujeres en lo más íntimo de su mundo me dio una perspectiva única de sus vidas y de su fuero interno. Ellas estaban conscientes de que yo no emitía juicios sobre ellas y de ahí que se involucraran de forma activa en el proyecto. Su abertura y la generosidad que mostraron al permitirme convivir con ellas fue una distinción no sólo hacia mi persona, sino también hacia todos aquellos que podrán disfrutar de este trabajo.

 



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Rania MatarRania Matar (Líbano, 1964). Originalmente formada como arquitecta en la American University de Beirut y en la Cornell University, estudió fotografía en la New England School of Photography y la Maine Photographic Workshops. Su trabajo se centra en niñas y mujeres. Registra su vida a través de las vidas de aquellos a su alrededor, fijándose en lo personal y lo mundano, en un intento de retratar lo universal dentro de lo personal. Matar ha ganado varios premios, ha sido destacada en numerosas publicaciones, y su obra ha sido expuesta extensamente en los EE.UU. e internacionalmente. Visita su sitio web: raniamatar.com
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01


Una Chica y su Habitación


A Girl and Her Room (Una Chica y su Habitación) es un proyecto que se inspiró en mi hija mayor, por aquel entonces, de 15 años, quien ya había dejado atrás esa época de desenfado sin preocupaciones.  Se estaba convirtiendo en una joven mujer ante mis propios ojos.  Después de fotografiarla con sus amigas, caí en cuenta de que quería capturar la imagen de cada una de ellas sola y en su propio contexto: su habitación.  La habitación era una metáfora, una extensión de cada chica, pero la chica también parecía ser parte de ésta, parecía encajar como el resto de las cosas en el espacio material y emocional creado por ella misma.


Mientras que al principio me había centrado en chicas adolescentes estadounidenses, a la larga el proyecto creció con objeto de poder incluir a chicas del otro mundo que yo había conocido en mi juventud: El Medio Oriente. Fue así que este proyecto se convirtió en algo personal para mí. La belleza, sueños, vulnerabilidad y fortaleza de estas jóvenes mujeres, independientemente del lugar, de su contexto y religión, eran maravillosamente universales y profundamente conmovedores.


Mi convivencia con esas jóvenes mujeres en lo más íntimo de su mundo me dio una perspectiva única de sus vidas y de su fuero interno. Ellas estaban conscientes de que yo no emitía juicios sobre ellas y de ahí que se involucraran de forma activa en el proyecto. Su abertura y la generosidad que mostraron al permitirme convivir con ellas fue una distinción no sólo hacia mi persona, sino también hacia todos aquellos que podrán disfrutar de este trabajo.

 



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Rania MatarRania Matar (Líbano, 1964). Originalmente formada como arquitecta en la American University de Beirut y en la Cornell University, estudió fotografía en la New England School of Photography y la Maine Photographic Workshops. Su trabajo se centra en niñas y mujeres. Registra su vida a través de las vidas de aquellos a su alrededor, fijándose en lo personal y lo mundano, en un intento de retratar lo universal dentro de lo personal. Matar ha ganado varios premios, ha sido destacada en numerosas publicaciones, y su obra ha sido expuesta extensamente en los EE.UU. e internacionalmente. Visita su sitio web: raniamatar.com
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Diario

Noah Kalina

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Noah Kalina se ha tomado una foto cada día desde enero del 2000. Originalmente el proyecto estaba destinado a ser exclusivamente un trabajo fotográfico, pero, en el 2006, un video de lapso de tiempo de YouTube, producido por Ahree Lee, una diseñadora gráfica de California, lo inspiró a hacer lo mismo con sus autorretratos. Tres semanas después, este video se había vuelto en una sensación international de internet.

Noah KalinaNoah Kalina (E.E.U.U., 1980) es un fotógrafo que radica en Brooklyn y Lumberland, Nueva York. Se graduó de la Escuela de Artes Visuales con una licenciatura en fotografía. Su proyecto ‘Everyday’ fue un éxito internacional. Su trabajo ha sido expuesto en los E.E.U.U., Suiza, Italia, Bélgica, Francia, Australia, Inglaterra, Canada, Alemania y Holanda. También ha dado seminarios en varios países. Su trabajo se puede consultar en: noahkalina.com

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Noah Kalina se ha tomado una foto cada día desde enero del 2000. Originalmente el proyecto estaba destinado a ser exclusivamente un trabajo fotográfico, pero, en el 2006, un video de lapso de tiempo de YouTube, producido por Ahree Lee, una diseñadora gráfica de California, lo inspiró a hacer lo mismo con sus autorretratos. Tres semanas después, este video se había vuelto en una sensación international de internet.

Noah KalinaNoah Kalina (E.E.U.U., 1980) es un fotógrafo que radica en Brooklyn y Lumberland, Nueva York. Se graduó de la Escuela de Artes Visuales con una licenciatura en fotografía. Su proyecto ‘Everyday’ fue un éxito internacional. Su trabajo ha sido expuesto en los E.E.U.U., Suiza, Italia, Bélgica, Francia, Australia, Inglaterra, Canada, Alemania y Holanda. También ha dado seminarios en varios países. Su trabajo se puede consultar en: noahkalina.com

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Próximamente

Natan Dvir

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01



Próximamente

En los últimos años, una red caleidoscópica de espectaculares publicitarios ha envuelto las áreas comerciales de Nueva York. El mercado comercial (branding) del paisaje urbano se ha vuelto tan ubicuo, que la colorida y monumental publicidad que domina las estrechas calles parece pasar prácticamente desapercibida para el transeúnte. Espectaculares gigantes tienen el efecto de dominar el paisaje urbano y perderse en el fondo simultáneamente. Siempre en un punto periférico, estos comerciales transforman a la gente que se mueve por los espacios en espectadores pasivos. El alcance es democrático y obligatorio —la publicidad al aire libre no se puede apagar y es capaz de llegar a un público diverso, cuyos movimientos por la ciudad coinciden momentáneamente.

La eficacia de los espectaculares al aire libre se yuxtapone con su impermanencia; la mayoría son sustituidos después unas semanas. Su carácter efímero, su tamaño masivo y sus colores saturados de la publicidad crean una fluida experiencia cinematográfica para el espectador. La gente que habita en los espacios bajo ellos son jalados, sin saberlo, hacia un escenario artificial donde la realidad de la calle se mezcla con la fantasia comercial de los anuncios. Próximamente (Coming Soon) es una exploración de nuestra relación visual con el mercado comercial de los centros urbanos y del ambiente comercial en el que vivimos.
 

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Natan DvirNatan Dvir (Nahariya, 1972). Vive en Nueva York y trabaja en todo el mundo. Recibió una maestría en Administración de Empresas de la Universidad de Tel Aviv y una maestría en Fotografía de la Escuela de Artes Visuales, NY, tras lo cual se convirtió en un miembro de la facultad del Centro Internacional de Fotografía (ICP). Como fotógrafo él enfoca en los aspectos humanos de asuntos políticos, sociales y culturales. Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo en exhibiciones individuales y grupales y ha sido publicado en las principales revistas internationales.

 

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01



Próximamente

En los últimos años, una red caleidoscópica de espectaculares publicitarios ha envuelto las áreas comerciales de Nueva York. El mercado comercial (branding) del paisaje urbano se ha vuelto tan ubicuo, que la colorida y monumental publicidad que domina las estrechas calles parece pasar prácticamente desapercibida para el transeúnte. Espectaculares gigantes tienen el efecto de dominar el paisaje urbano y perderse en el fondo simultáneamente. Siempre en un punto periférico, estos comerciales transforman a la gente que se mueve por los espacios en espectadores pasivos. El alcance es democrático y obligatorio —la publicidad al aire libre no se puede apagar y es capaz de llegar a un público diverso, cuyos movimientos por la ciudad coinciden momentáneamente.

La eficacia de los espectaculares al aire libre se yuxtapone con su impermanencia; la mayoría son sustituidos después unas semanas. Su carácter efímero, su tamaño masivo y sus colores saturados de la publicidad crean una fluida experiencia cinematográfica para el espectador. La gente que habita en los espacios bajo ellos son jalados, sin saberlo, hacia un escenario artificial donde la realidad de la calle se mezcla con la fantasia comercial de los anuncios. Próximamente (Coming Soon) es una exploración de nuestra relación visual con el mercado comercial de los centros urbanos y del ambiente comercial en el que vivimos.
 

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Natan DvirNatan Dvir (Nahariya, 1972). Vive en Nueva York y trabaja en todo el mundo. Recibió una maestría en Administración de Empresas de la Universidad de Tel Aviv y una maestría en Fotografía de la Escuela de Artes Visuales, NY, tras lo cual se convirtió en un miembro de la facultad del Centro Internacional de Fotografía (ICP). Como fotógrafo él enfoca en los aspectos humanos de asuntos políticos, sociales y culturales. Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo en exhibiciones individuales y grupales y ha sido publicado en las principales revistas internationales.

 

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Enigma

Claire Gilliam

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01



En 2012, salí de detrás de la cámara y, en la oscuridad, coloqué mi cuerpo sobre papel fotográfico. En unos breves segundos de iluminación, dejé mi marca. Como por arte de magia, a través de una alquimia de plata y luz, ahí estaba la evidencia de mi presencia, el testimonio de mi ser físico en un tiempo y espacio en particular. Esta fascinación por el cuerpo físico, sus sensaciones, su plenitud y las huellas que dejamos atrás, se deriva de mi propia experiencia de haber pasado toda mi vida en un cuerpo discapacitado, aprendiendo a vivir con mi propio conjunto de limitaciones y peculiaridades, mis propias verdades y fantasías.

Me inspiré para hacer mis grandes fotogramas después de descubrir pequeños fotogramas de mis manos y pies que había tomado hace muchos años (1996-1997), durante mi licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Sheffield Hallam, Inglaterra. Estos habían sido realizados como parte de una pieza de instalación más grande, en la que había recreado los espacios del hospital que pasé visitando durante mucho tiempo cuando era niño. Los suelos de linóleo, los pasillos largos y las paredes desnudas que construí tenían las huellas de mí mismo en la forma de estos fotogramas trazados con luz líquida.

Cada fotograma es una impresión única, hecha en gelatina de plata sobre papel semi-mate y entonada al oro. Hago las piezas en un solo paso, mediante la colocación de las hojas de papel fotográfico en el piso de mi estudio a oscuras, y poniendo papel vitela con mis pensamientos y palabras, en relación con la experiencia del cuerpo escrito sobre ellos, algunos muy personales otros más generales, en la parte superior. Uso una luz estroboscópica como fuente de luz mientras me muevo a través del papel para registrar mi presencia y luego desarrollarla en el cuarto oscuro. Las imágenes resultantes son piezas únicas que luego entono al oro.

Aunque estas imágenes son únicas, al mismo tiempo contienen un sentimiento que es universal. Los fotogramas reflejan una experiencia que comparto con todos: la experiencia extraña, desconcertante y transitoria del cuerpo humano en cada uno de los espacios que ocupamos.

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Dina LitovskyClaire Gilliam (Inglaterra, 1975). Vive y trabaja en Estados Unidos desde 1999. Graduada en la Universidad Sheffield Hallam, Reino Unido. BA (Hons) en Bellas Artes. Realizó también el Certificado Profesional de Fotografía en Rockport College, Maine. Ha participado en el Independent Project Seminar en el ICP de Nueva York. Su obra se ha expuesto en Europa y EE.UU. Su obra se encuentra en varias colecciones públicas y privadas, incluyendo la colección del ICP Library Print. Su trabajo se puede consultar en: clairegilliam.com
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01



En 2012, salí de detrás de la cámara y, en la oscuridad, coloqué mi cuerpo sobre papel fotográfico. En unos breves segundos de iluminación, dejé mi marca. Como por arte de magia, a través de una alquimia de plata y luz, ahí estaba la evidencia de mi presencia, el testimonio de mi ser físico en un tiempo y espacio en particular. Esta fascinación por el cuerpo físico, sus sensaciones, su plenitud y las huellas que dejamos atrás, se deriva de mi propia experiencia de haber pasado toda mi vida en un cuerpo discapacitado, aprendiendo a vivir con mi propio conjunto de limitaciones y peculiaridades, mis propias verdades y fantasías.

Me inspiré para hacer mis grandes fotogramas después de descubrir pequeños fotogramas de mis manos y pies que había tomado hace muchos años (1996-1997), durante mi licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Sheffield Hallam, Inglaterra. Estos habían sido realizados como parte de una pieza de instalación más grande, en la que había recreado los espacios del hospital que pasé visitando durante mucho tiempo cuando era niño. Los suelos de linóleo, los pasillos largos y las paredes desnudas que construí tenían las huellas de mí mismo en la forma de estos fotogramas trazados con luz líquida.

Cada fotograma es una impresión única, hecha en gelatina de plata sobre papel semi-mate y entonada al oro. Hago las piezas en un solo paso, mediante la colocación de las hojas de papel fotográfico en el piso de mi estudio a oscuras, y poniendo papel vitela con mis pensamientos y palabras, en relación con la experiencia del cuerpo escrito sobre ellos, algunos muy personales otros más generales, en la parte superior. Uso una luz estroboscópica como fuente de luz mientras me muevo a través del papel para registrar mi presencia y luego desarrollarla en el cuarto oscuro. Las imágenes resultantes son piezas únicas que luego entono al oro.

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Dina LitovskyClaire Gilliam (Inglaterra, 1975). Vive y trabaja en Estados Unidos desde 1999. Graduada en la Universidad Sheffield Hallam, Reino Unido. BA (Hons) en Bellas Artes. Realizó también el Certificado Profesional de Fotografía en Rockport College, Maine. Ha participado en el Independent Project Seminar en el ICP de Nueva York. Su obra se ha expuesto en Europa y EE.UU. Su obra se encuentra en varias colecciones públicas y privadas, incluyendo la colección del ICP Library Print. Su trabajo se puede consultar en: clairegilliam.com
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Para romper con el "Mito del momento decisivo"

Eric Kim

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Eric Kim, "Debunking the “Myth of the Decisive Moment”"Eric Kim - Blog de Fotografía de calle, mayo 23, 2014

meyer cel
Hoja de contacto de Henri Cartier-Bresson en Sevilla, España, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

Cuando comencé con la fotografía de calle (street photography), creía en el "mito del momento decisivo". ¿A qué me refiero con eso?

Bien, cuando escuché por primera vez sobre "El momento decisivo" de Henri Cartier Bresson, supuse que él sólo tomaba una imagen en cada escena. Imaginaba a Henri Cartier Bresson de un lado a otro de la calle, apuntando con cuidado su Leica y haciendo una sola toma para crear piezas maestras. Pensé que era un semidiós –un fotógrafo que de algún modo poseía esta magia tras sus lentes.

Sin embargo, si miramos sus hojas de contacto, es una historia distinta. Él (y casi todos los grandes fotógrafos) nunca hacen una sola toma de una escena con potencial. Entre las hoja de contacto de Henri Cartier Bresson puedes ver que casi todas sus grandes imágenes le exigieron "trabajar la escena" –tomar múltiples fotos de la misma desde distintos ángulos, momentos y perspectivas. Se esforzó por conseguir las tomas que quería –e invertiría bastante tiempo con sus hojas de contacto para decidir cuáles fotos eran sus "mejores".

Detalle de las hojas de contacto de Sevilla, por Henri Cartier-Bresson:

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Un error que muchos fotógrafos de calle principiantes cometen es sólo tomar una foto por escena. Pienso que esto se debe a que también creen en el "mito del momento decisivo" y en parte porque temen ser descubiertos tomando fotos.

La importancia de estudiar las hojas de contacto

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Henri Cartier-Bresson revisa sus hojas de contacto en la oficina de Nueva York de Magnum. 1959. © Rene Burri / Magnum Photos

He escrito sobre las hojas de contacto en muchas ocasiones previas. Para quienes no están familiarizados con lo que es una hoja de contactos, en resumen es una hoja de papel donde están impresas todas las imágenes que un fotógrafo tomó con un rollo de película. Y con esta hoja, un fotógrafo puede revisar con lupa y editar sus imágenes favoritas. Esto se hacía en la época del cuarto obscuro, antes de que existieran opciones digitales.

Ahora tenemos "Lightroom" en el cual podemos identificar digitalmente todas nuestras fotos de una escena. En vez de tener que mirar a pequeñas miniaturas, podemos ver nuestras "casi" fotos a resolución completa.

Las hojas de contacto son las mejores herramientas de aprendizaje de un fotógrafo. Puedes aprender de las hojas de contacto de otros fotógrafos, y también de las propias.

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Henri Cartier-Bresson. Valencia, ESPAÑA, 1933. Observa las dos versiones de la foto que estaba considerando. Ésta era la mejor.

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Henri Cartier-Bresson. Valencia, ESPAÑA, 1933. Ésta no era tan fuerte como la anterior.

Analizar las hojas de contacto de los maestros que nos precedieron es lo más cerca que tenemos a leer su mente. Podemos ver como "trabajaban la escena" –y cómo tomaban fotos desde distintas perspectivas, decidían cuando apretar el obturador y cuántas fotos tomar. Algunos fotógrafos logran atrapar sus imágenes en sólo 5 o 6 tomas, mientras que otros se terminan un rollo completo de 36 imágenes en una escena.

Date cuenta que todos ellos hacían sus tomas en película, cuando cada imagen tenía un costo. Ahora que la mayoría tomamos fotos digitales, no hay excusa para no "trabajar la escena" y tomar muchas imágenes distintas de la misma escena.

Para aprender más sobre las hojas de contacto, puedes revisar mi artículo: “10 cosas que los fotógrafos de calle pueden aprender de las hojas de contacto de Magnum” and also pick up a copy of “Hojas de contacto de Magnum” en Amazon. Serán los 100 dólares mejor invertidos en tu educación fotográfica.

Cómo "trabajar la escena"

Y bien, hablamos de la importancia de "trabajar la escena" –y que tan importante es hacer muchas tomas de la misma escena (no sólo una). Pero, ¿qué significa "trabajar la escena"?

Algunos puntos a tomar en cuenta:

1. No tomes sólo una foto

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Hoja de contacto de Elliott Erwitt, “Bulldogs”, New York, 2000. © Elliott Erwitt / Magnum Photos

De nuevo, es muy tentador sólo tomar una foto cuando ves una buena escena. Cuando comencé con la fotografía de calle, me moría del miedo de ofender a las personas o que me "atraparan" fotografiando a desconocidos.

Sin embargo, date cuenta que para hacer una gran foto, necesitas trabajar la escena. Nunca sabrás cuando el "mejor" momento decisivo ocurrirá. En una escena, suceden muchos "momentos decisivos" con gran potencial. Sólo sabrás cuál es el mejor "momento decisivo" después, durante la etapa de edición.

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“Bulldogs”, New York, 2000. © Elliott Erwitt / Magnum Photos

Incluso Henri Cartier Bresson alguna vez dijo: “A veces debes ordeñar mucho a la vaca para obtener un poco de queso.”

2. No le hagas al chango

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Alain Capeilleres, 1976. © Martine Franck / Magnum Photos.

Otro consejo práctico para "trabajar la escena" mejor es no "hacerle al chango". ¿Qué significa esto? Se refiere a la práctica de revisar la pantalla LCD después de tomar una imagen. ¿Por qué le llaman "hacerle al chango"? Parece ser que los fotógrafos de película se burlaban de los digitales diciendo que parecían un montón de changos cuando se juntaban alrededor de sus pantallas LCD para mostrarse las imagenes que recién habían tomado.

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Foto de Martine Franck, región Provence-Alpes-Côte d’Azur. Pueblo de Le Brusc. Alberca diseñada por Alain Capeilleres, 1976. © Martine Franck / Magnum Photos

¿Pero por qué está mal "hacerle al chango"? He escrito un artículo de por qué los fotógrafos de calle no deberían hacerlo pero, para resumir, hacerle al chango rompe tu ritmo cuando estás tomando fotos en la calle. En vez de ver tu pantalla varias veces mientras trabajas la escena para revisar la exposición, encuadre y lo que capturaste, es mejor seguir tomando muchas fotos desde distintos ángulos y momentos y escoger las mejores después.

3. Toma tu tiempo

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Hoja de contacto de Richard Kalvar, “Piazza Della Rotonda”. Rome, Italy, 1980. © Richard Kalvar / Magnum Photos

“Tomar tu tiempo” es una de las cosas más complicadas de "trabajar la escena". Tomar tu tiempo es quedarte aún "cuando ya no eres bienvenido". Generalmente es una grosería tomar tu tiempo. Es como andar de vago –te quedas en un lugar más de lo que deberías y la gente empieza a mirarte.

Una de las preguntas más frecuentes que hacen en mis talleres es: "¿cuánto tiempo debería tomarme para "trabajar la escena" antes de saber que es momento de irme o ya hice la toma?"

Ese es el mayor problema. Nunca tenemos idea cuándo "hicimos la toma" o ya estuvimos "el tiempo suficiente".

En lo personal, mi filosofía es la de ser el visitante que se queda aún cuando ya no es bienvenido. ¿Alguna vez un amigo te ha pedido quedarse por una semana y terminó quedándose meses? Conviértete en ese tipo.

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“Piazza Della Rotonda”. Roma, Italia, 1980. © Richard Kalvar / Magnum Photos

La razón por la que predico el "quédate aún cuando ya no seas bienvenido" es por qué es mejor tomar tu tiempo durante un largo rato, pues muchas veces tu mejor toma será la última. Al mirar muchas hojas de contacto, en especial esta imagen de Richard Kalvar, puedes ver que su mejor imagen está al final (en el cuadro 37, por suerte). Si no se hubiera tomado su tiempo y trabajado la escena, nunca habría logrado esta imagen icónica.

Con mayor razón en la fotografía de calle, sólo verás una escena con gran potencial una vez en la vida. Podrás encontrar otras similares, pero nunca justo la misma con justo esas mismas personas, con ese fondo, esa luz y esa distribución.

Así que no vivas arrepentido, quédate más tiempo del que deberías y excédete en tomas de cada escena.

Una técnica que aprendí de mi amigo Charlie Kirk es que si ves una escena con mucho potencial, quédate por ahí y espera un poco más antes de empezar a tomar fotos. Por ejemplo, si ves a un tipo interesante fumando, quédate cerca y espera a que fume, luego lánzate a tomar unas cuantas fotos mientras inhala su cigarro.

Lingering is quite painful to do. It is awkward, makes you feel uncomfortable, and might make your subject feel uncomfortable.

Un modo de superar la incomodidad de tomarse tanto tiempo y "trabajar la escena" es hacer como que estoy tomando algo detrás de ellos y evitar el contacto visual.. Como fotografío con lente 35mm no tengo que apuntar mi cámara directo a mi sujeto para sacarlo en cuadro.

Otra técnica es sonreír e interactuar con mi sujeto mientras les tomo fotos. Por ejemplo, si veo una buena escena, puedo empezar por hacer unas tomas como casuales y entonces, si mi sujeto hace contacto visual, correspondo el contacto visual, sonrío, sigo tomando fotos e incluso comienzo a conversar (ey, te ves bien).

4. Mira los gestos

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Hoja de contacto del Che. © Rene Burri / Magnum Photos

Cuando estés "trabajando la escena" no sólo pongas tu cámara en ráfaga y comiences a tomar sin sentido. En vez de eso, ten muy claro cuándo decides apretar el obturador.

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Che Guevara. © Rene Burri / Magnum Photos

Por lo general, decido apretar el obturador cuando veo gesto con las manos. Pueden ser los de alguien cubriéndose el rostro, poniendo las manos a los lados o apuntando en alguna dirección.

Otro gran consejo es esperar el contacto visual. Haz la prueba de tomar fotos sin contacto visual y otras con contacto visual. Nunca sabes cuales fotos serán mejores, pero hay un dicho: "los ojos son las ventanas del alma" –que en el caso de la fotografía de calle puede hacerlas más íntimas y emotivas.

5. Mantén tus pies en movimiento

 

Si has visto a un boxeador, rara vez sus pies permanecen quietos. Lo más importante como boxeador es nunca poner tus talones sobre el piso. En el momento que te detienes, te vuelves un blanco fácil –y serás un objetivo listo para ser noqueado por su oponente.

Adopta esa misma mentalidad como fotógrafo de calle. Cuando trabajes la escena, no te quedes plantado en el piso. Mantén tus pies en movimiento. Toma fotos desde la izquierda, derecha, un paso al frente, un paso atrás. Agáchate. Intenta diversos ángulos y perspectivas.

6. Toma fotos horizontales y verticales

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Contac sheet, VJ Day. Photo by Alfred Eisenstaedt

También mientras trabajas la escena, intenta experimentar ambos formatos, horizontal y vertical. Al calor del momento, cuando encuentras una gran escena callejera, muchas veces es difícil decidir cuál es el mejor formato.

Si tienes tiempo, prueba ambos formatos, dependiendo del tipo de imagen que desees crear.

7. Ten calma y sé paciente

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Jean Gaumy, Iran, 1986.

Cuando trabajas una escena, recuerda mantener la calma y paciencia. En situaciones así, es común acelerarse y tratar de lograr "la toma". Sin embargo, ten calma y sé paciente mientras haces tomas –analiza cuando apretar el obturador, que tan cerca debes estar de tu sujeto para hacer un buen encuadre y mantén la atención en elementos del fondo que te puedan distraer.

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Jean Gaumy, Iran, 1986.

Cuando uno, como principiante, empieza a trabajar la escena, es común tener un golpe de adrenalina demasiado intenso para permanecer calmado y ser paciente. Pero ten en cuenta que con la práctica podrás mantenerte más calmado y ser más paciente –lo cual te ayudará a tomar decisiones más racionales mientras fotografías, y eso te ayudará al final a hacer mejores imágenes.

8. Pon atención en el fondo

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Hoja de contacto de Martin Parr para “The Last Resort

Cuando estamos fotografiando en las calles, es usual que pongamos demasiada atención en el sujeto y no suficiente en el fondo.

Mi consejo es que, una vez que tienes claro quién es tu sujeto principal (o sujetos), enfoques tu mirada sobre el fondo. Procura obtener un fondo limpio que no distraiga –y añada algo a la escena.

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The Last Resort, Foto por Martin Parr

Evita sacar cabezas, postes, árboles o carros en tus fondos de manera azarosa. Cuando trabajas la escena, camina hasta obtener un fondo más limpio. Los fondos descuidados son los peores enemigos de fotografías de calle con gran potencial.

Conclusión

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Hoja de contacto de Martin Parr, España, 1997.

Para incrementar tus oportunidades de obtener "buenas imágenes" de fotografía de calle, practica "trabajar la escena" y tomar más tiempo del necesario. No mantengas tus pies quietos, siempre muévete, pero al mismo tiempo sé paciente.

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Foto de Martin Parr del libro “Common Sense”. España, 1997

También debes saber que trabajar la escena más de lo necesario será raro e incómodo, pero con tiempo, paciencia, práctica y una sonrisa, superarás esto.

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INFORMACIÓN LEGAL: TODAS LAS FOTOGRAFÍAS SE PRESENTAN SIN INTENCIÓN DE LUCRO Y CON FINES DE CRÍTICA Y/O INVESTIGACIÓN CIENTÍFICA, LITERARIA Y/O ARTÍSTICA BAJO LO PREVISTO EN LA LEGISLACIÓN VIGENTE POR CONDUCTO DE LOS TRATADOS INTERNACIONALES EN MATERIA DE DERECHOS DE AUTOR.

kimEric Kim (USA). Vive y trabaja en Berkeley, C.A. Fotógrafo. Su principal interés es la fotografía de calle a la que dedica su labor artística y educativa. Sociólogo graduado en UCLA. Imparte talleres en distintas partes del mundo como Canadá, Holanda, Vietman, Japón, Australia y muchas otras. Colaborador de algunos proyectos de Leica y Samsung. Su trabajo ha sido expuesto en Los Ángeles y en las tiendas de Leica en Singapur, Seúl y Melbourne. Su trabajo se puede consultar en: erickimphotography.com
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Eric Kim, "Debunking the “Myth of the Decisive Moment”"Eric Kim - Blog de Fotografía de calle, mayo 23, 2014

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Hoja de contacto de Henri Cartier-Bresson en Sevilla, España, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

Cuando comencé con la fotografía de calle (street photography), creía en el "mito del momento decisivo". ¿A qué me refiero con eso?

Bien, cuando escuché por primera vez sobre "El momento decisivo" de Henri Cartier Bresson, supuse que él sólo tomaba una imagen en cada escena. Imaginaba a Henri Cartier Bresson de un lado a otro de la calle, apuntando con cuidado su Leica y haciendo una sola toma para crear piezas maestras. Pensé que era un semidiós –un fotógrafo que de algún modo poseía esta magia tras sus lentes.

Sin embargo, si miramos sus hojas de contacto, es una historia distinta. Él (y casi todos los grandes fotógrafos) nunca hacen una sola toma de una escena con potencial. Entre las hoja de contacto de Henri Cartier Bresson puedes ver que casi todas sus grandes imágenes le exigieron "trabajar la escena" –tomar múltiples fotos de la misma desde distintos ángulos, momentos y perspectivas. Se esforzó por conseguir las tomas que quería –e invertiría bastante tiempo con sus hojas de contacto para decidir cuáles fotos eran sus "mejores".

Detalle de las hojas de contacto de Sevilla, por Henri Cartier-Bresson:

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Un error que muchos fotógrafos de calle principiantes cometen es sólo tomar una foto por escena. Pienso que esto se debe a que también creen en el "mito del momento decisivo" y en parte porque temen ser descubiertos tomando fotos.

La importancia de estudiar las hojas de contacto

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Henri Cartier-Bresson revisa sus hojas de contacto en la oficina de Nueva York de Magnum. 1959. © Rene Burri / Magnum Photos

He escrito sobre las hojas de contacto en muchas ocasiones previas. Para quienes no están familiarizados con lo que es una hoja de contactos, en resumen es una hoja de papel donde están impresas todas las imágenes que un fotógrafo tomó con un rollo de película. Y con esta hoja, un fotógrafo puede revisar con lupa y editar sus imágenes favoritas. Esto se hacía en la época del cuarto obscuro, antes de que existieran opciones digitales.

Ahora tenemos "Lightroom" en el cual podemos identificar digitalmente todas nuestras fotos de una escena. En vez de tener que mirar a pequeñas miniaturas, podemos ver nuestras "casi" fotos a resolución completa.

Las hojas de contacto son las mejores herramientas de aprendizaje de un fotógrafo. Puedes aprender de las hojas de contacto de otros fotógrafos, y también de las propias.

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Henri Cartier-Bresson. Valencia, ESPAÑA, 1933. Observa las dos versiones de la foto que estaba considerando. Ésta era la mejor.

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Henri Cartier-Bresson. Valencia, ESPAÑA, 1933. Ésta no era tan fuerte como la anterior.

Analizar las hojas de contacto de los maestros que nos precedieron es lo más cerca que tenemos a leer su mente. Podemos ver como "trabajaban la escena" –y cómo tomaban fotos desde distintas perspectivas, decidían cuando apretar el obturador y cuántas fotos tomar. Algunos fotógrafos logran atrapar sus imágenes en sólo 5 o 6 tomas, mientras que otros se terminan un rollo completo de 36 imágenes en una escena.

Date cuenta que todos ellos hacían sus tomas en película, cuando cada imagen tenía un costo. Ahora que la mayoría tomamos fotos digitales, no hay excusa para no "trabajar la escena" y tomar muchas imágenes distintas de la misma escena.

Para aprender más sobre las hojas de contacto, puedes revisar mi artículo: “10 cosas que los fotógrafos de calle pueden aprender de las hojas de contacto de Magnum” and also pick up a copy of “Hojas de contacto de Magnum” en Amazon. Serán los 100 dólares mejor invertidos en tu educación fotográfica.

Cómo "trabajar la escena"

Y bien, hablamos de la importancia de "trabajar la escena" –y que tan importante es hacer muchas tomas de la misma escena (no sólo una). Pero, ¿qué significa "trabajar la escena"?

Algunos puntos a tomar en cuenta:

1. No tomes sólo una foto

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Hoja de contacto de Elliott Erwitt, “Bulldogs”, New York, 2000. © Elliott Erwitt / Magnum Photos

De nuevo, es muy tentador sólo tomar una foto cuando ves una buena escena. Cuando comencé con la fotografía de calle, me moría del miedo de ofender a las personas o que me "atraparan" fotografiando a desconocidos.

Sin embargo, date cuenta que para hacer una gran foto, necesitas trabajar la escena. Nunca sabrás cuando el "mejor" momento decisivo ocurrirá. En una escena, suceden muchos "momentos decisivos" con gran potencial. Sólo sabrás cuál es el mejor "momento decisivo" después, durante la etapa de edición.

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“Bulldogs”, New York, 2000. © Elliott Erwitt / Magnum Photos

Incluso Henri Cartier Bresson alguna vez dijo: “A veces debes ordeñar mucho a la vaca para obtener un poco de queso.”

2. No le hagas al chango

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Alain Capeilleres, 1976. © Martine Franck / Magnum Photos.

Otro consejo práctico para "trabajar la escena" mejor es no "hacerle al chango". ¿Qué significa esto? Se refiere a la práctica de revisar la pantalla LCD después de tomar una imagen. ¿Por qué le llaman "hacerle al chango"? Parece ser que los fotógrafos de película se burlaban de los digitales diciendo que parecían un montón de changos cuando se juntaban alrededor de sus pantallas LCD para mostrarse las imagenes que recién habían tomado.

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Foto de Martine Franck, región Provence-Alpes-Côte d’Azur. Pueblo de Le Brusc. Alberca diseñada por Alain Capeilleres, 1976. © Martine Franck / Magnum Photos

¿Pero por qué está mal "hacerle al chango"? He escrito un artículo de por qué los fotógrafos de calle no deberían hacerlo pero, para resumir, hacerle al chango rompe tu ritmo cuando estás tomando fotos en la calle. En vez de ver tu pantalla varias veces mientras trabajas la escena para revisar la exposición, encuadre y lo que capturaste, es mejor seguir tomando muchas fotos desde distintos ángulos y momentos y escoger las mejores después.

3. Toma tu tiempo

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Hoja de contacto de Richard Kalvar, “Piazza Della Rotonda”. Rome, Italy, 1980. © Richard Kalvar / Magnum Photos

“Tomar tu tiempo” es una de las cosas más complicadas de "trabajar la escena". Tomar tu tiempo es quedarte aún "cuando ya no eres bienvenido". Generalmente es una grosería tomar tu tiempo. Es como andar de vago –te quedas en un lugar más de lo que deberías y la gente empieza a mirarte.

Una de las preguntas más frecuentes que hacen en mis talleres es: "¿cuánto tiempo debería tomarme para "trabajar la escena" antes de saber que es momento de irme o ya hice la toma?"

Ese es el mayor problema. Nunca tenemos idea cuándo "hicimos la toma" o ya estuvimos "el tiempo suficiente".

En lo personal, mi filosofía es la de ser el visitante que se queda aún cuando ya no es bienvenido. ¿Alguna vez un amigo te ha pedido quedarse por una semana y terminó quedándose meses? Conviértete en ese tipo.

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“Piazza Della Rotonda”. Roma, Italia, 1980. © Richard Kalvar / Magnum Photos

La razón por la que predico el "quédate aún cuando ya no seas bienvenido" es por qué es mejor tomar tu tiempo durante un largo rato, pues muchas veces tu mejor toma será la última. Al mirar muchas hojas de contacto, en especial esta imagen de Richard Kalvar, puedes ver que su mejor imagen está al final (en el cuadro 37, por suerte). Si no se hubiera tomado su tiempo y trabajado la escena, nunca habría logrado esta imagen icónica.

Con mayor razón en la fotografía de calle, sólo verás una escena con gran potencial una vez en la vida. Podrás encontrar otras similares, pero nunca justo la misma con justo esas mismas personas, con ese fondo, esa luz y esa distribución.

Así que no vivas arrepentido, quédate más tiempo del que deberías y excédete en tomas de cada escena.

Una técnica que aprendí de mi amigo Charlie Kirk es que si ves una escena con mucho potencial, quédate por ahí y espera un poco más antes de empezar a tomar fotos. Por ejemplo, si ves a un tipo interesante fumando, quédate cerca y espera a que fume, luego lánzate a tomar unas cuantas fotos mientras inhala su cigarro.

Lingering is quite painful to do. It is awkward, makes you feel uncomfortable, and might make your subject feel uncomfortable.

Un modo de superar la incomodidad de tomarse tanto tiempo y "trabajar la escena" es hacer como que estoy tomando algo detrás de ellos y evitar el contacto visual.. Como fotografío con lente 35mm no tengo que apuntar mi cámara directo a mi sujeto para sacarlo en cuadro.

Otra técnica es sonreír e interactuar con mi sujeto mientras les tomo fotos. Por ejemplo, si veo una buena escena, puedo empezar por hacer unas tomas como casuales y entonces, si mi sujeto hace contacto visual, correspondo el contacto visual, sonrío, sigo tomando fotos e incluso comienzo a conversar (ey, te ves bien).

4. Mira los gestos

meyer cel
Hoja de contacto del Che. © Rene Burri / Magnum Photos

Cuando estés "trabajando la escena" no sólo pongas tu cámara en ráfaga y comiences a tomar sin sentido. En vez de eso, ten muy claro cuándo decides apretar el obturador.

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Che Guevara. © Rene Burri / Magnum Photos

Por lo general, decido apretar el obturador cuando veo gesto con las manos. Pueden ser los de alguien cubriéndose el rostro, poniendo las manos a los lados o apuntando en alguna dirección.

Otro gran consejo es esperar el contacto visual. Haz la prueba de tomar fotos sin contacto visual y otras con contacto visual. Nunca sabes cuales fotos serán mejores, pero hay un dicho: "los ojos son las ventanas del alma" –que en el caso de la fotografía de calle puede hacerlas más íntimas y emotivas.

5. Mantén tus pies en movimiento

 

Si has visto a un boxeador, rara vez sus pies permanecen quietos. Lo más importante como boxeador es nunca poner tus talones sobre el piso. En el momento que te detienes, te vuelves un blanco fácil –y serás un objetivo listo para ser noqueado por su oponente.

Adopta esa misma mentalidad como fotógrafo de calle. Cuando trabajes la escena, no te quedes plantado en el piso. Mantén tus pies en movimiento. Toma fotos desde la izquierda, derecha, un paso al frente, un paso atrás. Agáchate. Intenta diversos ángulos y perspectivas.

6. Toma fotos horizontales y verticales

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Contac sheet, VJ Day. Photo by Alfred Eisenstaedt

También mientras trabajas la escena, intenta experimentar ambos formatos, horizontal y vertical. Al calor del momento, cuando encuentras una gran escena callejera, muchas veces es difícil decidir cuál es el mejor formato.

Si tienes tiempo, prueba ambos formatos, dependiendo del tipo de imagen que desees crear.

7. Ten calma y sé paciente

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Jean Gaumy, Iran, 1986.

Cuando trabajas una escena, recuerda mantener la calma y paciencia. En situaciones así, es común acelerarse y tratar de lograr "la toma". Sin embargo, ten calma y sé paciente mientras haces tomas –analiza cuando apretar el obturador, que tan cerca debes estar de tu sujeto para hacer un buen encuadre y mantén la atención en elementos del fondo que te puedan distraer.

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Jean Gaumy, Iran, 1986.

Cuando uno, como principiante, empieza a trabajar la escena, es común tener un golpe de adrenalina demasiado intenso para permanecer calmado y ser paciente. Pero ten en cuenta que con la práctica podrás mantenerte más calmado y ser más paciente –lo cual te ayudará a tomar decisiones más racionales mientras fotografías, y eso te ayudará al final a hacer mejores imágenes.

8. Pon atención en el fondo

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Hoja de contacto de Martin Parr para “The Last Resort

Cuando estamos fotografiando en las calles, es usual que pongamos demasiada atención en el sujeto y no suficiente en el fondo.

Mi consejo es que, una vez que tienes claro quién es tu sujeto principal (o sujetos), enfoques tu mirada sobre el fondo. Procura obtener un fondo limpio que no distraiga –y añada algo a la escena.

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The Last Resort, Foto por Martin Parr

Evita sacar cabezas, postes, árboles o carros en tus fondos de manera azarosa. Cuando trabajas la escena, camina hasta obtener un fondo más limpio. Los fondos descuidados son los peores enemigos de fotografías de calle con gran potencial.

Conclusión

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Hoja de contacto de Martin Parr, España, 1997.

Para incrementar tus oportunidades de obtener "buenas imágenes" de fotografía de calle, practica "trabajar la escena" y tomar más tiempo del necesario. No mantengas tus pies quietos, siempre muévete, pero al mismo tiempo sé paciente.

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Foto de Martin Parr del libro “Common Sense”. España, 1997

También debes saber que trabajar la escena más de lo necesario será raro e incómodo, pero con tiempo, paciencia, práctica y una sonrisa, superarás esto.

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INFORMACIÓN LEGAL: TODAS LAS FOTOGRAFÍAS SE PRESENTAN SIN INTENCIÓN DE LUCRO Y CON FINES DE CRÍTICA Y/O INVESTIGACIÓN CIENTÍFICA, LITERARIA Y/O ARTÍSTICA BAJO LO PREVISTO EN LA LEGISLACIÓN VIGENTE POR CONDUCTO DE LOS TRATADOS INTERNACIONALES EN MATERIA DE DERECHOS DE AUTOR.

kimEric Kim (USA). Vive y trabaja en Berkeley, C.A. Fotógrafo. Su principal interés es la fotografía de calle a la que dedica su labor artística y educativa. Sociólogo graduado en UCLA. Imparte talleres en distintas partes del mundo como Canadá, Holanda, Vietman, Japón, Australia y muchas otras. Colaborador de algunos proyectos de Leica y Samsung. Su trabajo ha sido expuesto en Los Ángeles y en las tiendas de Leica en Singapur, Seúl y Melbourne. Su trabajo se puede consultar en: erickimphotography.com
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La textura universal

Clement Valla

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!-- Parrafo de eric kim

Eric Kim, "Debunking the “Myth of the Decisive Moment”"Eric Kim Street Photography Blog , May 23, 2014

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Clement Valla, "La textura universal.", Rhizome2012.

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Imágenes via Clement Valla.

Estos artistas (...) enfrentan a la base de datos, entendida como una estructura de poder deshumanizado, con la recopilación como una forma de memoria idiosincrática, no sistemática, y humana. Recogen lo que les interesa, lo que sienten que puede y debe ser incluido en un sistema de significados. Describen, critican y finalmente desafían la dinámica de la base de datos, obligándola a evolucionar.1

Recopilo imágenes de Google Earth. Descubrí por accidente estas particularmente extrañas instantáneas, donde la ilusión de una representación perfecta y precisa de la superficie de la Tierra parece desmoronarse. Estaba Google Earth-eando cuando me di cuenta de que un número sorprendente de edificios parecían de cabeza. Podía distinguir que aquí estaban en conflicto dos referentes visuales -el modelo en 3D que formaba la superficie de la tierra y el mapa de fotografías aéreas: no coincidían. Los datos de profundidad en las fotografías aéreas, como sombras y luces, no se alineaban con las del modelo 3D.

Me había dado cuenta que los referentes visuales en conflicto provocaban algunas imágenes excepcionales, y empecé a encontrar más y a recopilarlas. Al principio pensé que eran fallas técnicas o errores en el algoritmo, pero al analizarlas me di cuenta de que la situación era en realidad más interesante: estas imágenes no son fallas técnicas. Son el resultado lógico absoluto del sistema. Son una condición limítrofe -una anomalía dentro del sistema, un no estándar, un caso atípico, incluso, pero no un error. Estos momentos discordantes exponen cómo funciona Google Earth y centran nuestra atención en el software. Son costuras que revelan un nuevo modelo de ver y de representar nuestro mundo como datos dinámicos, en incesante transformación, tomados desde una gran variedad de fuentes diversas combinados de manera infinita, actualizados constantemente, dando origen a una ilusión perfecta.

meyer cel!--
Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Imágenes en 3D como las de Google Earth, se generan a través de un proceso llamado mapeo de texturas. El mapeo de textura es una tecnología desarrollada por Ed Catmull en la década de 1970. En el modelado 3D, un mapa de textura es una imagen plana que cubre la superficie de un modelo 3D como una etiqueta a una lata o un refresco. Las texturas suelen representar una extensión plana con muy poca profundidad de campo, con la intención de simular las propiedades superficiales de un objeto. Las texturas son más como un escaneo que una fotografía. La superficie representada en una textura coincide con el plano superficial de la imagen, a diferencia de una fotografía que representa un espacio más allá. Esta diferencia podría resumirse de otra manera: vemos a través de una fotografía, nos fijamos en una textura. Esta es una distinción importante en el modelado en 3D, ya que las texturas se estiran a través de la superficie de un modelo 3D, en esencia, convirtiéndose en la piel del modelo.

Las texturas de Google Earth, sin embargo, no carecen de profundidad ni son planas. Son fotografías a través de las que miramos un espacio representado más allá -un espacio que nuestro cerebro interpreta como poseedor de tres dimensiones y profundidad. Vemos el espacio tridimensional en las fotografías aéreas debido a la luz y las sombras, y también porque hemos experimentado previamente ese espacio. Cuando estas fotografías se distorsionan y extienden por la topografía 3D de la Tierra, miramos tanto la imagen distorsionada del plano, como a través de esa misma imagen el espacio representado en la textura. En otras palabras, estamos ante dos espacios al mismo tiempo. La mayoría de las veces esta duplicación de espacios en Google Earth pasa inadvertida, pero a veces los dos espacios son tan diferentes que las cosas se ven extrañas, vertiginosas o por completo erróneas. Pero no están mal. Revelan el sistema de Google utilizado para asignar la tierra: la Textura Universal.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

La Textura Universal es una patente de Google para mapeo de texturas sobre un modelo 3D de todo el mundo.2 En esencia, la Textura Universal es sólo una forma óptima para generar un mapa de textura de la tierra. Como su nombre lo indica, la Textura Universal promete una navegación ininterrumpida de nuestro planeta, similar a un Dios (o un dron) -no una serie de mapas en mosaico, sino una experiencia fluida y dinámica. Esta experiencia es tan diferente, tanto más fluida que las tecnologías anteriores, que es un logro similar al de la escalera mecánica respecto a las compras:

Ningún invento ha tenido la importancia y la repercusión en las compras como las escaleras mecánicas. A diferencia del ascensor, limitado en cuanto al número de personas que puede transportar entre diferentes pisos y que por su propio mecanismo insiste en la división, la escalera mecánica acomoda y combina cualquier flujo, crea eficientemente transiciones fluidas entre un nivel y otro, e incluso desdibuja la distinción entre niveles separados y los espacios individuales.3

En el mundo de los medios digitales, esta continuidad fluída es análoga al efecto del desplazamiento infinito en Tumblr. En Google Earth, la Textura Universal proporciona un conocimiento uniforme, completo, y fácilmente accesible de la superficie del planeta. La Textura Universal es capaz de tomar un collage de fotos gigante compuesto por imágenes aéreas de todo tipo de fuentes diversas -diferentes empresas, gobiernos, institutos cartográficos- y asignarla a un modelo tridimensional integrado por fuentes igual de diversas. Combina estos datos dispares en un espacio continuo -como la escalera mecánica integra pisos en un centro comercial.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Nuestros procesos mecánicos para la creación de imágenes nos han habituado a pensar en términos de instantáneas -pequeños segmentos de tiempo y espacio (no importa cuanto se aproximen esos segmentos, seguimos contando fotogramas por segundo y proporción de imagen). Sin embargo, Google está pensando en la continuidad. Las imágenes producidas por Google Earth son muy diferentes a una fotografía que tiene una relación indicial de un espacio determinado en un momento dado. Más bien, son imágenes híbridas, un mosaico de datos fotográficos de dos dimensiones y datos topográficos tridimensionales obtenidos de una serie de fuentes, cuyos datos se extraen, son pre-procesados, mezclados y fusionados en tiempo real. Google Earth es esencialmente una base de datos disfrazado de representación fotográfica.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Es una representación automatizada, estadística, incesante y universal que elige de modo selectivo sus datos (por ejemplo, no hay "noche" en la versión Google de la Tierra). El sistema edita una representación particular del mundo. El software edita, re-ensambla, procesa y empaqueta la realidad con el fin de formar un modelo muy específico y útil. Estas imágenes recopiladas se sienten extrañas, porque son claramente una representación incorrecta de la superficie de la tierra. Y es precisamente porque los seres humanos no crearon directamente estas imágenes que son tan fascinantes. Son creados por un algoritmo que no encuentra nada malo en estos acontecimientos. Son menos una creación, que un hecho de algún tipo -una representación de las leyes de la Textura Universal. Como recopilación las anomalías son una peculiar historia natural del software Google Earth. Son extrañas nuevas tipologías, representativas de un proceso digital en particular. Típicamente, la ilusión que la Textura Universal provoca es, que el proceso en sí pase inadvertido, pero estas anomalías ofrecen una visión de la recopilación e integración de datos. Ponen en evidencia la diversidad de fuentes de datos. En estas anomalías comprendemos que hay insumos que compiten, fuentes de datos que compiten, y discrepancia en los datos. El mundo no es tan fluido después de todo.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Al hacer capturas de pantalla de estas imágenes en Google Earth, estoy pausándolas y las saco del ciclo de actualización. Capturo estas imágenes para archivarlas -para asegurar que se mantenga un registro de que esta imagen fue producida por la Textura Universal en un momento y lugar determinados. A medida que seguí buscando más anomalías, y volví a asomarme a las que ya había descubierto, me di cuenta que las imágenes que había descubierto iban desapareciendo. Las fotografías aéreas se estaban actualizando, se volvían 'más planas' -por haber sido tomadas en un ángulo menor o por tener las sombras debajo de los puentes disimuladas. Debido a que Google Earth actualiza sus algoritmos y datos tridimensionales de manera constante, cada momento específico sólo podía ser capturado como una imagen fija. Sé que Google está tratando de solucionar algunas de estas anomalías también -me ha contactado un ingeniero de Google que encontró una solución inteligente para el problema de la caída de carreteras y puentes. Aunque el cambio todavía no ha aparecido en el software, es sólo una cuestión de tiempo.

Al analizarlo más a detalle, los algoritmos de Google también parecen tener una forma de seleccionar ciertos tipos de fotografías aéreas sobre otras, de manera que mientras más se toman, se seleccionan mejores. Para Google, las mejores fotografías son más planas, tienen menos sombras y están tomadas desde ángulos más altos. Debido a estos avances, estas extrañas imágenes se borran. Veo como parte de mi trabajo archivar estas tipologías digitales temporales. También bautizo a estas imágenes como postales para arrojarme como turista en el espacio temporal y virtual -un espacio que existe digitalmente por un momento, y tal vez nunca pueda ser reconstituido de nuevo por ninguna computadora.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Nada hace más evidente la temporalidad de estas imágenes que la simple observación de que las nubes están desapareciendo de Google Earth. Después de todo, las nubes ocultan la superficie del planeta, así que se prefiere fotos sin nubes. La Textura Universal y sus algoritmos de bases de datos asociadas son entrenados sobre algunos rasgos cualitativos básicos -sin nubes, alto contraste, profundidad, fotos diurnas. Los avances en la arquitectura nos ha dado el control total de los ambientes interiores: espacios de clima controlado con conexiones continuas por medio de escaleras mecánicas en centros comerciales, aeropuertos, hoteles y casinos. El progreso en la Textura Universal promete darnos un mundo fluido y siempre con luz diurna, sin nubes, cada vez más libre de anomalías discordantes, valores atípicos, e inconsistencias estadísticas.

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1. Quaranta, Domenico, “Collect the WWWorld. The Artist as Archivist in the Internet Age,” in Domenico Quaranta et al., Collect the WWWorld, exhibition catalogue, LINK Editions, September 2011.

2. "WebGL Earth Documentation - 2 Real-time Texturing Methods," WebGL Earth Documentation - 2 Real-time Texturing Methods, N.p., n.d. Web. 30 July 2012.

3. Jovanovic Weiss, Srdjan and Leong, Sze Tsung, “Escalator,” in Koolhaas et al., Harvard Design School guide to shopping, Köln, New York, Taschen, 2001.

 

Clement VallaClemente Valla (USA,1979). Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Artista. Licenciado en Arquitectura por la Universidad de Columbia. Máster de diseño en Digital + Media de la Escuela de Rhode Island. En la actualidad es profesor asociado de Diseño Gráfico en RISD. Su trabajo ha sido expuesto en varios lugares a nivel internacional como el Museo de Arte de Indianápolis, Indianapolis; Museo de la Imagen en Movimiento, Nueva York; Thommassen Galleri, Gotemburgo, etc. Su trabajo lo encuentras en clementvalla.com

 

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!-- Parrafo de eric kim

Eric Kim, "Debunking the “Myth of the Decisive Moment”"Eric Kim Street Photography Blog , May 23, 2014

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Clement Valla, "La textura universal.", Rhizome2012.

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Imágenes via Clement Valla.

Estos artistas (...) enfrentan a la base de datos, entendida como una estructura de poder deshumanizado, con la recopilación como una forma de memoria idiosincrática, no sistemática, y humana. Recogen lo que les interesa, lo que sienten que puede y debe ser incluido en un sistema de significados. Describen, critican y finalmente desafían la dinámica de la base de datos, obligándola a evolucionar.1

Recopilo imágenes de Google Earth. Descubrí por accidente estas particularmente extrañas instantáneas, donde la ilusión de una representación perfecta y precisa de la superficie de la Tierra parece desmoronarse. Estaba Google Earth-eando cuando me di cuenta de que un número sorprendente de edificios parecían de cabeza. Podía distinguir que aquí estaban en conflicto dos referentes visuales -el modelo en 3D que formaba la superficie de la tierra y el mapa de fotografías aéreas: no coincidían. Los datos de profundidad en las fotografías aéreas, como sombras y luces, no se alineaban con las del modelo 3D.

Me había dado cuenta que los referentes visuales en conflicto provocaban algunas imágenes excepcionales, y empecé a encontrar más y a recopilarlas. Al principio pensé que eran fallas técnicas o errores en el algoritmo, pero al analizarlas me di cuenta de que la situación era en realidad más interesante: estas imágenes no son fallas técnicas. Son el resultado lógico absoluto del sistema. Son una condición limítrofe -una anomalía dentro del sistema, un no estándar, un caso atípico, incluso, pero no un error. Estos momentos discordantes exponen cómo funciona Google Earth y centran nuestra atención en el software. Son costuras que revelan un nuevo modelo de ver y de representar nuestro mundo como datos dinámicos, en incesante transformación, tomados desde una gran variedad de fuentes diversas combinados de manera infinita, actualizados constantemente, dando origen a una ilusión perfecta.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Imágenes en 3D como las de Google Earth, se generan a través de un proceso llamado mapeo de texturas. El mapeo de textura es una tecnología desarrollada por Ed Catmull en la década de 1970. En el modelado 3D, un mapa de textura es una imagen plana que cubre la superficie de un modelo 3D como una etiqueta a una lata o un refresco. Las texturas suelen representar una extensión plana con muy poca profundidad de campo, con la intención de simular las propiedades superficiales de un objeto. Las texturas son más como un escaneo que una fotografía. La superficie representada en una textura coincide con el plano superficial de la imagen, a diferencia de una fotografía que representa un espacio más allá. Esta diferencia podría resumirse de otra manera: vemos a través de una fotografía, nos fijamos en una textura. Esta es una distinción importante en el modelado en 3D, ya que las texturas se estiran a través de la superficie de un modelo 3D, en esencia, convirtiéndose en la piel del modelo.

Las texturas de Google Earth, sin embargo, no carecen de profundidad ni son planas. Son fotografías a través de las que miramos un espacio representado más allá -un espacio que nuestro cerebro interpreta como poseedor de tres dimensiones y profundidad. Vemos el espacio tridimensional en las fotografías aéreas debido a la luz y las sombras, y también porque hemos experimentado previamente ese espacio. Cuando estas fotografías se distorsionan y extienden por la topografía 3D de la Tierra, miramos tanto la imagen distorsionada del plano, como a través de esa misma imagen el espacio representado en la textura. En otras palabras, estamos ante dos espacios al mismo tiempo. La mayoría de las veces esta duplicación de espacios en Google Earth pasa inadvertida, pero a veces los dos espacios son tan diferentes que las cosas se ven extrañas, vertiginosas o por completo erróneas. Pero no están mal. Revelan el sistema de Google utilizado para asignar la tierra: la Textura Universal.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

La Textura Universal es una patente de Google para mapeo de texturas sobre un modelo 3D de todo el mundo.2 En esencia, la Textura Universal es sólo una forma óptima para generar un mapa de textura de la tierra. Como su nombre lo indica, la Textura Universal promete una navegación ininterrumpida de nuestro planeta, similar a un Dios (o un dron) -no una serie de mapas en mosaico, sino una experiencia fluida y dinámica. Esta experiencia es tan diferente, tanto más fluida que las tecnologías anteriores, que es un logro similar al de la escalera mecánica respecto a las compras:

Ningún invento ha tenido la importancia y la repercusión en las compras como las escaleras mecánicas. A diferencia del ascensor, limitado en cuanto al número de personas que puede transportar entre diferentes pisos y que por su propio mecanismo insiste en la división, la escalera mecánica acomoda y combina cualquier flujo, crea eficientemente transiciones fluidas entre un nivel y otro, e incluso desdibuja la distinción entre niveles separados y los espacios individuales.3

En el mundo de los medios digitales, esta continuidad fluída es análoga al efecto del desplazamiento infinito en Tumblr. En Google Earth, la Textura Universal proporciona un conocimiento uniforme, completo, y fácilmente accesible de la superficie del planeta. La Textura Universal es capaz de tomar un collage de fotos gigante compuesto por imágenes aéreas de todo tipo de fuentes diversas -diferentes empresas, gobiernos, institutos cartográficos- y asignarla a un modelo tridimensional integrado por fuentes igual de diversas. Combina estos datos dispares en un espacio continuo -como la escalera mecánica integra pisos en un centro comercial.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Nuestros procesos mecánicos para la creación de imágenes nos han habituado a pensar en términos de instantáneas -pequeños segmentos de tiempo y espacio (no importa cuanto se aproximen esos segmentos, seguimos contando fotogramas por segundo y proporción de imagen). Sin embargo, Google está pensando en la continuidad. Las imágenes producidas por Google Earth son muy diferentes a una fotografía que tiene una relación indicial de un espacio determinado en un momento dado. Más bien, son imágenes híbridas, un mosaico de datos fotográficos de dos dimensiones y datos topográficos tridimensionales obtenidos de una serie de fuentes, cuyos datos se extraen, son pre-procesados, mezclados y fusionados en tiempo real. Google Earth es esencialmente una base de datos disfrazado de representación fotográfica.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Es una representación automatizada, estadística, incesante y universal que elige de modo selectivo sus datos (por ejemplo, no hay "noche" en la versión Google de la Tierra). El sistema edita una representación particular del mundo. El software edita, re-ensambla, procesa y empaqueta la realidad con el fin de formar un modelo muy específico y útil. Estas imágenes recopiladas se sienten extrañas, porque son claramente una representación incorrecta de la superficie de la tierra. Y es precisamente porque los seres humanos no crearon directamente estas imágenes que son tan fascinantes. Son creados por un algoritmo que no encuentra nada malo en estos acontecimientos. Son menos una creación, que un hecho de algún tipo -una representación de las leyes de la Textura Universal. Como recopilación las anomalías son una peculiar historia natural del software Google Earth. Son extrañas nuevas tipologías, representativas de un proceso digital en particular. Típicamente, la ilusión que la Textura Universal provoca es, que el proceso en sí pase inadvertido, pero estas anomalías ofrecen una visión de la recopilación e integración de datos. Ponen en evidencia la diversidad de fuentes de datos. En estas anomalías comprendemos que hay insumos que compiten, fuentes de datos que compiten, y discrepancia en los datos. El mundo no es tan fluido después de todo.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Al hacer capturas de pantalla de estas imágenes en Google Earth, estoy pausándolas y las saco del ciclo de actualización. Capturo estas imágenes para archivarlas -para asegurar que se mantenga un registro de que esta imagen fue producida por la Textura Universal en un momento y lugar determinados. A medida que seguí buscando más anomalías, y volví a asomarme a las que ya había descubierto, me di cuenta que las imágenes que había descubierto iban desapareciendo. Las fotografías aéreas se estaban actualizando, se volvían 'más planas' -por haber sido tomadas en un ángulo menor o por tener las sombras debajo de los puentes disimuladas. Debido a que Google Earth actualiza sus algoritmos y datos tridimensionales de manera constante, cada momento específico sólo podía ser capturado como una imagen fija. Sé que Google está tratando de solucionar algunas de estas anomalías también -me ha contactado un ingeniero de Google que encontró una solución inteligente para el problema de la caída de carreteras y puentes. Aunque el cambio todavía no ha aparecido en el software, es sólo una cuestión de tiempo.

Al analizarlo más a detalle, los algoritmos de Google también parecen tener una forma de seleccionar ciertos tipos de fotografías aéreas sobre otras, de manera que mientras más se toman, se seleccionan mejores. Para Google, las mejores fotografías son más planas, tienen menos sombras y están tomadas desde ángulos más altos. Debido a estos avances, estas extrañas imágenes se borran. Veo como parte de mi trabajo archivar estas tipologías digitales temporales. También bautizo a estas imágenes como postales para arrojarme como turista en el espacio temporal y virtual -un espacio que existe digitalmente por un momento, y tal vez nunca pueda ser reconstituido de nuevo por ninguna computadora.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Nada hace más evidente la temporalidad de estas imágenes que la simple observación de que las nubes están desapareciendo de Google Earth. Después de todo, las nubes ocultan la superficie del planeta, así que se prefiere fotos sin nubes. La Textura Universal y sus algoritmos de bases de datos asociadas son entrenados sobre algunos rasgos cualitativos básicos -sin nubes, alto contraste, profundidad, fotos diurnas. Los avances en la arquitectura nos ha dado el control total de los ambientes interiores: espacios de clima controlado con conexiones continuas por medio de escaleras mecánicas en centros comerciales, aeropuertos, hoteles y casinos. El progreso en la Textura Universal promete darnos un mundo fluido y siempre con luz diurna, sin nubes, cada vez más libre de anomalías discordantes, valores atípicos, e inconsistencias estadísticas.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

 


 

1. Quaranta, Domenico, “Collect the WWWorld. The Artist as Archivist in the Internet Age,” in Domenico Quaranta et al., Collect the WWWorld, exhibition catalogue, LINK Editions, September 2011.

2. "WebGL Earth Documentation - 2 Real-time Texturing Methods," WebGL Earth Documentation - 2 Real-time Texturing Methods, N.p., n.d. Web. 30 July 2012.

3. Jovanovic Weiss, Srdjan and Leong, Sze Tsung, “Escalator,” in Koolhaas et al., Harvard Design School guide to shopping, Köln, New York, Taschen, 2001.

 

Clement VallaClemente Valla (USA,1979). Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Artista. Licenciado en Arquitectura por la Universidad de Columbia. Máster de diseño en Digital + Media de la Escuela de Rhode Island. En la actualidad es profesor asociado de Diseño Gráfico en RISD. Su trabajo ha sido expuesto en varios lugares a nivel internacional como el Museo de Arte de Indianápolis, Indianapolis; Museo de la Imagen en Movimiento, Nueva York; Thommassen Galleri, Gotemburgo, etc. Su trabajo lo encuentras en clementvalla.com

 

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Proyectos de Jonathan Harris

ZoneZero

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Considerado como artista visual, narrador interactivo y antropólogo del internet, Jonathan se interesa por fragmentos y sentimientos de historias íntimas y por la necesidad que tenemos de expresarnos. Logra dialogar con el espectador a través de la imagen y la tecnología entralazándolas en su propio universo artístico.

En su ensayo Navigating Stuckness conformado por escritos e ilustraciones, nos comparte un recorrido autobiográfico en el que nos describe las diferentes etapas de su desarrollo como creador y la manera en que se ha obligado él mismo a superarse y reencontrarse. En ZoneZero hemos elegido dos proyectos de sus diferentes etapas para presentarles una selección como muestra de la gran variedad y diversidad de plataformas de expresión de las que hace uso, sólo como un abreboca de su versátil creación.

El primero es Today, fotografías que documentan 440 días a partir de su cumpleaños número 30, perfilando un autorretrato de su día a día y convirtiéndolo durante su proceso en un ritual. En el segundo, Balloons of Buthan, nos invita a descubrir los retratos de la felicidad en el último reino del Himalaya, Butan. A través de fotografías y audios testimoniales, responde a inquietudes universales y genera un registro de la acción dentro de una plataforma interactiva que nos permite aproximarnos a cada personaje. (117 en total).

Éstos son sólo un par de ejemplos en donde nos muestra dos líneas principales de su quehacer artístico. Una de ellas es comprender que para poder acercarnos a terceros y contar sobre ellos, es importante hacer pausas para conocernos y hablar sobre nosotros mismos. La otra, es interpretar la manera en que puede lograrse una convergencia con la tecnología en busca de la mejor forma de contar historias, generando en el camino plataformas que den orden al caos humano en nuestro mundo globalizado.

Puede ser que Jonathan sea uno de los artistas más sensibles que encontremos en línea y del que podemos inspirarnos a través de sus proyectos para seguir con nuestra propia búsqueda de comunicación visual. Es por eso que les ofrecemos una entrevista que el equipo de ZoneZero ha preparado para ustedes, con la intención de acercarlos más a los procesos de su obra.

Jonathan HarrisJonathan Harris (USA, 1979). Científico de la computación y Fotógrafo por la Universidad de Princeton. Vive y trabaja en Nueva York. Sin embargo, algunos de sus proyectos los concibe en otras partes del mundo. Balloons of Buthan, por ejemplo, se realizó en Butan, Himalaya. Su trabajo explora la relación entre humanos y tecnología. Su obra se ha exhibido en todo el mundo, siendo merecedor de varios premios y reconocimientos. Su trabajo se puede consultar en: Number27

¿Podrías contarnos qué lugar ocupa el concepto y cuál es el papel del medio que usas en el desarrollo de tus proyectos?
Para mí, los proyectos tienden a iniciarse con un concepto -usualmente algo simple y que se puede comunicar en una sola línea (por ejemplo, "Un motor de búsqueda para los sentimientos" (We Feel Fine), "Una librería pública de la experiencia humana" (Cowbird), "Una expresión de momentos únicos en el tiempo" (10x10). Desde ahí, paso mucho tiempo desarrollando la idea en papel (en mi libreta). Este proceso es iterativo, y puede tomar mucho tiempo. Usualmente pruebo diferentes puntos de vista y enfoques, y muchos de ellos no se siente que funcionen, así que sigo intentando cosas diferentes, sin dejar de tener en mente esa descripción de una sola línea, que es como el espíritu de la idea, y ese espíritu no debe cambiar. En algún punto, me decido por un punto de vista (por ejemplo, buscar la frase "yo siento", limitar las historias a texto y una sola imagen, extraer 100 palabras y fotos de sitios noticiosos cada hora, etcétera) y comienzo a recopilar la información. Luego, está el proceso de relacionarme con la información, que es casi como ir descubriendo el estilo de un amante -tratar de entender sus secretos (qué la hace hermosa e interesante). Una vez que aprendes sus secretos, entonces puedes diseñar interfaces que revelen esos secretos a otros. Eso es lo que provoca que algo sea poético, y le da vida.

En tu trabajo más reciente, ¿cuáles son los temas o preocupaciones que te impulsan para iniciar y desarrollar un nuevo proyecto?
En la actualidad, me interesa la evolución de la especie humana hacia un único meta-organismo, del cual todos formamos parte, como células en un cuerpo. Tengo interés en la naturaleza de ese meta-organismo -sus emociones, sus pensamientos, sus deseos, sus elecciones.

Con los cambios constantes en tecnología y proyectos que dependen tanto de ella, ¿te preocupa la obsolescencia? ¿Cómo enfrentas ese riesgo?
Al trabajar con tecnología la obsolescencia es inevitable. Ya hay algunos de mis proyectos iniciales que es difícil o imposible verlos -la mayoría de los navegadores no ejecutan applets Java de manera predeterminada, por lo cual para ver We Feel Fine, los visitantes deben descargar e instalar una extensión; la compañía cuya API de noticias alimentaba Universe fue vendida y ya no existe, por ello ese proyecto ya no está en línea. Hoy en día, trato de usar tecnología de código abierto (HTML5, Javascript, WebGL, etcétera), las cuales tienen menos probabilidad de quedar obsoletas en comparación con tecnologías propietarias como Java o Flash.

A nivel estético, también la obsolescencia es un peligro, pero este tipo de obsolescencia se relaciona con el efecto homogeneizador de herramientas populares. Por ejemplo, cuando muchas personas usan herramientas como Adobe Illustrator, Adobe Flash, o incluso servicios como Instagram, los atajos que permite la herramienta tendrán, al paso del tiempo, un efecto homogeneizador en los proyectos que las personas desarrollan con esa herramienta. Por esto, muchos proyectos digitales pronto parecen anticuados -se ubican en el tiempo, pero no lo sobreviven. Así, por ejemplo, la tipografía de The Whale Hunt es un diseño a medida atravesado por arpones balleneros. En Universe, toda la tipografía estaba formada por constelaciones de estrellas. Cuando haces cosas desde cero (con la ayuda de herramientas de código abierto), tienes mayor oportunidad de evitar la obsolescencia.

Conoce más sobre las inquietudes y obsesiones de Harris, visitando number27.org

TODAY
BALLOONS OF BUTHAN
 
 
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En su ensayo Navigating Stuckness conformado por escritos e ilustraciones, nos comparte un recorrido autobiográfico en el que nos describe las diferentes etapas de su desarrollo como creador y la manera en que se ha obligado él mismo a superarse y reencontrarse. En ZoneZero hemos elegido dos proyectos de sus diferentes etapas para presentarles una selección como muestra de la gran variedad y diversidad de plataformas de expresión de las que hace uso, sólo como un abreboca de su versátil creación.

El primero es Today, fotografías que documentan 440 días a partir de su cumpleaños número 30, perfilando un autorretrato de su día a día y convirtiéndolo durante su proceso en un ritual. En el segundo, Balloons of Buthan, nos invita a descubrir los retratos de la felicidad en el último reino del Himalaya, Butan. A través de fotografías y audios testimoniales, responde a inquietudes universales y genera un registro de la acción dentro de una plataforma interactiva que nos permite aproximarnos a cada personaje. (117 en total).

Éstos son sólo un par de ejemplos en donde nos muestra dos líneas principales de su quehacer artístico. Una de ellas es comprender que para poder acercarnos a terceros y contar sobre ellos, es importante hacer pausas para conocernos y hablar sobre nosotros mismos. La otra, es interpretar la manera en que puede lograrse una convergencia con la tecnología en busca de la mejor forma de contar historias, generando en el camino plataformas que den orden al caos humano en nuestro mundo globalizado.

Puede ser que Jonathan sea uno de los artistas más sensibles que encontremos en línea y del que podemos inspirarnos a través de sus proyectos para seguir con nuestra propia búsqueda de comunicación visual. Es por eso que les ofrecemos una entrevista que el equipo de ZoneZero ha preparado para ustedes, con la intención de acercarlos más a los procesos de su obra.

Jonathan HarrisJonathan Harris (USA, 1979). Científico de la computación y Fotógrafo por la Universidad de Princeton. Vive y trabaja en Nueva York. Sin embargo, algunos de sus proyectos los concibe en otras partes del mundo. Balloons of Buthan, por ejemplo, se realizó en Butan, Himalaya. Su trabajo explora la relación entre humanos y tecnología. Su obra se ha exhibido en todo el mundo, siendo merecedor de varios premios y reconocimientos. Su trabajo se puede consultar en: Number27

¿Podrías contarnos qué lugar ocupa el concepto y cuál es el papel del medio que usas en el desarrollo de tus proyectos?
Para mí, los proyectos tienden a iniciarse con un concepto -usualmente algo simple y que se puede comunicar en una sola línea (por ejemplo, "Un motor de búsqueda para los sentimientos" (We Feel Fine), "Una librería pública de la experiencia humana" (Cowbird), "Una expresión de momentos únicos en el tiempo" (10x10). Desde ahí, paso mucho tiempo desarrollando la idea en papel (en mi libreta). Este proceso es iterativo, y puede tomar mucho tiempo. Usualmente pruebo diferentes puntos de vista y enfoques, y muchos de ellos no se siente que funcionen, así que sigo intentando cosas diferentes, sin dejar de tener en mente esa descripción de una sola línea, que es como el espíritu de la idea, y ese espíritu no debe cambiar. En algún punto, me decido por un punto de vista (por ejemplo, buscar la frase "yo siento", limitar las historias a texto y una sola imagen, extraer 100 palabras y fotos de sitios noticiosos cada hora, etcétera) y comienzo a recopilar la información. Luego, está el proceso de relacionarme con la información, que es casi como ir descubriendo el estilo de un amante -tratar de entender sus secretos (qué la hace hermosa e interesante). Una vez que aprendes sus secretos, entonces puedes diseñar interfaces que revelen esos secretos a otros. Eso es lo que provoca que algo sea poético, y le da vida.

En tu trabajo más reciente, ¿cuáles son los temas o preocupaciones que te impulsan para iniciar y desarrollar un nuevo proyecto?
En la actualidad, me interesa la evolución de la especie humana hacia un único meta-organismo, del cual todos formamos parte, como células en un cuerpo. Tengo interés en la naturaleza de ese meta-organismo -sus emociones, sus pensamientos, sus deseos, sus elecciones.

Con los cambios constantes en tecnología y proyectos que dependen tanto de ella, ¿te preocupa la obsolescencia? ¿Cómo enfrentas ese riesgo?
Al trabajar con tecnología la obsolescencia es inevitable. Ya hay algunos de mis proyectos iniciales que es difícil o imposible verlos -la mayoría de los navegadores no ejecutan applets Java de manera predeterminada, por lo cual para ver We Feel Fine, los visitantes deben descargar e instalar una extensión; la compañía cuya API de noticias alimentaba Universe fue vendida y ya no existe, por ello ese proyecto ya no está en línea. Hoy en día, trato de usar tecnología de código abierto (HTML5, Javascript, WebGL, etcétera), las cuales tienen menos probabilidad de quedar obsoletas en comparación con tecnologías propietarias como Java o Flash.

A nivel estético, también la obsolescencia es un peligro, pero este tipo de obsolescencia se relaciona con el efecto homogeneizador de herramientas populares. Por ejemplo, cuando muchas personas usan herramientas como Adobe Illustrator, Adobe Flash, o incluso servicios como Instagram, los atajos que permite la herramienta tendrán, al paso del tiempo, un efecto homogeneizador en los proyectos que las personas desarrollan con esa herramienta. Por esto, muchos proyectos digitales pronto parecen anticuados -se ubican en el tiempo, pero no lo sobreviven. Así, por ejemplo, la tipografía de The Whale Hunt es un diseño a medida atravesado por arpones balleneros. En Universe, toda la tipografía estaba formada por constelaciones de estrellas. Cuando haces cosas desde cero (con la ayuda de herramientas de código abierto), tienes mayor oportunidad de evitar la obsolescencia.

Conoce más sobre las inquietudes y obsesiones de Harris, visitando number27.org

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Medios de reproducción

Svjetlana Tepavcevic

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Medios de reproducción es un proyecto fotográfico que explora el poder de transformación de las semillas.

Describo estos microcosmos como grandes y misteriosas presencias que utilizan su energía y potencial ocultos para iniciar una nueva vida a través de su propia transformación. Las semillas y sus capullos protectores son elementos esenciales de la vida y un testimonio de su enorme vitalidad y capacidad de recuperación.

El paso del tiempo es un fuerte elemento que se muestra en mis imágenes. Las semillas en sí mismas son una manifestación del largo e invisible paso del tiempo que continúa dándoles forma y encapsulando en su interior el código para una nueva vida. La decadencia, otra manifestación del paso del tiempo, aparece con frecuencia, y simboliza el recuerdo de la muerte (memento mori): no sólo es la vida fugaz y finita, la vida y la muerte son dos extremos de una sucesión continua.

La selección de las imágenes en Medios de reproducción es personal y subjetiva: En el presente trabajo pretendo mostrar sólo aquellas semillas y vainas que me encuentro en situaciones ordinarias y cotidianas, con frecuencia en el simple caminar. Lograr estas imágenes es un acto de contemplación, de descubrimiento y aprendizaje, y de amor. Me acerca más a la naturaleza, cuyos sorprendentes diseños ahora aprecio más que nunca.

 

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TepavcevicSvjetlana Tepavcevic (Bosnia). Vive y trabaja en Washington D.C. Fotógrafa. B.A. en la Universidad de California y Los Ángeles. M.A. en la Escuela de Comunicación de Annenberg, Universidad de Pensilvania. Ha participado en varias exposiciones tanto individuales como colectivas y ha sido premiada en numerosas ocasiones. Su trabajo explora su entorno a partir de una observación detallada y de largo plazo, concentrada en la relación con los objetos. Su trabajo se puede consultar en Svjetlana Tepavcevic.
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Medios de reproducción es un proyecto fotográfico que explora el poder de transformación de las semillas.

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El paso del tiempo es un fuerte elemento que se muestra en mis imágenes. Las semillas en sí mismas son una manifestación del largo e invisible paso del tiempo que continúa dándoles forma y encapsulando en su interior el código para una nueva vida. La decadencia, otra manifestación del paso del tiempo, aparece con frecuencia, y simboliza el recuerdo de la muerte (memento mori): no sólo es la vida fugaz y finita, la vida y la muerte son dos extremos de una sucesión continua.

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TepavcevicSvjetlana Tepavcevic (Bosnia). Vive y trabaja en Washington D.C. Fotógrafa. B.A. en la Universidad de California y Los Ángeles. M.A. en la Escuela de Comunicación de Annenberg, Universidad de Pensilvania. Ha participado en varias exposiciones tanto individuales como colectivas y ha sido premiada en numerosas ocasiones. Su trabajo explora su entorno a partir de una observación detallada y de largo plazo, concentrada en la relación con los objetos. Su trabajo se puede consultar en Svjetlana Tepavcevic.
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Postales desde Google Earth

Clement Valla

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01



Recopilo imágenes de Google Earth. Descubrí momentos peculiares donde la ilusión de una representación fluida de la superficie terrestre parece desmoronarse. Al principio pensé que eran fallas técnicas o errores en el algoritmo, pero al analizarlas me di cuenta de que la situación era en realidad más interesante: estas imágenes no son fallas técnicas. Son el resultado lógico absoluto del sistema. Son una condición limítrofe -una anomalía dentro del sistema, un no estándar, un caso atípico, incluso, pero no un error. Estos momentos discordantes exponen cómo funciona Google Earth, y centran nuestra atención en el software. Revelan un nuevo modelo de representación: no mediante fotografías indiciales, sino por medio de la recopilación automatizada de datos desde numerosas y diversas fuentes que se actualizan de manera constante y se combinan infinitamente para crear la ilusión de continuidad. Google Earth es una base de datos disfrazada de representación fotográfica. Estas misteriosas imágenes centran nuestra atención en el proceso mismo y en la red de algoritmos, ordenadores, sistemas de almacenamiento, cámaras automáticas, mapas, pilotos, ingenieros, fotógrafos, topógrafos y cartógrafos que las generan.

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Clement VallaClemente Valla (USA,1979). Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Artista. Licenciado en Arquitectura por la Universidad de Columbia. Máster de diseño en Digital + Media de la Escuela de Rhode Island. En la actualidad es profesor asociado de Diseño Gráfico en RISD. Su trabajo ha sido expuesto en varios lugares a nivel internacional como el Museo de Arte de Indianápolis, Indianapolis; Museo de la Imagen en Movimiento, Nueva York; Thommassen Galleri, Gotemburgo, etc. Su trabajo lo encuentras en clementvalla.com

 

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Clement VallaClemente Valla (USA,1979). Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Artista. Licenciado en Arquitectura por la Universidad de Columbia. Máster de diseño en Digital + Media de la Escuela de Rhode Island. En la actualidad es profesor asociado de Diseño Gráfico en RISD. Su trabajo ha sido expuesto en varios lugares a nivel internacional como el Museo de Arte de Indianápolis, Indianapolis; Museo de la Imagen en Movimiento, Nueva York; Thommassen Galleri, Gotemburgo, etc. Su trabajo lo encuentras en clementvalla.com

 

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